BELFAST BOY

Canción de viernes: Friday on my mind

2012-01-27T12:27:00.001+01:00

Parece mentira que, después de 12 ediciones de Canción de viernes, aún no hubiera aparecido por aquí la que hoy nos ocupa. Porque si hay una canción que representa el espíritu de esta sección esa es 'Friday on my mind'.

Tras una letra aparentemente ligera y juvenil, 'Friday on my mind' esconde un mensaje sobre la rutina, el hastío y el aburrimiento del día a día, que sólo encuentra efímero bálsamo en el hedonismo del fin de semana. Porque el lunes resulta insufrible ("Monday morning feels so bad, Everybody seems to nag me"), el martes parece remontar ("Coming tuesday I feel better, even my old man looks good"), pero la semana transcurre insoportablemente lenta (Wednesday just don't go"). A la altura del jueves sólo tienes una cosa en mente ("Thursday goes too slow, I've got Friday on my mind"). Entonces llega el viernes y...

"Gonna have fun in the city,
Be with my girl she's so pretty,
She looks fine tonight,
She is out of sight to me,
Tonight....I spend my bread,
Tonight...I lose my head,
Tonight...I got to get tonight
Monday I have Friday on my mind".

"Do the five day drag once more,

Know of nothing else that bugs me

More than working for the rich man,

Hey I'll change that scene one day,

Today I might be mad,

Tomorrow I'll be glad,

I've got Friday on my mind".

La canción, publicada como single en 1966, fue el mayor éxito de los australianos The Easybeats, una banda formada en Sidney por inmigrantes procedentes de Inglaterra, Escocia y Holanda. 'Friday on my mind' fue grabada en Inglaterra, donde el grupo estuvo varios meses en busca del éxito que ya habían saboreado en su país, y se convirtió en un éxito en Estados Unidos, lo que les valió para ser encuadrados, a pesar de su origen australiano, dentro de la British Invasion que estaba entonces colonizando con sus melodías el país norteamericano.

Quiero tener una ferretería en Andalucía: Las andanzas de un punk por el sur de España

2012-01-25T13:36:00.006+01:00

A mediados de los 80, buscando tranquilidad y fascinado por la figura de Federico García Lorca, Joe Strummer decidió abandonar Londres y viajar a Granada. Allí vivió durante algunas épocas, en las que trabó amistad con músicos locales, se aficionó al Ron Pálido motrileño y persiguió el fantasma de Lorca. También se instaló durante algunas épocas en San José, un pequeño pueblo del almeriense Cabo de Gata. De esta época poco documentada de la vida del que fuera líder de The Clash habla 'Quiero tener una ferretería en Andalucía', el documental que ha grabado el director Carles Prats, con la ayuda de Javier Navarrete y Antonio Jesús García Che.

Con la Alhambra al fondo

Cuando Joe Strummer aún era John Mellor conoció en una casa ocupada de Londres a Paloma Romero, una malagueña que había viajado a Inglaterra junto con su hermana Esperanza huyendo de la gris sociedad de la España franquista. Joe (John) inició una relación con Paloma (rebautizada más tarde por Paul Sinomon como Palmolive, futura batería de The Slits y The Raincoats) y fueron las hermanas Romero, junto con un disco que éstas tenían donde Paco Ibáñez cantaba canciones de Lorca, las responsables de que el joven inglés se empezara a interesar por España en general, por Andalucía en particular y por la figura de Lorca por encima de todo. En aquella casa ocupada quedó Strummer inoculado de aquel virus que, años más tarde, le empujó a viajar al sur de la península ibérica, rumbo a la ciudad de la Alhambra.

Estaban una noche los componentes de 091 en el pub Silbar cuando apareció por allí un tipo delgado y desgarbado. Fue José Ignacio Lapido quien se percató del enorme parecido que aquel hombre tenía con el cantante de sus idolatrados The Clash. Como quiera que por Granada existía el rumor -leyenda urbana, se creía- de que integrantes del grupo inglés se paseaban por la ciudad, Lapido y compañía se acercaron al extraño para averiguar si era o no el autor de 'London Calling' y 'Spanish Bombs'. La respuesta, afirmativa, supuso el inicio de una bonita amistad entre los músicos autóctonos y el forastero, que culminó con la producción de 'Más de cien lobos', el segundo disco de 091, por parte de Strummer.

Aunque no formaba parte de los 091, Jesús Arias, integrante de los TNT y hermano de Antonio (bajo de los Cero, a los que dejaría posteriormente para formar Lagartija Nick), formaba parte de su círculo de amigos y fue, gracias a su buen dominio del inglés, el que más relación terminó trabando con el cantante de los Clash. Es precisamente Jesús Arias el hilo conductor de 'Quiero tener una ferretería en Andalucía'. Él es que más minutos de metraje ocupa y suyas son las anécdotas más jugosas. Arias nos cuenta aquella vez que Strummer quería comprar picos y palas para desenterrar el cadáver de Lorca en Viznar, aquella otra que se arrancó a cantar por los Clash acompañado del acordeón de un músico callejero que no se creía que el tío que tenía enfrente era el cantante de su grupo favorito y otras muchas historias fascinantes. Porque estamos, fundamentalmente, ante un documental de anécdotas. Una historia coral (no hay voz en off, sólo una sucesión de voces que convivieron, de una u otra forma, con el cantante) donde los diferentes protagonistas van dibujando un mosaico de la figura de Joe Strummer, o al menos del Strummer que vivió en España. Un personaje amable, vital, tierno y divertido, muy lejos del estereotipo del icono punk.

Junto a Arias aparecen en la película otros muchos que conocieron a Strummer y trataron con él, entre otros José Antonio García Pitos, cantante de los 091; Gabriel Contreras, un médico español que coincidió con Strummer en la casa ocupada de Londres y al que éste rebautizó como Mad Doc; Richard Dudanski, compañero de Strummer en los seminales 101ers; el integrante de The Pogues Jem Finer; y la anteriormente citada Esperanza Romero, hermana de Palmolive. Especialmente destacable es la aparición de Lucinda Mellor, viuda del cantante, no muy pródiga en entrevistas.

Granada no fue el único sitio que Strummer visitó en España. Se desplazó un poco más al sureste, hacia Almería, y más concretamente al Cabo de Gata. Allí, en el pueblo de San José, adquirió una casa donde volvía cada verano a disfrutar de la playa y las veladas flamencas en Fernán Núñez, deslumbrado por el cantaor El Niño de Olivares. Pasaba las noches en el famoso bar de Jo, donde cuentan que se sentía como en casa. También el Pez Rojo o el Dagobah, míticos garitos de San José, fueron testigos de las correrías del cantante. Los responsables de los tres locales tienen su voz en la cinta, así como alguien que compartió rodaje en 'Straigh to Hell', el spaghetti western de Alex Cox que Strummer rodó en tierras almerienses junto a Courtney Love y miembros de los irlandeses The Pogues, a los que la estancia les sirvió de inspiración para componer 'Fiesta' ("we have fiesta and feria, we have the song of the cochona, we have brandy and half corona"). Tan metido estaba Strummer en su papel que se paseaba por la capital cada noche, tras el rodaje, con su atuendo de pistolero.

Joe y Jo

De todo esto, de las andanzas granadinas y almerienses de este punk londinense, habla 'Quiero tener una ferretería en Andalucía', un documental delicioso, esclarecedor y, a ratos, hilarante que aborda etapas de la vida de Strummer no demasiado conocidas para el gran público. La cinta fue estrenada en el festival In-Edit de Barcelona y proyectada posteriormente en el In-Edit chileno y en el festival Dock of the Bay. El pasado sábado fue el turno de Almería, con una gran acogida por parte del público (la pequeña sala de proyecciones del Museo se quedó minúscula ante la afluencia de gente), y próximamente está prevista su proyección en Granada, la otra ciudad protagonista. Aunque está grabado con medios precarios y no carece de ciertos defectos (a veces la narración coral se llega a hacer confusa y cuesta identificar a muchos de los protagonistas, puesto que sólo aparece su nombre o apodo, sin más información), es una obra imprescindible para cualquiera que sienta la más mínima curiosidad por la vida y obra de uno de los grandes creadores de la música rock del pasado siglo.

La voz de Etta

2012-01-21T14:06:00.008+01:00

Poseía una de las mejores voces de la historia de la música, dulce y áspera a un tiempo. Una voz de lija y seda, que podía ser suave y tierna, pero también desgarradora y estremecedora. Una voz prodigiosa ante la que es imposible no emocionarse. Una voz que te acaricia el corazón y te araña el hígado. La voz de Etta James.

Como sucede con la mayoría de artistas negros de la época, no fue fácil la vida de Jamesetta Hawkins, nacida en Los Ángeles el 25 de enero de 1938. Su madre quedó embarazada de ella siendo una adolescente de 14 años y Etta nunca llegó a conocer a su padre, aunque ella sospechaba que era Rudolf Wanderone, el famoso jugador de billar conocido como Minnesota Fats. Wanderone siempre reclamó ser el modelo que inspiró a los guionistas de El buscavidas para el personaje de Minnesota Fats, aunque todo indica que fue él en realidad el que cambió su apodo (en principio se hacía llamar New York Fats) tras ver la película, buscando notoriedad.

En medio de una dura infancia, entre niñeras y apariciones guadianescas de su madre, la niña Jamesetta empezó a los 5 años a cantar gospel en su iglesia, dejando maravillados, cuentan, a todo el que acudía por allí. A los 14 años, cuando formaba parte del trío vocal Peaches, fue descubierta por Johnny Otis (fallecido también hace unos días), quien la introdujo en la industria de la música y produjo sus primeras canciones. Fue Otis quien transformó a Jamesetta Hawkins en Etta James. En 1960 Etta firma por el sello de Chicago Chess Records, la casa que dio acogida al blues eléctrico y al rock'n'roll seminal de Muddy Waters, Little Walter, Chuck Berry, Howlin Wolf' y Bo Diddley. Una decisión, a la postre, crucial para su carrera.

En la discográfica de los hermanos Chess vivió Etta sus años de mayor gloria. Fueron días fructíferos, de éxito y fama, grabando grandes canciones ('At last', 'I just want to make love to you', 'I'd rather go blind'...) y discos inmortales (el majestuoso 'At Last!', el radiante 'Tell Mamma'). Pero fueron también años de excesos, de abuso de alcohol y drogas, rozando el precipicio físico y emocional.

Tras morir Leonard Chess en 1969, la discográfica empezó un triste declinar, y la carrera de Etta también, aunque no dejó de grabar discos y actuar en directo hasta que su salud se lo permitió (padecía leucemia y alzheimer). Su último álbum, 'The Dreamer', fue publicado el pasado mes de noviembre. Ahora lloverán recopilatorios y homenajes de todo tipo, pero durante las últimas décadas público e industria habían dado la espalda a Etta, mientras encumbraban a diosas soul prefabricadas, de piel tersa y deslumbrante belleza, incapaces de arrancar la más mínima emoción.

Etta James falleció ayer, a cinco días de cumplir 74 años, pero su voz nos acompañará para siempre. Porque seguiremos recurriendo a ella cuando queramos estremecernos con 'All I could do is cry', animarnos con 'Seven day fool' o 'Tell Mamma' o sentir el ramalazo de la melancolía con 'I'd rather go blind'. Cuando, en definitiva, queramos sentir.

La autocanasta de Ferrándiz y Alocén

2012-01-18T21:30:00.005+01:00

Hace 50 años el baloncesto europeo era muy diferente al de hoy. Hace 50 años no existía la línea de 3 puntos (se instauró en 1984, tras los Juegos de Los Ángeles), ni las posesiones de 24 segundos (pocos años antes se habían instaurado los 30 segundos). Tampoco se sancionaba el campo atrás, ni existía el tiro libre adicional tras canasta. Hace 50 años aún era habitual ver jugadores que lanzaban los tiros libres a cuchara. Era aquel un baloncesto menos físico y menos sujeto a los sistemas tácticos.

Pedro Ferrándiz

Mucho ha cambiado el baloncesto en este medio siglo. Algunos de estos cambios han sido claves para el desarrollo de este deporte. Otros, nimios; cambios menores con repercusión apenas anecdótica. Por ejemplo, entonces no estaba prohibido que un equipo encestara adrede el balón en su propia canasta. Una norma que surgió, precisamente, hace 50 años.

El 18 de enero de 1962 jugaba el Real Madrid en tierras italianas, frente al Ignis Varese, el partido de ida de los octavos de final de la Copa de Europa. El equipo blanco estaba entrenado por Pedro Ferrándiz, eterno morador del banquillo blanco durante los años 60 y 70. Sobre la cancha, jugadores como Emiliano Rodriguez, Lluis Cortés, Carlos Sevillano, Lolo Sáinz, Lorenzo Alocén o la pareja estadounidense de pívots formada por Wayne Hightower y Stanley Morrison.

Las eliminatorias de Copa de Europa se disputaban entonces a doble partido, sumándose los puntos conseguidos en ambos partidos para conseguir el resultado total. No sólo era, por tanto, importante ganar (o perder), sino hacerlo por la mayor (o menor) cantidad de puntos.

Ante un pabellón repleto y un público enfervorizado (¡Forza Varese, Forza Varese!), el Real Madrid empezó mandando y a los pocos minutos ya vencía por 10-20. Durante todo el primer tiempo el equipo blanco disfrutó de diferencias a favor relativamente cómodas, llegando al descanso con una renta de ocho puntos (36-44). En la reanudación el Madrid resistió las embestidas del Ignis, manteniendo siempre la delantera en el marcador, aunque con diferencias cada vez más exiguas. A falta de dos segundos, el Ignis conseguía empatar el partido (80-80), siendo además eliminado por cinco faltas el madridista Morrison. En tan poco tiempo parecía difícil que el Madrid pudiera conseguir la victoria, por lo que el partido parecía conducirse irremediablemente hacia la prórroga. El desenlace, sin embargo, fue completamente inesperado.

Lorenzo Alocén

Lluis fue el encargado de poner el balón en movimiento, pasándoselo a Lorenzo Alocén, que acababa de ingresar en la cancha por el excluido Morrison. Entonces Alocén, ante el estupor de los espectadores que rebosaban el pabellón, se elevó y encestó la pelota en su propia canasta. Sin tiempo para más, el equipo italiano vencía por 82-80.

Tras la sorpresa inicial, la primera reacción del público fue mofarse del jugador madridista, pensando que, presa de los nervios del momento, había cometido un imperdonable error que había entregado la victoria al equipo contrario. Fue el húngaro Toth, jugador del equipo de Varese, el primero en percatarse de lo que en realidad acababa de ocurrir. El fallo de Alocén no había sido tal, sino que había encestado intencionadamente en su propia canasta con la finalidad de evitar la prórroga.

Todo había sido, por tanto, una treta de Ferrándiz. El Madrid había perdido a Sevillano y Morrison por faltas y Hightower, el otro americano, llevaba minutos en la cancha renqueante. El entrenador madridista consideró entonces que una derrota por sólo dos puntos, fácilmente remontable en el partido de vuelta en Madrid, era preferible a una incierta prórroga con su equipo mermado y el equipo contrario alentado por la remontada y empujado por sus entusiastas aficionados.

La jugada ideada por Ferrándiz y llevada a cabo por Alocén se puede considerar poco deportiva e incluso dudosamente ética, pero era legal en ese momento, pues la FIBA no había contemplado que algo así pudiera ocurrir y, en consecuencia, no había reglamentado al respecto. A raíz de esta acción la FIBA se planteó una modificación del reglamento, castigando al equipo que hiciera algo así con una multa y exclusión de la competición.

Como Ferrándiz esperaba, el Real Madrid remontó la exigua diferencia en el partido de vuelta, logrando una holgada victoria por 83-62 y clasificándose así para la siguiente fase. El equipo llegó aquel año a la final, disputada a partido único en Ginebra contra el Dinamo de Tbilisi. Era la primera final de Copa de Europa que disputaban los madridistas. La victoria fue para los soviéticos por 90-83. Dos años después, el Madrid ganaba la primera de sus ocho Copas de Europa, venciendo al Spartak Brno.

Más información:

Entrevista a Lorenzo Alocén (2de18.com)
Pedro Ferrándiz. Diez anécdotas para el Hall of Fame (acb.com)
1961-62: Autocanasta y primera final europea (realmadrid.com)
Por dos puntos de diferencia venció el Ignis, anoche, al Real Madrid (hemeroteca El Mundo Deportivo)

Cuando el Dépor era súper

2012-01-16T02:22:00.003+01:00

La escena la hemos visto repetida mil veces. Miroslav Djukic coloca cuidadosamente el balón en el punto de penalti y se aleja dando pasitos hacia atrás, sin dejar de mirar la portería. Se detiene a la altura de línea frontal del área. Ahora se toca la nariz, después coloca los brazos en jarra, luego se lleva la mano nerviosamente a la boca. Respira hondo, como queriendo capturar en sus pulmones todo el aire de A Coruña. En su rostro se adivina la tensión, el miedo a fallar, el peso de la responsabilidad. Bajo palos, González, el guardameta valencianista. Djukic comienza la carrera. Uno, dos, tres, cuatro, cinco pasos y el pie derecho golpeando el balón demasiado flojo, demasiado centrado, demasiado inocente, demasiado mal. La siguiente imagen es la de González, sujetada la pelota con su brazo izquierdo y puño derecho al aire. Es el final de un sueño.

Esta historia, este sueño, que culmina con el yerro de Djukic, arranca el 9 de junio de 1991. Aquel día el Deportivo de La Coruña se jugaba en Riazor el ascenso a la Primera División contra el Real Murcia. 18 años penando en categorías inferiores empezaban a ser excesivos para un equipo histórico, fundado en 1906. Era la última jornada de la temporada en la Segunda División y Deportivo y Murcia se jugaban en enfrentamiento directo una plaza de ascenso. Al Murcia le bastaba salir de Riazor con un empate, mientras que los gallegos necesitaban la victoria. Dos goles de Zoran Stodajinovic mandaron al Deportivo a la máxima categoría. En el equipo que formó aquella tarde ya estaban jugadores importantes en los siguientes años, como Albístegui y los hermanos Fran y José Ramón. También un joven central yugoslavo, sobrio, elegante y talentoso, que había llegado al equipo a mitad de temporada. Su nombre, claro, Miroslav Djukic.

Seguir leyendo en El último partido de George Best (Libro de Notas)

Parecidos razonables: Beach Boys Vs Chuck Berry

2011-12-19T21:50:00.000+01:00

En enero de 1958 Chess Records editaba 'Sweet Little Sixteen', un single de Chuck Berry que llegó al número 2 en las listas americanas, posición nunca alcanzada antes por Berry, que para entonces ya era un artista suficientemente famoso por canciones como 'Maybellene', 'Roll over Beethoven', 'Too much monkey bssiness', 'School Day (Ring! Ring! Goes the Bell)' o 'Rock and roll music'.

La carrera de Chuck Berry, el hombre que transformó el rythm & blues en rock'n'roll, iba viento en popa, éxito tras éxito, hasta que en 1959 fue detenido, acusado de tráfico de menores. El cantante había contratado a una chica de 14 años para trabajar en un club de su propiedad en St. Louis. La historia, como suele suceder en estos casos, no está muy clara y difiere según las fuentes, pero el caso es que ella fue acusada de prostitución y él fue condenado a pagar 5000 dolares y a cumplir cinco años de reclusión. Después de apelar, Berry ingresó en prisión en febrero de 1962 y obtuvo la libertad en octubre del año siguiente.

Cuando Chuck Berry salió libre, sonaba en la radio una canción de un grupo californiano que se empezaba a hacer muy popular. Al escuchar 'Surfin' U.S.A', editada en febrero de 1963, mientras Berry aún estaba en cautiverio, éste se quedó anonadado. Aunque la letra de la canción de los Beach Boys, un delirio adolescente sobre surfear a tutiplén, no tenía nada que ver, la melodía era clavada a la de 'Sweet little sixteen', el éxito que cinco años antes había compuesto Chuck. Fuera inspiración o mera coincidencia, lo cierto es que 'Surfin U.S.A.' estaba acreditada únicamente a Brian Wilson, el cantante y principal compositor del grupo. Ninguna mención a Chuck Berry, que emprendió entonces acciones legales y ganó el litigio.

En todas las reediciones del disco publicadas desde entonces la autoría de la canción aparece convenientemente acreditada a "Wilson/Berry".

Surfin' U.S.A. (The Beach Boys, 1963)

Sweet Little Sixteen (Chuck Berry, 1958)

Kokichi Tsuburaya, el atleta que se cansó de correr

2011-12-15T18:26:00.000+01:00

El 26 de mayo de 1959 el Comité Olímpico Internacional se reunía en Múnich para designar la sede de los XVIII Juegos Olímpicos que se habrían de disputar en 1964. La elegida, por amplia mayoría, por delante de Detroit, Viena y Bruselas, fue Tokio. La elección de la capital japonesa suponía un espaldarazo a un país que intentaba salir a flote tras una dura posguerra. Un pueblo herido y vencido que intentaba recuperar su orgullo y mirar hacia el futuro, dejando atrás tiempos dolorosos.

Los Juegos de Tokio, por tanto, suponían una oportunidad ideal para demostrar al mundo que Japón, superadas las dificultades, estaba preparada para llevar a cabo un evento de ese calibre. Si a nivel organizativo era importante demostrar la capacidad nipona, también lo era desde el punto de vista competitivo. Los deportistas japoneses tenían que estar a la altura del acontecimiento y exhibir ante el mundo la pujanza del país. Uno de esos atletas era Kokichi Tsuburaya.

Seguir leyendo en Libro de Notas.

El equipo de Dios

2011-12-05T02:45:00.003+01:00

Sucedió a finales del siglo XIX, aunque allí en las alturas el calendario gregoriano no es algo que se tenga en demasiada consideración. Se entretenía Dios en sus ratos libres contemplando, con escepticismo al principio, con creciente interés después, ese extraño juego que los ingleses habían inventado, en el que unos cuantos hombres, divididos en dos bandos, pegaban patadas a un balón. Le pareció al principio un juego estúpido, tosco y primario, pero poco a poco fue encontrándolo cada vez más atractivo, hasta quedar absolutamente prendado.

Entusiasmado finalmente con el hallazgo, aunque un poco molesto consigo mismo por no haber sido él el inventor de la idea -quizás si no me hubiera sentado a descansar el séptimo día, se reprochaba-, Dios iba contemplando como el fútbol se expandía a lo largo de ese gran globo azul que él había creado mucho tiempo atrás. Así, presenció el nacimiento de los campeonatos nacionales y asistió fascinado a los primeros Mundiales. Andaba ya entonces dándole vueltas a una idea que le empezaba a obsesionar. Un día se levantó y decidió que tenía que cumplir el sueño que le rondaba la mente. La decisión estaba tomada: Dios tendría su propio equipo de fútbol.

Impulsivo e impaciente, decidido a tener un equipo inmediatamente, Dios fichó de una tacada a la plantilla al completo del mejor equipo que había en aquellos tiempos. Así fue como jugadores como Ballarin, Maroso, Valentino Mazzola, Menti, Castigliano y Rigamonti abandonaron el Torino para enrolarse en el equipo celestial. La firma tuvo lugar en Superga el 4 de mayo de 1949.

Dios ya tenía su propia plantilla, pero aún consideraba que esta era demasiado corta, por lo que poco después fijó su mirada en otro de los grandes equipos de la época, el Manchester United, al que arrebató a ocho de sus mejores futbolistas, incluyendo el prometedor Duncan Edwards. Consciente de la decadencia en que había caído el Torino tras el fichaje mútiple, decidió, en un acto de piedad hacia los seguidores del United, no realizar una oferta por su mejor jugador, Bobby Charlton.

Muchos años antes de que los petrodólares aterrizaran en el fútbol, Dios ya realizaba ofertas irrechazables, engordando de esta forma las filas de un conjunto cada vez más poderoso, a costa de debilitar a sus rivales terrenales. Lentamente, sin prisa pero sin pausa, iba reforzando al equipo en posiciones claves. Si consideraba que necesitaba un jugador que aunara carácter y calidad, alguien capaz de jugar pegado a la cal pero también más centrado, fijaba sus ojos en un malagueño de nombre Juanito. Si el equipo necesitaba a un extremo habilidoso, fichaba a ese mago de las piernas torcidas que fue Garrincha. Si precisaba de un jugador con un cañón en su pierna izquierda, Puskas era su hombre. Si aún necesitaba más habilidad, más talento y más desborde, nadie mejor que George Best.

El último jugador en el que Dios fijó su mirada era un brasileño alto y elegante, de porte majestuoso, siempre con la cabeza levantada, barba poblada y melena al viento, rebelde y luchador incansable contra la intolerancia y las injusticias. Dios no podía evitar ver en este espigado jugador brasileño la evocación de su hijo. No había duda de que un futbolista como Sócrates era lo que necesitaba para apuntalar el centro del campo del equipo celestial.

Y así, poco a poco, jugador a jugador, Dios sigue formando el equipo más poderoso que conocieron los tiempos. Cualquier día sonará el teléfono en el despacho de Florentino, Rosell, Agnelli o Moratti. Al otro lado de la línea retumbará la enérgica voz de Dios, retando a los clubs más potentes de la Tierra para un duelo que dilucide cuál es el mejor equipo del más allá y el más acá. La Copa de la Eternidad.

Europeos en la NBA: los pioneros

2011-12-03T13:49:00.000+01:00

Hoy en día es habitual que los equipos de la NBA tengan en sus plantillas jugadores procedentes del baloncesto FIBA. Sin embargo, no siempre fue así. Hubo un tiempo no muy lejano en que entre NBA y FIBA existía un abismo y la posibilidad para un europeo (ya no digamos para un argentino o un chino) de dar el salto era una utopía. Fue durante la década de los 80 cuando las franquicias NBA empezaron a fijarse en el baloncesto que se jugaba fuera de sus fronteras y comenzaron a fichar a algunos de los jugadores que más destacaban en el continente europeo. Unos jugadores que abrieron el camino para que los Gasol, Nowitzki, Calderón, Kirilenko, Scola, Rudy o Ginobili triunfen hoy en la mejor liga del mundo. Ellos fueron los pioneros.

Tom Chambers y Fernando Martín

El draft del 85
Todas las historias tienen un principio. El de ésta lo podemos fechar el 18 de junio de 1985, fecha en que se celebró la elección del draft de aquella temporada. Se puede considerar que ese fue el pistoletazo de salida para la invasión europea que llegaría después. En aquel draft fueron seleccionados hasta cuatro jugadores europeos sin formación en EEUU, algo inédito hasta entonces. Tres de ellos acabarían jugando en la mejor liga del mundo. Antes ya se habían producido algunos casos aislados, pero ninguno de ellos llegó a emigrar a América. En 1981 había entrado en el draft Yasutaka Okayama, un gigante japonés de 2,38 seleccionado por Golden State en décima ronda; en 1982, Panagiotis Giannakis, legendario base griego del Aris de Salónica y del Panathinaikos, fue seleccionado por los Celtics, y en 1984 los Nets eligieron al brasileño Oscar Schmidt Becerra. Ninguno de ellos llegó a dar el salto.

En aquellos primeros años ochenta, paulatinamente, las franquicias americanas iban prestando más atención al baloncesto europeo, enviando ojeadores por todo el continente a la búsqueda de perlas. El basket americano iba abriendo los ojos ante lo que sucedía en Europa y se empezaba a percatar de que el viejo continente podía convertirse en el fértil vivero de jugadores que hoy es. Esa apertura tuvo su reflejo en el citado draft de 1985. Fernando Martín fue el primer europeo seleccionado, tras ser elegido por New Jersey Nets en segunda ronda (puesto 10º). El entonces soviético Arvydas Sabonis fue seleccionado por Atlanta Hawks en cuarta ronda –aunque la NBA anuló la elección por no tener cumplidos los 21 años y acabaría siendo elegido por Portland Trail Blazers el año siguiente-, el alemán Gunther Benkhe por Cleveland Cavaliers en quinta y el búlgaro Georgi Glouchkov por Phoenix Suns en la séptima. También fueron drafteados en 1985 los alemanes Detlef Schrempf y Uwe Blab, ambos en primera ronda, pero su caso era diferente pues los dos se habían formado en una Universidad norteamericana.

Glouchkov y Martín: explorando territorio hostil
A partir de ese momento se inició la carrera por ser el primer europeo en jugar en la NBA sin haber pasado por una Universidad americana. La anulación de la elección de Sabonis –las lesiones y los problemas políticos terminarían retrasando su llegada a la NBA hasta 1995- dejaban el duelo en un mano a mano entre Glouchkov y Martín. En España existía una gran ilusión en que Fernando Martín tuviera el honor de ser el primer europeo en pisar una pista NBA. Hay que recordar que en aquellos tiempos la NBA era algo mítico, inalcanzable; un baloncesto de otra galaxia del que sólo se tenía noticias mediante contados vídeos que dejaban boquiabiertos a los afortunados que tenían acceso a ellos. Hasta 1988 no llegaría a TVE ‘Cerca de las estrellas’, programa que, presentado por Ramón Trecet, acercó por primera vez a los españoles el espectáculo NBA.

Georgi Glouchkov

El jugador español estuvo participando en el Campus de verano de los Nets. Al finalizar el mismo, el equipo le ofreció un contrato que no convenció a Martín, lo cual -junto a la ilusión del jugador por participar con la selección española en el Mundial a celebrar en casa en el verano de 1986 (hasta 1990 los jugadores NBA no pudieron participar en competiciones internacionales)- hizo que Fernando pospusiera un año sus planes.

Glouchkov fue, por tanto, el primer europeo sin formación universitaria en codearse con las estrellas americanas. El baloncestista búlgaro, que había sido el gran dominador de la liga de su país el año anterior, promediando 23 puntos y 19 rebotes, no se llegó a adaptar nunca al basket NBA. A pesar de que empezó la temporada de forma prometedora su rendimiento fue decayendo a la par que su tono muscular, lo que propició el rumor –nunca contrastado- de que en Bulgaria había hecho uso de anabolizantes. Al terminar la temporada los Suns le invitaron a regresar a Europa, donde jugó en varios clubs con un aceptable rendimiento.

Una vez disputado el Mundobasket, Martín estaba dispuesto a iniciar la aventura americana enrolándose en las filas de los Portland Trail Blazers. La inicial ilusión prontó se tornó en decepción, al comprobar que no entraba en absoluto en los planes del entrenador, Mike Schuler. Para colmo las lesiones tampoco le respetaron. Un total de 24 partidos jugados y 22 puntos es pobre bagaje para un jugador de su talla. Probablemente aún era pronto para que la NBA aceptara sin reservas a un europeo. En otro momento o en otro equipo el desarrollo de los acontecimientos pudo haber sido diferente. Nunca lo sabremos.

1989: la avanzadilla
Aunque el rendimiento de Glouchkov y Martín no fue el deseado la espita ya estaba abierta y en los siguientes años los jugadores europeos se fueron haciendo cada vez más habituales en el draft. Petrovic, Binelli, Volkov y Tikhonenko acompañaron a Sabonis en el draft de 1986; Marciulionis, Cristodoulou, Morandotti y el español José Antonio Montero fueron seleccionados en 1987; el argentino Jorge González en 1988, y Divac y Radja en 1989. Era el momento de dar el salto definitivo.

Ese salto se produjo en 1989, año en el que aterrizaron en la NBA cinco europeos: Sharunas Marciulionis (Golden State Warriors), Alexander Volkov (Atlanta Hawks), Drazen Petrovic (New Jersey Nets), Zarko Paspalj (San Antonio Spurs) y Vlade Divac (Los Ángeles Lakers). Tras los tibios intentos de Glouchkov y Martín, era la ocasión de demostrar que un jugador formado en Europa podía codearse con los mejores del mundo. Su éxito significaría la prueba definitiva del nivel del pujante baloncesto europeo, pero el fracaso podría suponer que las franquicias de la NBA ignoraran definitivamente al baloncesto FIBA. Aunque la trayectoria de los cinco fue dispar, terminaron demostrando que el jugador europeo estaba en la NBA para quedarse.

Paspalj y Volkov fueron los que peor rendimiento mostraron y volvieron a Europa tras una temporada mediocre. La adaptación de Marciulionis, por el contrario, fue inmediata. Don Nelson lo introdujo en seguida en la rotación exterior como sustituto de Hardaway y Richdmond. El lituano acabó su primer año con 12.1 puntos en 22.6 minutos y se acabó consolidando como un jugador importante en la NBA. En los Warriors estuvo hasta el 94, siendo elegido mejor sexto hombre de la liga en 1992 y 1993. Tras sufrir una grave lesión que lo tuvo año y medio fuera de las pistas defendió, siempre con un papel destacado, los colores de Seattle SuperSonics, Sacramento Kings y Denver Nuggets, club en que se retiró en 1997.

Drazen Petrovic

Pese a que la adaptación de Divac no fue tan rápida como la de Marciulionis, su carrera resultó la más sólida de aquella camada del 89. Los Lakers se habían fijado en el balcánico como sustituto del mítico Kareem Abdoul Jabbar, retirado ese mismo verano. Al principio fue suplente de Mychal Thompsom, pero poco a poco fue ganándose la titularidad para terminar convirtiéndose en la referencia interior de los californianos. Se mantuvo en la NBA durante 16 temporadas, defendiendo durante 7 años la camiseta de los Lakers, 2 la de Charlotte Hornets y 6 la de Sacramento Kings. Finalmente volvió a Los Lakers, donde sus problemas de espalda le obligaron a retirarse con 37 años.

Los inicios de Petrovic fueron duros. El jugador que había sido máximo dominador del baloncesto europeo se tenía que conformar con jugar los minutos de la basura en los Blazers. La dura competencia de dos estrellas consagradas como Clyde Drexler y Terry Porter y el poco interés de Rick Adelman por incluirlo en la rotación del equipo dieron lugar a que sólo jugara 12,6 minutos por partido en su primera campaña. Pero lo peor estaba por llegar. La temporada siguiente no contaba en absoluto en los planes de Adelman y se la pasó prácticamente en blanco. Por suerte, en 1991 fue traspasado a New Jersey Nets, donde el genio de Sibenik gozó por fin de minutos y pudo demostrar todo su talento, convirtiéndose en la estrella de unos Nets que lograron jugar los play-offs en 1993. En el mejor momento de su carrera, cuando por fin se había convertido en una estrella de la NBA y las perspectivas de futuro eran inmejorables, un accidente de tráfico terminó con la vida de uno de los jugadores con más talento de la historia del baloncesto.

El desembarco
La senda abierta por Marciulionis, Divac o Petrovic fue transitada con asiduidad en los siguientes años. Las franquicias fueron perdiendo el miedo a incluir en sus filas baloncestistas no formados en Estados Unidos y los jugadores europeos se dieron cuenta de que triunfar en la NBA no era en modo alguno una quimera. En los años siguientes cruzaron el charco Toni Kukoc, Dino Radja, Tabak, Danilovic, Sabonis y un largo etcétera de jugadores hasta llegar a nuestros días. Algunos se convirtieron en estrellas de la NBA, otros en valiosos jugadores de complemento y otros, como Djorjevic o Jasickevicius, no tuvieron la suerte o la paciencia necesaria y se volvieron a Europa. Pero todos ellos lo tuvieron más fácil que los primeros en iniciar la aventura. Jugadores como Glouvchok, Fernando Martín, Petrovic, Divac o Marciulionis que tuvieron que lidiar en su día con la incomprensión y el escepticismo de la NBA. Ellos fueron los pioneros.

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Nota: Para elaborar este artículo he consultado algunas webs, blogs, la inevitable wikipedia (en inglés y en español), unos cuantos desvencijados 'Gigantes del basket' apilados en un rincón de mi armario y una carpeta etiquetada con el nombre 'NBA - Recuerdos de la edad dorada' que he recuperado de la papelera de reciclaje de mi cerebro.
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Publicado originalmente en soitu.es el 18/1/2009.

Canciones futboleras: Maradona (Andrés Calamaro)

2011-12-01T23:11:00.000+01:00

Que Maradona no es una persona cualquiera sino un hombre pegado a una pelota de cuero ya lo sabía cualquier aficionado al fútbol antes de que Calamaro lo cantara en 1999 en su estupendo e insuperado doble LP 'Honestidad brutal'. También sabíamos que tenía el don celestial de tratar muy bien al balón, aunque no guardemos en nuestro armario ninguna camiseta de Boca que nos regalara alguna vez.

Andrés, estamos esperando que vuelvas; siempre te vamos a querer. A pesar todo.

Casa de citas: George Best

2011-11-25T11:27:00.000+01:00

"Gasté un montón de dinero en coches, mujeres y alcohol. El resto simplemente lo malgasté".

"En 1969 dejé las mujeres y el alcohol. Fueron los peores veinte minutos de mi vida".

"Hace años dije que si me daban a elegir entre marcar un golazo al Liverpool o acostarme con Miss Mundo iba a tener una difícil elección. Afortunadamente, he tenido la oportunidad de hacer ambas cosas".

"Dicen que me he acostado con siete Miss Mundo, pero sólo han sido tres".

"Si el fútbol es un arte, entonces soy un artista".

"Si yo hubiera nacido feo, nunca habríais oido hablar de Pelé".

“Si perdía la pelota era un insulto personal y la quería recuperar. Sí señor, me fastidiaba mucho que me la quitaran, porque era mi pelota”.

"Mi mayor meta es que mi padre pensara que fui el mejor, y lo piensa".

"Se dice un montón de bobadas sobre defensas rudos y jugadores destructivos. Yo les llamo simplemente hijos de mala madre".

"Nunca salía por la mañana con la intención de emborracharme. Sólo sucedía".

"Cada vez que entro en un sitio hay sesenta personas que quieren invitarme a beber, y yo no sé decir que no".

"Tenía una casa al borde del mar, pero para ir a la playa había que pasar por delante de un bar. Nunca me bañé".

"No me llega ni a los cordones de la botella". (Sobre Paul Gascoigne)

"No tiene zurda, no sabe cabecear, no sabe ganar un balón y no hace goles. Aparte de todo eso, está bien". (Sobre David Beckham)

George Best (22 de mayo de 1946 – 25 de noviembre de 2005). Hoy se cumplen seis años de su fallecimiento.

El punk de Mourinho contra la psicodelia de Guardiola

2011-11-23T02:38:00.002+01:00

Johnny Rotten

José Mourinho llegó al Madrid y a la liga española con insolencia y chulería, dispuesto a dinamitar la escena existente, decidido a no pasar desapercibido, como un Johnny Rotten al frente de los malencarados Sex Pistols. O quizás como el Malcom Mclaren que diseña en la sombra una calculada estrategia. El Madrid, con Mourinho al mando, se convirtió en una vertiginosa apisonadora. En el Bernabéu sonaba una música poco elaborada pero contundente. Guitarras aceleradas y percusión simple y potente. Punk salvaje sin un momento de pausa. Rápido y directo, poco pulido pero punzante e incisivo. No importaba tanto que el sonido estuviera perfectamente ensamblado, que cada instrumento se encontrara cuidadosamente afinado, como que fuera efectivo cuanto antes, que calara el mensaje. Demoler, demoler, demoler. No había tiempo para florituras. No fun.

Cuando Mourinho aterrizó en Madrid, el Barcelona llevaba ya un par de años deleitando con su pop psicodélico. Pep Guardiola había recogido la semilla psicodélica plantada por Rijkaard y la había perfeccionado, logrando un sonido armonioso e imaginativo, con querencia por la melodía sin desdeñar la experimentación. El Barcelona son los 13th Floor Elevators de ‘You’re gonna mis me’. Guardiola es el Captain Beefheart que crea composiciones únicas con su Magic Band, el obsesivo Syd Barret que creó mundos fascinantes con Pink Floyd hasta que perdió la cabeza. El Sargento Pepper con la Lonely Hearts Club Band.

Syd Barret

El peligro que corre ahora el Barcelona es sumergirse en el barroquismo y olvidar lo esencial. Perderse en estériles y aburridos ejercicios de estilo. Divertirse aburriendo. Terminar degenerando en unos Genesis o unos Yes. La psicodelia pervertida: el rock progresivo. Hasta ahora, con contadas excepciones, ha evitado ese camino. Es de esperar que mientras Syd Barret no abandone el mando de la nave la dirección siga siendo la correcta.

La evolución del Madrid esta temporada es notable. Ya no es el equipo que escupe descargas violentas sin sosiego. Han encontrado el placer de la pausa y su sonido se ha enriquecido notablemente. El equipo esta temporada ha adquirido gusto por la melodía. No se trata ya de pegar guitarrazos cuanto más rápido mejor, sin importar la pericia ni la cohesión. Han aprendido a tocar todos juntos, afinados, sin hacer cada uno la guerra por su cuenta, y a administrar sabiamente la velocidad y la calma. Han evolucionado de la suciedad brutal de Sex Pistols al power punk de Ramones, Buzzcocks e incluso Undertones. Se han enriquecido con otras culturas, al estilo de los Clash. Cualquier día vemos a Mourinho moviéndose espasmódicamente a lo Ian Curtis o luciendo las gafas de pasta de Elvis Costello o la melena rubia de Debbie Harry. Del punk al post punk y la new wave, viaje inevitable.

Guardiola, por su parte, está teniendo que, sin traicionar la esencia psicodélica, explorar nuevas vías para no caer en la repetición de la ya conocida receta exitosa. A veces se acerca a la música de baile de unos Stone Roses, otros días prueba con la belleza tóxica de Mercury Rev o se recrea en las singulares melodías de Flaming Lips. Se trata de poner al día el discurso psicodélico, de no dejar que se estanque, pero tampoco se corrompa. Seguir sorprendiendo en cada composición.

Son dos equipos sobrados de talento que interpretan partituras bien diferentes, aunque quizás se parezcan más de lo que ellos mismos crean. No en vano, si tiramos del hilo, tanto punk como psicodelia hunden sus raices en el garage sesentero.

Los buenos aficionados, aquellos capaces de saborear lo mejor de cualquier estilo, están disfrutando de una apasionante temporada, en la que los dos equipos tienen desafíos mayúsculos ante sí. El reto del Madrid es seguir avanzando, seguir añadiendo matices a ese punk directo y descarado. El reto del Barcelona es evitar convertirse en Yes.

La vida es un top 5: Erecciones Generales

2011-11-20T10:00:00.001+01:00

Erección (Del lat. erectĭo, -ōnis).
1. f. Acción y efecto de levantar, levantarse, enderezarse o ponerse rígido algo.
2. f. Fundación o institución.
3. f. tensión (‖ de un cuerpo sometido a la acción de fuerzas opuestas).

5. Polanski y el ardor: Erección permanente
"Dejo siempre bien patente mi potencia natural. Con mi prótesis de silicona mi éxito siempre es total".

4. Pulp: My erection

"When I get lost and can't find my direction, when I get lost I'm gonna follow my erection".

4. La Mode: Erección
"Siente como se levanta un imperio, mira como se levanta hasta el cielo. Póstrate ante el obelisco milenario, tu y yo contra el mundo y el mundo abajo".

2. The Faint: Erection
"You tried to keep it a secret, but now the world's gonna know. You tried for perfection, but then oh uh oh erection".

1. Chucho: Erección del alma
"Ya sabes que siempre se me pone dura el alma de tocarte, acariciarte con los dedos".

Canción de viernes: Nothing but a headache (The Flirtations)

2011-11-18T15:09:00.004+01:00

Uno escucha la etiqueta "Northern Soul" y piensa inevitablemente en cuerpos sudorosos retorciéndose en la pista de baile. El hermano menor marchoso del rythm & blues vio la luz en el norte de Inglaterra en los últimos años de los 60, teniendo como referente al soul más rítmico del otro lado del charco, fundamentalmente el que hacían desde Detroit los artistas de Motown.

El origen geográfico de la etiqueta no se refiere a discos ni bandas surgidos en aquella parte del Reino Unido, sino al lugar donde unos cuantos clubs se animaron a recuperar perdidas grabaciones del soul americano más bailable de la década que terminaba. Uno de esos grupos reivindicados fue el trío femenino procedentede Carolina del Sur The Flirtations. Formadas como cuarteto (las hermanas Betty, Shirley y Earnestine Pearce, más Viola Billups) en 1962 con el nombre de The Gypsies, tuvieron un éxito menor con la canción 'Jerk it' antes de cambiar de nombre en 1965 y dejarse Betty por el camino, convirtiéndose en trío.

Ya como The Flirtations cruzaron el océano en busca de fortuna, para intentar abrirse en Londres el hueco que se les resistía en Estados Unidos. Allí grabaron el que sería su mayor hit, 'Nothing but a headache', una canción cuyo sonido recuerda a la época dorada de grupos de chicas de Motown, sobre todo a las Supremes. 'Nothing but a headache' alcanzó el número 51 en las listas del Reino Unido y el 34 en Estados Unidos. Una canción recurrente en cientos de compilaciones de Northern Soul e imprescindible en cualquier sesión de música negra. Si no te mueves con esto es que estás muerto.

Los Lagos de Hinault

2011-11-18T02:18:00.007+01:00

Bernard Hinault se presentaba en la línea de salida de la Vuelta a España de 1983 como el hombre a batir. Con cuatro Tours, dos Giros y una vuelta ya en su palmarés, el bretón era el mejor ciclista del momento sin discusión. Su victoria en la ronda española en 1978 había supuesto su primera victoria en una gran ronda por etapas y ansiaba volver a ganarla para redondear su palmerés. Y es que hubo una época en que la Vuelta a España no era una ronda que peleaban ciclistas de segundo nivel, sino pieza codiciada de primeros espadas. Los rivales de Hinault en aquella edición eran el italiano Giuseppe Saronni y los españoles Julián Gorospe, Marino Lejarreta y el tristemente desparecido Alberto Fernández. Aquel año la organización de la Vuelta había incluido una llegada inédita en alto que con el tiempo se convertiría en clásica: los Lagos de Covadonga. Debido al favoritismo de Hinault y el parecido fonético con los Lagos de Enol, a alguien se le ocurrió bautizar el puerto como los Lagos de Hinault.

No fue muy feliz la ocurrencia porque el francés no pudo ganar aquella etapa y perdió más de un minuto respecto a Marino Lejarreta, vencedor en la cima. El Junco de Bérriz se convirtió así en el primer ciclista en inscribir su nombre en el mítico puerto. Aunque al final la cima asturiana se convirtió aquel año en los Lagos de Lejarreta, esta historia tuvo que marcar, sin duda, a Carlos Ynduráin (apellido ciclista donde los haya, por cierto) cuando decidió llamar a su grupo precisamente con ese nombre: Los Lagos de Hinault.

Antes formar Los Lagos de Hinault, Ynduráin estuvo en Portonovo, grupo que editó en 2004 un disco exquisito ('En aquellos tiempos siempre era fiesta') que se abría con una canción que ya mostraba reminiscencias ciclistas: 'La Flecha Valona'.

Portonovo se separó en 2006 y Carlos Ynduráin empezaría a grabar canciones que verían la luz en octubre de 2008 en forma de maqueta, donde brillaba la estupenda 'El verano no nos quiere'. Pocos meses después, ya constituidos en dúo con la incorporación de Matilde Tresca, salía una segunda maqueta, de título 'Semana fantástica'.

La rapidez con la que se habían grabado las maquetas hacía pensar en un inmediato debut de largo. De hecho, hace más de un año se hablaba de una inminente grabación con Guille Mostaza de productor. Aunque se ha hecho de rogar, el pasado martes 15 salió 'Vidas ejemplares', el flamante estreno de Los Lagos de Hinault en el sello Fikasound.

Carlos y Matilde

El disco, producido finalmente por Cristian Pallejá, arranca con el ritmo trotón de 'El correo del zar', canción ya incluida en su segunda maqueta, cuyos inspirados primeros versos ("a mí me pasa mucho que no sé diferenciar muy bien si te echo de menos a ti o a una etapa que se fue") ya apunta por donde van los tiros literarios: treintañerismo generacional y costumbrismo, inofensivo y naif las menos de las veces; irónico, mordaz y punzante las más.

'El verano no nos quiere' ("habrá que ver el Tour de Francia o el Mundial") y 'Las chicas rubias de Serrano' (canción que se nos antoja prima hermana de 'Adoro a las pijas de mi ciudad', de La Costa Brava, aunque con dosis extra de mala baba) son otros dos momentos álgidos de un disco que apenas alcanza la media hora y en el que Carlos y Matilde se reparten las voces.

Los más puestos en el indie rosa quizás los recuerden por su agria polémica con Ellos. A otros quizás la voz masculina les suene sospechosamente parecida a la de los enigmáticos Los Directivos. En Belfast Boy nos declaramos fans de Los Lagos de Hinault. En primer lugar, por la referencia vintage a nuestro amado ciclismo de los ochenta; en segundo, por tener canciones tan chulas como 'El correo del zar', 'La distancia sobrante' o nuestra favorita, 'Las chicas rubias de Serrano'. Y, por si fuera poco, por versionar a Las Chinas en 'Amor en frío'.

'Vidas ejemplares' se puede comprar en vinilo o CD en la web de Fikasound y escuchar en bandcamp (aquí o al final del post)

PD: Aquella Vuelta del 83 fue ganada finalmente por Bernard Hinault, después de una portentosa demostración, cuando todo parecía perdido para él, en una etapa trufada de puertos menores con final en Ávila, donde aventajó en 20 minutos al hasta entonces líder, un Julián Gorospe que se hundió en aquel aciago día y ya nunca volvió a ser el mismo.

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Joe Frazier, el púgil que cantaba

2011-11-09T19:40:00.002+01:00

Todos los aficionados al boxeo en particular y al deporte en general conocerán la historia de Joe Frazier. El nacimiento en el seno de una familia numerosa humilde de Carolina del Sur. La partida a los 15 años en busca de un futuro mejor rumbo al norte, con destino en Nueva York, antes de asentarse definitivamente en Filadelfia. La medalla de oro en los Juegos de Tokio y la victoria ante Ellis que lo convirtió en el campeón mundial de los pesos pesados. El triple enfrentamiento frente a Muhammad Ali. El primer combate, en 1971, en el Madison Square Garden. La pelea del siglo. La victoria de Smokin' Joe a los puntos después de aquel fantástico gancho de izquierdas que mandó a Ali a la lona al principio del último asalto. La discutida derrota por puntos en la segunda pelea, tras haber perdido el cetro contra Foreman en Jamaica. Y por supuesto, el tercer combate contra Ali, el célebre "Thrilla en Manila", apasionante, brutal y dramático. Dos hombres pegándose al límite de sus fuerzas, exhaustos y magullados, manteniéndose en pie sólo por el deseo de ver al otro caer, sacando fuerzas de un combustible demasiado poderoso: el odio acumulado durante un lustro. Peleando como si no hubiera un mañana (pudo no haberlo para alguno de los dos) en medio de un calor insoportable. Frazier con su único ojo bueno tumefacto y Ali destrozado por dentro de tanto golpe. Entonces, al final del decimocuarto asalto, cuando ambos no podían más y Ali estaba a punto de rendirse, la decisión de Eddie Futch, el manager de Frazier, de arrojar la toalla. La gloria para Ali y el ocaso para Frazier, que apenas volvió a pelear después, que no volvió a ser el mismo sobre el ring.

Todo esto es historia del deporte. Lo que es posible que algunos desconozcan es la faceta musical de Joe Frazier. Aunque con las manos desenguantadas, sosteniendo el micrófono, no mostraba tanto talento como soltando los puños en el ring, Frazier era un verdadero amante de la música soul y funk y llegó a grabar varios trabajos con su banda, Smokin' Frazier and The Knockouts.

Muchas de las canciones que Frazier grabó tenían referencias más o menos explícitas al mundo del boxeo. Entre las más famosas que editó durante los años 70 están 'Knock out drop', 'If you go, stay gone', el 'Knock on wood' de Eddie Floyd, y 'My Way', el famoso tema popularizado por Sinatra.

Tras publicar algunos singles en sellos menores, en 1975, el mismo año del combate en Manila, Frazier publicaba un single en Motown, la celebérrima discográfica de Berry Gordy, el sello de Supremes, Vandellas, Marvin Gaye, Jackson 5 y Stevie Wonder. El siete pulgadas incluía 'First Round Knockout', una canción escrita por Van McCoy, en la cara A y una versión del 'Looky Looky (Look At Me Girl)' de The O'jays como cara B

Joe Frazier, el púgil cantante, el hombre de los puños y la voz, murió el pasado lunes víctima de un cáncer de hígado diagnosticado hace apenas un mes. Después de abandonar el boxeo dilapidó su fortuna y trabajó en un gimnasio en Filadelfia entrenando a jóvenes boxeadores, envidiando quizás la gloria y el reconocimiento que Ali sí encontró y a él le fueron esquivos. Siguió cantando con The Knockouts, interpretando sus viejas canciones junto a versiones de clásicos de siempre (My Way, Proud Mary, Mustang Sally...), actuando allá donde quisieran contratar a un antiguo campeón del mundo de los pesos pesados convertido en cantante de soul.

Más sobre Joe Frazier:

In memorian: Joe Frazier que estás en los cielos (Rubén Uría, Jot Down)
Eddie Futch o la Némesis de Alí (Fermín de la Calle, Jot Down)
Joe Frazier: his life in video clips (Sean Ingle, The Guardian)
When the mountain came to Muhammad (David Lacey, crónica original del primer combate Ali-Frazier, The Guardian?

Cuando Frazier vino a España (Fernando Carreño, Marca.com)

Música para un debate

2011-11-08T14:06:00.001+01:00

Anoche tuvo lugar el esperado debate entre Rubalcaba y Rajoy, los dos candidatos a la presidencia del Gobierno de España. Como el cara a cara nos resultó bastante aburrido, mientras los dos hombres de la barba iban hablando imaginábamos música con la que acompañar sus palabras y hacerlo así un poco más digerible. Este es el resultado.

Hay un hombre en España (Astrud)
"Hay un hombre en España que lo hace todo, hay un hombre que lo hace todo en España", cantaban Astrud allá por 2004 en esta canción incluida en su EP 'Todo nos parece una mierda'. Desde entonces no dejamos de preguntarnos quién es ese hombre del que hablaban Manolo y Genís. Tenemos fundadas sospechas de que ese hombre no es otro que Manuel Campo Vidal. No sólo es el hombre de los debates. Es el hombre de España que lo hace todo en la sombra.

Mi corbata (Cohete)
Hace cuatro años, en las vísperas del debate entre Zapatero y Rajoy, Jordi Évole propuso un reto a los candidatos. Prometió su voto a aquel que primero pronunciara durante el debate el nombre de Javier Bardem. Zapatero recogió el guante y Jordi, si no incumplió la palabra dada, tuvo que votar en aquellas elecciones al PSOE.

Aunque este año Évole se guardó de prometer su voto, sí que lanzó un desafío similar. En el programa de Salvados del pasado domingo, regaló a ambos candidatos unas corbatas compradas previamente en un mercadillo. El Follonero les dio a elegir entre varias y les pidió que las lucieran durante el debate. Los dos prometieron pensárselo. Aunque todos sabíamos que esta vez las opciones de que alguno lo hiciera eran mínimas, había cierta expectativa. Finalmente ninguno se atrevió y ambos portaron unas sobrias corbatas azules.

El Salvador tóxico (Mercromina)
Como nuestros conocimientos de economía son bastante limitados, cuando Rubalcaba inquirió a su rival sobre los activos tóxicos nuestra mente se imaginó a Rajoy con mallas y capa salvando activos a diestro y siniestro disfrazado de El Salvador tóxico. Tras semejante visión nos costó volver a entrar en el debate.

La insidia

Si no fue la más pronunciada, la palabra insidia sí fue seguramente la que más llamó la atención durante las dos horas de cara a cara. En varias ocasiones se dirigió Rajoy a su oponente para acusarle de declarar insidias. Sorprendió tanta insistencia en utilizar la palabra de marras. Como en este blog no creemos que Rajoy no conozca sinónimos de este vocablo (si tal caso fuera, le podemos ayudar), pensamos que el candidato del PP en realidad hizo un velado homenaje a La Insidia, el seminal grupo que formaron Javier Aramburu e Iñaki Gametxogoikoetxea, junto al periodista Ricardo Aldarondo, antes de tocar el cielo con Family y su irrepetible disco 'Un soplo en el corazón'. Un bonito y sutil guiño para iniciados por parte de Rajoy a unos de los grandes grupos del pop español. Nosotros lo pillamos, Mariano.

De mi niña (Los Buenos)

"Hablan tanto de mi niña, de cómo ella va vestida". En efecto, hace cuatro años se vertieron ríos de tinta sobre la niña de Rajoy. Posiblemente desde Joselito no había una criatura tan famosa en España. Existía curiosidad por comprobar si el candidato popular recuperaba para el debate de ayer a su niña, convertida quizás ya en una incipiente mujercita. La expectación fue máxima durante los cuatro minutos del alegato final de Rajoy. Al final, decepción. Rajoy no se acordó de la niña. ¿Qué habrá sido de ella?

Granero, sus gustos

2011-11-04T13:13:00.001+01:00

(Foto: José Porras)

A Esteban Granero le gustan los Beatles.
A Granero le gustan los Rolling Stones.
A Granero le gustan Simon & Garfunkel.
A Granero le gusta Patti Smith.
A Granero le gusta Lucinda Williams.
También le gustan Bob Dylan y Leonard Cohen.

A Esteban Granero le gusta Wilco.
A Granero le gusta The National.
¿A Granero le gusta Fleet Foxes?
A Granero le gusta Regina Spektor.
A Granero le encanta una canción de Mumford & Sons.
A Granero le gusta Bon Iver y Amanecer de Murnau.
A Granero le gusta Dawes.
Granero no puede parar de escuchar a Angus & Julia Stone.
A Granero le gusta Josh Rosue.
A Granero le gusta Ryan Adams.
A Granero le gusta Nirvana.
También le gustan Jesus & Mary Chain y Lost in Translation.

A Esteban Granero le gustan Springsteen y Clarence Big Man Clemons.
A Granero le gustan The Doors.
Granero escucha a Townes Van Zandt y Nacho Vegas.
A Granero le gusta 091.
A Granero le gusta Hola a todo el mundo.
A Granero le gusta Quique González.
A Granero le gustan Calamaro y Ariel Rot.
También le gustan Pereza y Sabina.

A Esteban Granero le gusta Brahms.
A Granero le gustan el baloncesto y las croquetas, no necesariamente en ese orden.
A Granero le gustan los hermanos Marx.
Una de las películas favoritas de Granero es El Graduado.
A Granero le encanta Woody Allen y ha visto 24 veces Annie Hall.
A Granero le gusta Alicia en el País de las Maravillas.
A Granero le gusta Lorca.
También le gustan Gil de Biedma y Ramón Gómez de la Serna.
A Granero le gusta Werther.
A Granero le gusta Hemingway.
Granero relee a Herman Hesse.
A Granero le gustan Onetti y Borges.
A Granero le gusta Poe.
A Granero le gusta Murakami.

Granero, sin duda, es un futbolista diferente.

Un tal Granero.

La vida es un top 5: Canciones cainitas

2011-11-02T00:51:00.001+01:00

Caín y Abel (Tiziano)

«Caín dijo a su hermano Abel: "Vamos afuera". Y cuando estuvieron en el campo, se abalanzó sobre su hermano y lo mató. Entonces el Señor preguntó a Caín: "¿Dónde está tu hermano Abel?". "No lo sé", respondió Caín. "¿Acaso yo soy el guardián de mi hermano?". Pero el Señor le replicó: "¿Qué has hecho? ¡Escucha! La sangre de tu hermano grita hacia mí desde el suelo. Por eso maldito seas lejos del suelo que abrió sus fauces para recibir la sangre de tu hermano derramada por ti. Cuando lo cultives, no te dará más su fruto, y andarás por la tierra errante y vagabundo". Caín respondió al Señor: "Mi castigo es demasiado grande para poder sobrellevarlo. Hoy me arrojas lejos del suelo fértil; yo tendré que ocultarme de tu presencia y andar por la tierra errante y vagabundo, y el primero que me salga al paso me matará". "Si es así, le dijo el Señor, el que mate a Caín deberá pagarlo siete veces". Y el Señor puso una marca a Caín, para que al encontrarse con él, nadie se atreviera a matarlo».

Genesis 4, 1-15.

5. Razas de Caín (Los Enemigos)

"¡Oh razas de Caín!, esto puede ser el fin. Despertad, levantad, poneos en guardia, desde el fango, parias, ¡resucitad!"

4. Cain said to Abel (Bloc Party)

"Cain said to Abel: "Brother I've been bad and I can't find my glasses"

3. La marca de Caín (Surfin' Bichos)

"Tomando una cerveza saca y huele unas bragas. 'Era una buena chica; la maté porque roncaba'. Mientras esto me dice centellea su mirada. Llevaba en la frente la Marca de Caín..."

2. Cain and Abel (Louis Armstrong)

"Now the Lord sure was hopping mad, and yet he was plenty sad to think that he had a man like Cain"

1. Blame it on Cain (Elvis Costello)

"Blame it on Cain. Don't blame it on me. Oh, oh, it's nobody's fault, but we need somebody to burn"

Cuando el Granada era el matagigantes

2011-10-25T08:33:00.040+02:00

En 1972 Miguel Ríos editaba su cuarto álbum, un directo titulado 'Conciertos de rock y amor', donde cantaba canciones propias amén de versiones de Ray Charles, Little Richard, Elvis Presley, Wilson Pickett y Dion. Los Ángeles, mientras, publicaban 'Pequeñas cosas', un disco en el que recopilaban canciones repartidas en singles ya publicados ('Una vez juré', 'Óyeme, niña', 'Mónica'), con la inclusión de algún tema inédito. Enrique Morente, que un año antes había publicado su 'Homenaje flamenco a Miguel Hernández', cantaba en la sede de la Unesco y recibía el Premio Nacional del Cante que otorgaba la Cátedra de Flamencología de Jerez de la Frontera. Y en 1972 el Granada C.F. estaba en Primera, codeándose en la parte media-alta de la tabla con ilustres como Athletic Club de Bilbao, Real Sociedad o Atlético de Madrid.

Granada 1971/72

El 9 de abril de aquel 1972 el Barcelona buscaba una victoria en el granadino estadio de Los Cármenes para intentar enjugar la diferencia de dos puntos que, a falta de seis jornadas, lo separaba del líder, el Real Madrid. La tarea para los blaugranas no era sencilla, pues el estadio del Granada se había convertido en un fortín inexpugnable, donde los locales no habían sido derrotados en toda la temporada. Sin ir más lejos, quince días antes, el Athletic de Iribar, Sáez y Rojo se había ido para Bilbao con una contundente derrota por 5-1. El Granada que entrenaba Joseíto (exfutbolista granadino que había sido tetracampeón de Europa con el Real Madrid) era un equipo serio y duro, que suplía con intensidad su posible déficit de talento. La visita a Los Cármenes, por tanto, era una fecha temida por todos los rivales. La pareja que formaban en la zaga el argentino Aguirre Suárez y el paraguayo Pedro Fernández era suficiente para amilanar a cualquier delantero. Fue en aquellos días cuando se empezó a fraguar la fama de equipo violento, que crecería en las temporadas posteriores. "Jugar en Granada es como ir a la guerra", llegó a declarar un par de años después el barcelonista Asensi.

Enrique Porta

El partido contra el Barça se puso pronto de cara para el conjunto granadinista. En el minuto cinco, un córner botado por Vicente desde la izquierda era cabeceado por Lasa a la altura del punto de penalti. El balón, bombeado, cayó muerto a la frontal del área chica, donde Porta, el menudo cazagoles aragonés, batió con una volea a Miguel Reina. Cinco minutos más tarde, una jugada personal de Asensi acababa en gol, pero el árbitro no lo concedía por haber pitado falta anteriormente. Las protestas de los azulgranas, que le recriminaban al colegiado no haber aplicado la ley de la ventaja, fueron estériles.

Cuando apenas se habían jugado dos minutos del segundo tiempo, un nuevo gol de Porta sentenciaba el partido, colocando el 2-0 en un marcador que ya no se movería hasta el pitido final. El Barça se distanciaba a cuatro puntos del Madrid y el Granada se colocaba en la octava plaza, soñando con la clasificación para la recién inaugurada Copa de la UEFA.

La victoria ante el Barcelona, sumada a las ya conseguidas en Los Cármenes contra Atlético de Madrid (1-0), Valencia (1-0) y Athletic (5-1), alimentó la leyenda de matagigantes del Granada, consolidada cuando, una semana después de la victoria ante el Barça, el Real Madrid de Zoco, Pirri y Velazquez salía también derrotado de Granada por 2-1. El equipo de la ciudad de la Alhambra se había convertido en la gran revelación de la competición.

El Barcelona no consiguió el título de Liga aquella campaña, terminando tercero a cuatro puntos del Madrid. El Granada, por su parte, terminó sexto, la mejor posición de su historia (repetida un par de temporadas más tarde), a punto de lograr la clasificación para la UEFA. El equipo rojiblanco terminó invicto en casa, donde sólo cedió cuatro puntos, y su delantero Porta ganó el trofeo Pichichi al máximo goleador de la Liga, tras marcar 20 goles. Una temporada redonda para el club presidido por Candi. La mejor de su historia.

Cuatro temporadas más estuvo el Granada en Primera División. En la 1975/76 descendió y emprendió un vagabundeo de 35 años por las divisiones inferiores del fútbol español, hasta que el pasado mes de junio ascendió superando en la promoción al Elche.

Casi cuatro décadas después de aquella victoria granadinista, el Barcelona vuelve a visitar Granada. Esta vez el partido no se disputará en el mítico estadio Los Cármenes de la Avenida de Madrid, demolido hace años, sino en el Nuevo Los Cármenes, levantado en 1995 en el barrio del Zaidín. Las circunstancias han cambiado mucho para el Granada. Ya no es aquel equipo correoso e inquebrantable en su feudo, al que todos los rivales temían visitar. Ahora se trata de un recién ascendido que intenta hacerse hueco en la Primera División, aunque solamente ha logrado 5 puntos en los 8 partidos disputados hasta ahora. Enfrente, un Barcelona campeón de Liga y de Europa, que buscará resarcirse rápidamente del reciente empate en casa contra el Sevilla. Teóricamente, el Granada se presenta como víctima propiciatoria ante los culés. Pero quién sabe, quizás se produzca el milagro; quizás el Granada, desafiando todos los pronósticos, logre vencer al poderoso Barcelona. Por qué no soñar con que esta noche el equipo rojiblanco empiece a recuperar su vieja leyenda de matagigantes. Al fin y al cabo, ya se sabe que todo es posible en Granada.

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Mi agradecimiento a José Luis Ramos Torres, autor del blog 5000 y un Ramos (imprescindible rincón para profundizar en la historia del Granada C.F.) por su amabilidad al cederme las fotos que acompañan al texto.
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Más información:
Crónicas del partido en El Mundo Deportivo, La Vanguardia y ABC.
La mejor temporada (5000 y un Ramos)
www.14abril1931.tk (Historia del Granada C.F.)

Parecidos razonables: Cristiano Ronaldo vs Johan Cruyff

2011-10-23T11:23:00.001+02:00

Cristiano Ronaldo (22/10/2011)

Johan Cruyff (22/12/1973)

Canción de viernes: She bangs the drums (The Stone Roses)

2011-10-21T21:19:00.002+02:00

Manchester, 1989. Happy Mondays publican en noviembre el E.P. 'Madchester rave on', dando nombre, sin saberlo, a un movimiento que ya llevaba un tiempo germinando. Unos meses antes, en marzo, sus paisanos Stones Roses habían editado un álbum de título homónimo. A rebufo del Segundo Verano del Amor, nacía el sonido Madchester. Eran tiempos de éxtasis y música de baile, y Manchester era el centro del universo musical.

Mezclando en sabias proporciones pop, psicodelia y dance, Stone Roses habían publicado un clásico instantáneo de la historia de la música pop, confirmando lo que ya habían apuntado en 'Elephant shoe', el single editado un año antes. El disco, repleto de canciones inmortales ('I wanna be adored', 'Made of stone', 'I am the resurrection'), tiene en 'She bans the drums' su tema más bailable y probablemente más popular. Un tremendo e infeccioso hit, carne de estas canciones de viernes. La guinda a un disco sobresaliente.

Cinco largos años tardaron Stone Roses en publicar su segundo disco, el decepcionante 'Second Coming' (1994). Problemas con la discográfica hicieron que el álbum se retrasara, lo cual no hizo más que incrementar unas expectativas que no resultaron satisfechas. Un par de años después, poco después de su desastroso concierto en el FIB de 1996, el grupo decidía separarse.

Cuando, en la cima de su popularidad, los Stone Roses fueron requeridos por los Rolling Stones para telonearlos, los de Manchester se negaron, aduciendo que eran Jagger y Richard los que debían ser sus teloneros. Ellos eran el presente y los Rolling Stones, el pasado. Mucho han cambiado las cosas desde entonces. Ahora los Stone Roses anuncian su vuelta a los escenarios para 2012, sin descartar la grabación de material nuevo. Un retorno que es inevitable acoger con escepticismo. La mediocre carrera en solitario de Ian Brown no contribuye a la ilusión. Tampoco el decepcionante regreso de sus compañeros de viaje Happy Mondays a mediados de la década pasada. Es posible que, para los más jóvenes, Stones Roses signifiquen ahora lo que los Rolling Stones significaban hace 20 años para ellos. No obstante, a pesar de la desconfianza, si tenemos ocasión de acudir a uno de sus conciertos, seguro que cuando la sutil percusión y el potente riff de bajo anuncien el principio de 'She bangs the drums', un arrebato de emoción y nostalgia nos inundará y, por un momento, seremos un poquito felices.

Los Planetas en Los Cármenes

2011-10-17T22:55:00.001+02:00

Los Planetas en El Día Después de Canal + (vía @estebanmoneo)

El triple de Ansley

2011-10-17T13:22:00.000+02:00

La Málaga baloncestista estaba de fiesta en junio de 1995. El equipo de baloncesto de la ciudad había llegado a la final de la liga ACB. Algo difícil de imaginar sólo tres años antes, cuando Unicaja de Ronda y Mayoral Maristas se fundieron en un sólo club que aglutinara todo el baloncesto de la ciudad.

Plantilla del Unicaja Málaga 1994/95 (malaga.diwiki.org)

No fue una sorpresa que el Unicaja alcanzara la final, pues ya en la liga regular había mostrado su poder terminando en segunda posición al cabo de las 38 jornadas. A la final, además, llegaban descansados, con fuerzas y ánimos intactos tras derrotar a Estudiantes, en cuartos de final, y TDK Manresa, en semifinales, sin perder ningún partido. El Barcelona, su rival en la final, llegaba, en cambio, después de unas semifinales agotadoras a cinco partidos contra el Real Madrid de Sabonis y Arlauckas. Aunque la temporada del Madrid en la ACB no había sido brillante, terminando cuartos en la liga regualar, acababa de ganar la Copa de Europa después de quince años, con el infalible Obradovic en el banquillo. La semifinal contra el Barcelona se consideró en aquel momento, por tanto, como la final anticipada. Superados los blancos, no había duda: el Barça, que contaba además con el factor cancha a favor, era indiscutible favorito.

Unicaja había llegado más lejos de lo que nadie podía imaginar unos meses antes. Su falta de experiencia y la escasez de su banquillo suponían hándicaps demasiado grandes contra la plantilla entrenada por Aíto García Reneses, que contaba, entre otros, con Xavi Fernández, José Antonio Montero, Salva Díez, Corey Crowder, Ferrán Martínez, Darryl Middleton, Andrés Jiménez y un Epi con pie y medio en la jubilación.

Las mejores armas de aquel Unicaja eran la muñeca letal del ruso Sergei Babkov, toda una amenaza desde el perímetro, los kilos y la clase de Mike Ansley debajo del aro y la dirección del malagueño Nacho Rodríguez. Junto a ellos, Manel Bosch y Kenny Miller formaban en el cinco inicial, y Curro Ávalos, Alfonso Reyes y Gabi Ruiz completaban la exigua rotación de Javier Imbroda.

El lanzamiento (unicajabaloncesto.com)

La sorpresa no tardó en saltar. Más descansado, el Unicaja dominó el primer partido en Barcelona, imponiéndose 77-84, con 23 puntos de Babkov. En el segundo, los malagueños estuvieron en un tris de noquear a los azulgranas y acabaron sucumbiendo por un exiguo 93-92. El Barça había salvado el K.O. y la eliminatoria viajaba rumbo a Málaga.

El tercer partido volvió a ser apasionante e igualado. Venció Unicaja por la mínima (88-87), con un partido enorme de sus dos hombres interiores, Miller y Ansley. La locura estaba desatada en Málaga. El sueño estaba a punto de hacerse realidad. Sólo tenían que ganar el siguiente partido, a disputarse también en Ciudad Jardín. Pero lo más importante era que, hasta ese momento, el Unicaja había demostrado su superioridad a lo largo de la serie.

En el cuarto envite la tensión era enorme. De nuevo, partido igualado. Una vez más, final ajustado. A 20 segundos del final, con 77-79 para los catalanes, Salva Díez falla un 1+1. El Unicaja tiene una posesión para ganar el partido -y con ello la Liga ACB- o mandarlo a la prórroga. Mike Ansley, inconmensurable hasta entonces (37 puntos) en aquel partido, pide la bola. El americano, pleno de confianza, bota el balón y traspasa el medio campo. Su marcador, Middleton, lo espera a prudente distancia. Ansley bota una y otra vez, avanzando lentamente, pasándose el balón entre los pies, y cuando llega a los 7 metros se eleva y ensaya un triple frontal. El balón vuela, choca en la parte posterior del aro y sale despedido. La serie estaba igualada. Tres días después, en el quinto y definitivo encuentro disputado en la Ciudad Condal, los blaugranas vencían por 73-64, terminando con el sueño malagueño.

Mike Ansley fue nombrado MVP de aquella final (único caso en la historia de las finales ACB en que gana el MVP un jugador del equipo perdedor), aunque seguro que hubiera canjeado el galardón porque su lanzamiento triple hubiera traspasado el aro. El Unicaja volvió a Málaga derrotado, pero satisfecho por el trabajo realizado. Los de Imbroda habían introducido una cuña en el selecto club formado hasta entonces por Real Madrid, Barcelona y Joventut. El camino abierto no tardaría en ser transitado por otros. Un año después fue el Caja San Fernando de Sevilla quien se coló en la final contra el Barça. En 1997, el TDK Manresa se convertía en el cuarto club en la historia en ganar la Liga ACB. En 2002, lo hacía el Tau Baskonia. Finalmente, en 2006, el Unicaja derrotaba al Tau en la final de la ACB, con Scariolo en el banquillo y Garbajosa como estrella. Nueve años después, la deuda quedaba saldada.

Casa de citas: Noel Gallagher loves Mourinho

2011-10-13T11:12:00.001+02:00

Foto: freschwill (licencia CC)

P. ¿Qué espera del concierto de Madrid?

R. Espero que vengan José Mourinho, Cristiano Ronaldo, Özil y Kaká. Amo con todas mis putas fuerzas a Mourinho. Si le ves, dile que como me lo encuentre le pienso dar un beso.

Noel Gallagher, en entrevista a El Mundo (vía @Jarroson)

Canción de viernes: (I can't get now) Satisfaction (Otis Redding)

2011-10-07T20:48:00.001+02:00

Si se hiciera una encuesta sobre las canciones más conocidas en la historia del rock, seguro que entre las primeras aparecería '(I can't get now) Satisfaction', el famosísimo tema que los Rolling Stones grabaron como single en 1965 y que aparecería posteriormente en la versión americana de su álbum 'Out of our heads' (1965). La que a buen seguro no es tan conocida es la incenidaria versión de 'Satisfaction' que el imponente soulman Otis Redding grabó pocos meses para su disco 'Otis Blue: Otis Redding sings soul' (1966).

Foto: AOK Library & Gallery, UMBC (licencia CC)

Redding lleva la canción al terreno del soul bailable, con una interpretación apasionada y unos irresistibles metales, encargados de colorear uno de los riffs más famosos de la historia del rock. Cuentan que la idea de interpretar el riff principal con metales ya estaba en la cabeza de Keith Richard a la hora de grabar la canción, pero finalmente no fructificó. Redding consigue hacer propia la canción, inyectándole una dosis extra de energía, sin que por ello deje de ser perfectamente reconocible. Todo ello da como resultado una versión extraordinaria y adictiva, capaz de resucitar a un muerto. Carne de pista de baile. Tan buena es la relectura que los propios Stones quedaron asombrados al escucharla y llegaron a reconocer que era mejor que la original. La letra no es exactamente igual a la de la canción de los Rolling Stones. Otis no la conocía al completo y fue improvisando en la grabación, introduciendo versos de su propia cosecha aquí y allá.

En directo la canción iba un poco más allá. Era aún más explosiva, desgarrada y frenética, con la banda acelerando hasta el éxtasis conforme se aproximaba al final, mientras la espigada silueta de Otis era presa de esos movimientos espasmódicos que le hicieron célebre en el escenario.

El abrazo del boxeador

2011-09-23T11:25:00.000+02:00

"Me he despertado, soñaba que eras mi amigo.
Eco en la voz, palabras en las que confiar.
Soñaba que estaba abrazando a mi enemigo.
Odio y amor se confunden en esta irrealidad.

Fue como el abrazo del boxeador
que se agarra al otro, tal vez sea amor
o el último intento por sobrevivir"

Foto: as.com

Florentino bajó al vestuario y se abrazó con Mourinho (as.com)

Once años después, Munitis

2011-09-22T20:31:00.003+02:00

Sucedió hace más de una década, el 22 de abril del año 2000. El Madrid acababa de lograr una victoria sublime en Manchester el día en que a Redondo se le ocurrió acercarse al área contraria y pisar la línea de fondo. En Liga las cosas no les iban tan bien a los blancos (estaban a cinco puntos del Deportivo de La Coruña, líder), pero la visita del modesto Racing de Santander al Bernabéu no debía presentar en teoría mayores complicaciones a un equipo que venía de impresionar en uno de los escenarios más majestuosos del fútbol mundial. En teoría.

La realidad fue bien distinta y gran parte de culpa la tuvo un pequeño delantero cántabro de 24 años que volvió loca a la zaga blanca con su velocidad, desborde y regate. Aunque no marcó aquella tarde, Pedro Munitis dio dos pases de gol y tuvo una actuación sobresaliente liderando la victoria del Racing en el Bernabéu por 2-4. Había nacido una estrella.

Con la vieja máxima de "si no puedes con tu enemigo únete a él", adaptada para la ocasión en "si no puedes con tu enemigo únelo a ti", Lorenzo Sanz no tardó en entablar negociaciones con el Racing para fichar a Munitis de cara al nuevo Madrid 2000/01, proyecto que él ya no encabezaría, aunque eso era algo que Sanz en ese momento estaba muy lejos de sospechar.

Aquel verano Munitis fue convocado por Camacho para jugar una Eurocopa que pasaría a la historia en el imaginario patrio por los sobacos sudados de Camacho, el penalti a las nubes de Raúl contra Francia y el épico gol de Alfonso contra Yugoslavia. Precisamente en aquel encuentro contra los balcánicos marcó el delantero santanderino un precioso gol por la escuadra tras un toque sutil desde el borde del área. Munitis llegó como el último de la fila y terminó siendo titular en el decisivo choque de cuartos contra Francia. Luego llegó el invierno, la nueva temporada en un Madrid donde Florentino acababa aterrizar con Figo bajo el brazo (o al contrario, todavía no lo tengo muy claro). En los dos años que Munitis vistió (poco) de blanco apenas recordó al habilidoso y veloz jugador que deslumbrara en el Racing. Siempre imaginé a Munitis codeándose en los entrenamientos con Figo, Zidane, Raúl, Roberto Carlos, Guti y compañía y viéndose a sí mismo como una suerte de patito feo en un mundo habitado por bellos y esbeltos cisnes. Mal encajaba él en el glamuroso Madrid galáctico que se empezaba a construir.

Munitis volvió en 2002 a Santander en calidad de cedido, fue traspasado al Deportivo de La Coruña un año más tarde y recaló definitivamente en el Racing en 2006, donde volvió a vivir días de gloria formando pareja en la delantera con Zigic (alguna mente preclara los bautizó como "el dúo sacapuntos" en un alarde de originalidad). Una trayectoria apreciable, aunque quizás lejos de las cotas que se podían atisbar cuando el Madrid fijó su mirada en él.

El pasado verano Munitis y el Racing acordaron prolongar durante una temporada el contrato que expiraba en junio. A sus 36 años, es lógico pensar que esta sea su última temporada en Primera División. Es obvio que ya no es el titular indiscutible de antaño, pero aún puede ser una pieza útil para Héctor Cúper.

Anoche, cuando en el minuto 68 Munitis saltó al césped de El Sardinero en sustitución de Stuani, yo lo vi claro. Imaginé al menudo delantero cántabro volviendo locos a Carvalho y Varane como hace más de una década había hecho con Iván Campo y Karanka (puede que, en el banquillo, el segundo de Mourinho también recordara aquel partido y un escalofrío recorriera su columna vertebral al ver a Munitis despojarse del chándal). Lo visualicé corriendo cual guepardo detrás de un balón servido en profundidad, aprovechando las espaldas de los centrales de un Madrid que se volcaba en esos últimos minutos con mucho desorden y poco concierto. Entonces Munitis controlaría el balón, encararía a Casillas, levantaría la cabeza y pondría el balón muy pegadito al palo para meter el gol que no pudo marcar aquella noche de abril once años atrás, cerrando así el círculo abierto aquel día en El Sardinero y poniendo un broche impecable a su longeva trayectoria. Sería una historia bonita para contar en una entrada en el blog, pensé.

Nada de eso ocurrió. Munitis pasó desapercibido y ni siquiera tuvo oportunidad de chutar a puerta en los 25 minutos que estuvo en el campo. El círculo sigue abierto (quizás en la vuelta en el Bernabéu...) y yo me quedé sin historia que contar.

Recuerdos de la fase REM

2011-09-21T21:12:00.002+02:00

Me pasó muchas veces. Siempre que algún amigo poco metido en el mundillo de la música, de esos que sólo escuchan los 40 de fondo, me preguntaba por mis gustos musicales, animándome a compartir con él los grupos que a mí tanto me apasionaban, se me presentaba un problema. Una vez citados los cuatro o cinco nombres que se me venían a la cabeza (qué se yo: Sonic Youth, Yo la Tengo, The Go Betweens, The Wedding Present, PJ Harvey, My Bloody Valentine) y ver su cara de estupor, pensando seguramente qué demonios escucha el tarado este, se me encendía una bombilla y nombraba las tres siglas mágicas: R.E.M. Nombrar al grupo de Stipe era una de las dos posibilidades (la otra era ir a lo clásico -Beatles, Rolling, Bowie incluso-, pero entonces corrías el riesgo de pasar por un carca viejuno) para que la conversación musical no muriera en el acto o lo tomaran a uno como un bicho raro que escucha esa música que no conoce nadie.

Foto: Stefano - Stark

Y es que R.E.M. siempre fueron unos maestros del funambulismo a la hora de bailar en ese delicado alambre que aúna la calidad artística con el éxito comercial. Triunfaron a su manera, haciendo lo que creían que debían hacer y sin hacer nunca la más mínima concesión a las listas de éxitos. La mejor prueba es que después del éxito de 'Out of time' se sacaron de la chistera, en contra de lo que se podría esperar, un disco reflexivo, íntimo y oscuro como 'Automatic for the people'. Y también triunfaron.

Ahora Michael Stipe, Peter Buck y Mike Mills anuncian el adiós con una nota en su página web. Algunos pensarán que esta despedida llega al menos con una década de retraso. Es cierto que R.E.M. hace tres lustros que entregó sus mejores temas, pero también lo es que su supervivencia es más digna que la mayoría de grupos de generaciones posteriores. Sus mejores tiempos pasaron, cierto, pero nunca se arrastraron ni hicieron el ridículo. Su último disco, 'Collapse into now', sin ser deslumbrante, sí es un disco notable.

Como en cualquier separación, sea del tipo que sea, seas tú protagonista o sólo testigo de excepción, quedan los recuerdos. La primera vez que vi el vídeo de 'Shinny happy people' en la tele a principios de los 90. El año en que escuchaba 'Automatic for the people' compulsivamente. El concierto en Los Cármenes en 2005. Escuchar 'Losing my religion' o 'What's the frequency, Kenneth?' en cualquier pub durante aquellos maravillosos años 90. Recurrir desde la cabina a la infalible 'It's the end of the world as we kow it (and I feel fine)' para animar la noche o a 'Drive' para poner el broche de oro. Y, claro, echar mano del nombre de R.E.M. para intentar simpatizar con esa persona que apenas estabas empezando a conocer y salvar así una posible amistad antes de que pensara que un tío con unos gustos musicales tan raros no podía ser normal.

Más en Belfast Boy:

Discos para una isla desierta: Automatic for the people

La vida es un top 5: Nacho Vegas

2011-09-20T01:16:00.001+02:00

Una década ha pasado ya desde que Nacho Vegas publicara su disco de debut. Diez años en los que ha pasado de ser un desconocido que apenas congregaba a un par de decenas de fieles en pequeñas salas a abarrotar grandes salas y teatros, durante varias noches seguidas incluso. Cuando Vegas decidió abandonar Manta Ray a finales de los 90, insatisfecho por cantar en inglés y anhelante por poder transmitir las historias que rondaban su cabeza, pocos podían imaginar que se iba a convertir en un fenómeno a ambos lados del Atlántico.

Parte del éxito hay que atribuírselo a sus colaboraciones con artistas más conocidos como Christina Rosenvinge y, sobre todo, Bunbury, pero es innegable que Nacho Vegas ha creado un universo propio y reconocible, reivindicando una figura -llamémosle cantautor rockero- muy común en Estados Unidos pero casi inédita en España, donde el vocablo cantautor va invariablemente adherido a adjetivos como rancio o casposo. Desde 'Actos inexplicables' (2001) hasta el reciente 'La zona sucia' (2011), son muchas las grandes canciones que Vegas ha entregado a lo largo de sus cinco discos y diversos singles y EPs (que a nadie se le ocurra considerar los temas contenidos en ellos como menores o de relleno). Complicado, por tanto, hacer una selección de sus cinco mayores aciertos, pero vamos a intentarlo.

5. La gran broma final
Cada disco de Nacho Vegas contiene al menos una canción de las verdaderamente grandes. Una canción de esas que se escuchan con el corazón encogido y que desde la primera vez que suena en el reproductor uno es consciente de que está algo mayúsculo. En el último disco, esa canción es 'La gran broma final'. Cuando todo se derrumba a tu alrededor y buscas la cámara oculta.

4. Añada de Ana la friolera
Decíamos unas líneas más arriba que las canciones que aparecen en los singles y EPs de Vegas no son, en modo alguno, relleno o descartes sobrantes de los discos. Un buen ejemplo es esta triste nana que aparece en 'Miedo al zumbido de los mosquitos' (2002), la historia de un amor destrozado en medio del frío perenne. ¿Quién no daría su vida entera por otra noche con la chica friolera?

3. Morir o matar
'El manifiesto desastre' (2008) es, a mi juicio, el disco más flojo del asturiano. Es cierto que posee canciones notables ('Dry Martini S.A.', 'Detener el tiempo', 'El tercer día', 'Crujidos'), pero momentos menos inspirados ('Nuevas mañanas', 'Monduber') y experimentos algo fallidos ('Marc y Lole', 'En lugar del amor') hacen que el conjunto se resienta. Claro que todo eso se olvida cuando al llegar a la última canción nos encontramos con la monumental 'Morir o matar'.

2. El ángel Simón
He de confesar que, a menudo, escuchando las letras de Vegas, me asalta un ataque de pudor ajeno. Aunque la línea que separa a la persona del personaje esté difuminada (o quizás por eso mismo), me resulta inevitable no sentir cierta desazón al escucharlo hablar de amor, sexo, drogas y muerte de una manera tan descarnada, si bien es verdad que está matizado normalmente con un leve toque de humor. Ya desde su primer disco dejó patente que no se iba a andar con rodeos. La cuarta canción de 'Actos inexplicables', 'El ángel simón', trata de forma abierta sobre la muerte (que no suicidio, como se puede pensar) de su padre. Sobrecogedora.

1. Ocho y medio
Casi siete minutos del Nacho Vegas más majestuoso. "Seré muy breve: te he perdido, y esto duele".

Fútbol y radio

2011-09-16T11:04:00.000+02:00

Se jugaba la última jornada de la fase de grupos de la Eurocopa de 1984. España se enfrentaba a Alemania a la misma hora que Portugal y Rumanía, los dos otros equipos del grupo, hacían lo propio. El empate a cero en los dos partidos clasificaba a españoles y alemanes, por lo que a medida que pasaban los minutos se fue disipando el ardor ofensivo de ambas escuadras y se acabó estableciendo un tácito acuerdo de no agresión. En el minuto 81 marcó Nené para Portugal. En ese momento pasaban germanos y lusos y España estaba eliminada. Los hombres entrenados por Miguel Muñoz tenían menos de 10 minutos para remontar.

En un momento dado, no recuerdo si antes del gol luso o después (creo que esto último) se perdió la señal de televisión. España se estaba jugando su futuro en la Eurocopa y nosotros, impotentes, no podíamos verlo. Mi madre entonces encendió rápido un transistor y así pudimos seguir el desenlace del encuentro por Radio Nacional de España, la única emisora que se sintonizaba entonces con cierta nitidez en mi pueblo.

España paso a semifinales con un gol con el tiempo casi cumplido. Allí eliminó a Dinamarca y pasó a la final (el primer partido que vi en mi vida, por cierto, en una televisión en color, pero hoy no toca hablar de eso), que terminaría perdiendo con Francia, pero el recuerdo más vivo que guardo de aquel campeonato es el de toda la familia rodeando el transistor mientras el narrador (¿Juan Manuel Gozalo?) se desgañitaba cantando el gol de Maceda. Esa estampa constituye mi primer nítido recuerdo radiofutbolístico.

Desde ese momento la radio estuvo íntimamente ligada a mis vivencias futboleras. Tardes de domingo en mi infancia escuchando a Gozalo, Peláez y Brotóns en Tablero Deportivo (Gol en Las Gaunas, penalti en el Martínez Valero). Tardes adolescentes de estudio, encendiendo la radio cada cuarto de hora para seguir los resultados de los partidos (expulsión en el Carranza). Largos viajes en fin de semana en el coche familiar con el fútbol saliendo de los altavoces del coche (tarjeta en La Condomina). Solitarios viajes, tiempo después, conduciendo con la única compañía de Carrusel Deportivo y su inconfundible pitido cada vez que el balón entraba en la portería en cualquier campo (fuera de juego en el Francisco de la Hera, saque de esquina en Los Pajaritos). Inolvidables goles cantados con la guitarra rota desde la cabina de cualquier campo del mundo (inolvidable Paco González narrando el gol de Nayim). Partidos imaginados a partir de las narraciones que siempre eran más interesantes que los posteriores resúmenes de Estudio Estadio. Siempre la radio como telón de fondo de mis recuerdos futboleros.

No es mi intención tomar partido en la guerra que mantienen las radios con la LFP a propósito del canon que ésta quiere cobrar a aquéllas por retransmitir los partidos. No sé, ni me importa, de qué lado está la razón, en caso de que ésta se incline por un bando. En realidad, no es una medida que me afecte en exceso, pues hace tiempo que apenas escucho fútbol en la radio (salvo ocasionales viajes en fin de semana). Creo, por otro lado, que los carruseles radiofónicos están heridos de muerte desde el momento en que la dispersión de horarios los convierten en inútiles. Estas líneas, por tanto, sólo son un ejercicio nostálgico, un desahogo acaso. Recuerdos de una época (¿mejor?) que quedó atrás.

La vida es un top 5: ¡Vuelven Los Enemigos!

2011-09-08T01:31:00.003+02:00

"Nos han vuelto a expulsar. Lo llaman crisis, pero todos sabemos que nuestro sitio nunca estuvo en el paraíso. Aquí afuera, en nuestra orilla, tanteamos en la intemperie y despertamos otra vez. Somos las razas de Caín y tenemos hambre. Somos Los Enemigos y hemos vuelto"

Reunión de pastores...

Con esta escueta nota anunciaban Josele Santiago, Fino Oyonarte, Chema Animal Pérez y Manolo Benítez una de las noticias más esperadas en el rock español de la última década: el regreso de Los Enemigos. Diez años después de su despedida, se volverán a subir al escenario en 2012. En principio se tratará sólo de unos cuantos directos y no tienen previsto grabar material nuevo. Según parece, la decisión fue tomada en una comida de los cuatro miembros (reunión a la que pertenece la foto) el pasado mes de julio.

Desde que en 2001 se retiraran con una triunfal gira de despedida, siempre habían contestado con una firme negativa ante la recurrente pregunta de un posible regreso. En 2006 hubo un fugaz escarceo, juntando a la banda original (Fino y Josele, junto con Artemio) para unos conciertos con motivo del vigésimo aniversario de su primer disco, 'Ferpectamente' (1986), pero se trataba de algo puntual. Durante estos años Josele se ha dedicado a consolidar una sólida carrera en solitario, mientras Fino continuaba con sus labores de productor y seguía tocando en Clovis y, más recientemente, en Los Eterno.

Una década después, por tanto, el preciso y contundente directo de Los Enemigos se volverá a pasear por España. Una gran noticia para aquellos que no tuvieron la oportunidad de verlos en su día y también para los que quieran rememorar tiempos pretéritos. Puede chirriar, como en cualquier regreso de este tipo, la impresión de que la reunión obedece más a (respetables) razones crematísticas que artísticas, pero seguro que cualquier recelo queda olvidado cuando se suban a las tablas y toquen, uno detrás de otro, todos los éxitos de su repertorio.

Allgunos de esos éxitos están reflejados en este top 5, con el que desde Belfast Boy queremos celebrar la vuelta de uno de nuestros grupos favoritos de siempre.

5. La carta que no

"Habrá que esperar, habrá que esperar, la fiesta al final, al final"

Debilidad personal de este blog, no es 'La carta que no' una de las típicas canciones guitarreras que hicieron famoso al grupo. Aunque salió como single en su día, ni siquiera era un tema habitual en sus incendiarios directos (fue recuperada en el recopilatorio en vivo 'Obras escondidas'(2002)), pero seguro que es una de las favoritas de más de un fan. Porque Los Enemigos no sólo eran maestros en guitarras incisivas, también lo eran en canciones más sosegadas como 'Zumo de kiwi', 'Na de na', 'Sin hueso' o esta emocionante carta desde el más allá.

4. La cuenta atrás

"El mundo rula y al caer se muerde la cola. ¿Por qué has tenido que crecer? ¡Maldita la hora!"

'La cuenta atrás' habla, con un filtro de amargo escepticismo marca de la casa, sobre el difícil paso a la vida adulta, con todas las cargas y servidumbres que ello conlleva. La canción abre el disco homónimo ('La cuenta atrás', 1991), donde también brillaba con luz propia el himno hedonista 'Brindis' ("podría hacer daño el agua y no el licor"),

3. Señora

"Recuerde antes de maldecirme que tuvo usted la carne firme y un sueño en la piel, señora"

"Quién nos iba a decir que Los Enemigos acabaríamos cantando a Serrat". Con estas -o parecidas, la memoria es frágil- palabras presentaba en directo Fino esta mejorada versión de la conocida canción del cantautor catalán. Un ejemplo perfecto de lo que debe ser una versión. Los Enemigos retuercen la 'Señora' original, inyectándole energía y electricidad y llevándola así a su terreno, pero sin dejar por ello de ser perfectamente reconocible. Enorme.

2. Desde el jergón

"Desde el jergón os maldigo porque Dios se pasó, se pasó conmigo"

'La vida mata' (1990) es la obra cumbre del grupo madrileño. Abandonando el rock'n'roll tabernario de sus origenes, este disco incluye sus composiciones más logradas, tanto musical como líricamente, cristalizando lo ya apuntado en 'Un tío cabal' (1988). Son bastantes las canciones del álbum que merecerían estar en este top 5 -Ouija, Miedo, Traspiés, Paquito...-, pero por encima de todas destacan las dos obras magnas del repertorio de la banda. Una es 'Desde el jergón', la otra...

1. Septiembre

¿Por qué estoy frío si hoy hace calor? Yo iba a ser un gran tío, todo un ganador ¿Será que no es lo mío esta competición?¿Por qué os reís tanto delante de Dios, delante de Dios?

Josele Santiago compuso 'Septiembre' después de leer una noticia sobre un chaval que se había suicidado por miedo a enseñarle las notas a sus padres. El resultado es la mejor canción de la banda y una de las cimas del rock español de todos los tiempos.

Afirmaba Josele en una charla reciente que ya no tocaba 'Septiembre' porque le incomodaba el amargo pesimismo que desprendía la canción. Es de suponer que para los conciertos de reunión no tendrá más remedio que retractarse. Es inimaginable un repertorio enemigo sin 'Septiembre'.

Hasta aquí este top 5, tan personal como discutible. Cuesta dejar fuera canciones míticas como 'John Wayne' o no incluir ninguna del fantástico triplete de 'Gas' ('Alegría', 'Dentro' y 'Sr. Correcto'). El temor a que 'La vida mata' quedara excesivamente representado también ha podido pesar a la hora de que no esté la excelente 'Miedo' ("sólo me dan miedo las monjas, el agua y los niños"). Son los riesgos de elaborar una lista tan corta cuando el grupo posee un repertorio tan amplio. Seguro que cada uno tiene sus favoritas. Mientras vais dejando vuestro top 5 enemigo en los comentarios, vamos a ir buscando en el armario nuestra vieja camiseta de la raspa. Esa que ya creíamos jubilada pero que es posible que aún le quede un último servicio que hacer.

El triple de Margall

2011-08-31T20:14:00.000+02:00

Fueron aquellos unos Juegos Olímpicos atípicos, pues no se disputaron durante julio o agosto, sino en la segunda quincena de septiembre. Seúl quedaba muy lejos y la diferencia horaria obligaba a trasnochar o madrugar si uno quería ver en directo sus competiciones favoritas. Ni que decir tiene que eso cuando eres un niño en edad escolar es una gran putada. Pero seguro que aquella mañana fueron muchos los niños que se levantaron a las 7 de la mañana para, antes de acudir a clase, ver a Epi, Solozábal, Montero, Biriukov, Villacampa, Jiménez y compañía jugar contra Australia. Se trataba del partido de cuartos de final de los Juegos de Seúl y la selección española se encontraba a un paso de luchar por las medallas. Esos niños que apenas albergaban recuerdos de la medalla de plata conseguida en Los Ángeles cuatro años antes no estaban dispuestos a perder esta vez la oportunidad histórica. Seguro que el madrugón valdría la pena.

La primera fase de la selección se podía considerar un éxito. El equipo se plantaba en el crucial partido de cuartos en una inmejorable disposición después de una trayectoria de menos a más. El debut ante Estados Unidos -que tenía en sus filas a prometedores universitarios que luego harían carrera con éxito en la NBA, como David Robinson, Mitch Richmond, Hersey Hawkins, Danny Manning o Dan Majerle- fue desastroso (53-97), aunque la derrota estaba dentro de los previsto. Las dos victorias posteriores contra las débiles selecciones de Egipto y China -aún estaba por llegar la humillación sufrida a manos de los asiáticos en el Mundial 94- ejercieron de bálsamo curativo y de inyección de moral para enfrentar los decisivos choques ante Canadá y Brasil. Dos victorias significarían el segundo puesto del grupo, tras Estados Unidos, y asegurar así un cruce de cuartos asequible, evitando a Unión Soviética y Yugoslavia, las dos potencias europeas.

Se venció, sin excesivos alardes, a Canadá (84-94), a pesar del tremendo acierto exterior de un tal Karl Tilleman (37 puntos y 10/16 en triples). El partido contra Brasil, por tanto, suponía el ser o no ser. Entrar en la jaula de los leones para librar una desigual lucha con la Unión Soviética de Sabonis -que había perdido su particular duelo en la cumbre contra Petrovic y compañía- o vislumbrar las semifinales en el horizonte con el único escollo de los asequibles australianos.

Y aquí fue donde España sacó toda la clase y el pundonor que se le suponía. En un extraordinario partido, los discípulos de Díaz Miguel tumbaron a Brasil por 118-110 (marcador impensable hoy en día), a pesar de los 55 puntos de Oscar Schmidt Becerra. Lo más difícil ya estaba hecho. Restaba cumplir el trámite australiano, una selección notable, pero lejos del poderío de Brasil. El juego desplegado por la selección española invitaba a pensar más allá de cuartos.

El duelo con los australianos tenía dulces reminiscencias de la última cita olímpica, donde España se había deshecho de ellos también en la ronda de cuartos de final. Además, después de los australianos esperaba un previsible choque contra los yugoslavos en semifinales, como había sucedido también en Los Ángeles. El camino se volvía a transitar cuatro años después. Repetir la final contra Estados Unidos ya no parecía un sueño imposible. Campanas al vuelo.

Contra Australia no salió el equipo intenso y alegre del partido de Brasil, sino uno atenazado y temeroso, al que se le atragantaba la zona australiana. Aun así, se llegó al descanso perdiendo por la mínima (40-41), con todo aún por decidir y un amplio margen de mejora en el juego español. En el segundo tiempo, España siempre fue a remolque, llegando a perder de once (56-67) a falta de ocho minutos. Una leve recuperación propició que se acortaran las distancias. Con 25 segundos por jugar y balón para España, la selección sólo perdía por 3 (74-77) . Era necesario un triple que mandara el partido a la prórroga y Díaz Miguel situó entonces en la cancha a Margall, especialista en el lanzamiento desde 6.25. El balón llegó a sus manos, pero su triple, forzado, vio agua. Fin del sueño.

Josep María Margall, con 33 años, era el más veterano de la selección, después de haber disputado otras dos Olimpiadas (Moscú 80 y Los Ángeles 84), dos Mundiales (Colombia 82 y España 86) y seis Europeos (desde 1977 hasta 1987 ininterrumpidamente). Cuatro días después del fallido triple contra Australia, España se despedía tristemente de los Juegos perdiendo la disputa del 7º puesto contra Puerto Rico. Era el partido número 187 de Matraco Margall con la selección. A la postre, su último partido internacional. Triste despedida.

Aquella mañana de finales de septiembre, muchos niños en toda España se levantaron antes de tiempo con esa ilusión que sólo se tiene cuando se es niño. Finalizado el partido, esos niños acudieron al colegio con la cabeza gacha, mustios y desilusionados. Un par de horas más tarde, sin embargo, jugaban en el patio en la hora del recreo, alegres y despreocupados, recuperados del mazazo como sólo se recupera uno de los golpes a esa edad. Esos chavales crecieron y, ya con barba y frente despejada, vieron a su selección (con otros nombres, ya no estaban Epi, Ferrán, Jiménez, Margall ni Villacampa) ganar un Mundial y un Eurobasket, además de una medalla de plata olímpica. Disfrutaron de ello, qué duda cabe, pero no de la manera en que se disfruta de las cosas cuando se es un niño.

El día que el Odense enmudeció al Bernabéu

2011-08-23T13:21:00.000+02:00

El Odense BK es un modesto club danés de la ciudad de Odense, tercera del país en población. Tres Ligas y cinco Copas es todo el palmarés del equipo desde que se fundara en 1887. Siempre a la sombra del Brondby y el FC Coopenhage en los campeonatos domésticos, los momentos de gloria vividos por sus aficionados son contados.

El 6 de diciembre de 1994, el Odense visitaba el Santiago Bernabéu en el partido de vuelta de los octavos de final de la Copa de la UEFA. Todo estaba en contra de los daneses: el resultado de la ida (2-3 para los madridistas), los antecedentes (sólo cuatro años antes habían salido goleados por 6-0 del Bernabéu), la grandeza del rival, el miedo escénico del Bernabéu... Se trataba de un mero trámite para un Madrid que, de la mano de Valdano, intentaba resurgir tras unos años difíciles, liberándose de miedos y frustraciones, intentando exorcizar los fantasmas de Tenerife, Milan, Paris St Germain...

Pero las cosas no salieron según el guión previsto. Los minutos iban pasando y el Madrid era incapaz de perforar la meta de un inmenso Hogh, que parecía tomarse así venganza del 5-1 encajado contra España en el Mundial de México ocho antes. Ni Butragueño, lejos ya del jugador que había deslumbrado con sus cuatro goles aquella mágica noche en Querétaro, ni el resto de sus compañeros en el ataque blanco -Laudrup, Amavisca y Alfonso- lograban acertar las múltiples ocasiones de que disponían.

El partido languidecía con la sensación de que el Madrid acabaría viendo puerta y cerrando la eliminatoria. Llegó en ese momento el gol de Pedersen, en el minuto 72. Entonces, los nervios, la duda instalada en el Bernabéu, la posibilidad de atisbar, un año más, el abismo. Del lado danés, la ilusión, tímida pero firme. Pero el Madrid era mejor equipo y aún contaba con la ventaja del resultado cosechado en Dinamarca. El gol danés había supuesto un susto importante, pero el equipo español todavía estaba clasificado con el 0-1. Aun así, los blancos necesitaban sentenciar y el gol se resistía.

Llegó finalmente, al límite del tiempo reglamentario, pero del lado inesperado. El tanto de Hjorth dejaba al Madrid fuera de Europa. Los daneses habían vivido una noche asombrosa y se colaban en los cuartos de final, donde cayeron haciendo sufrir al Parma, campeón a la postre de aquella edición de la UEFA.

Como no hay mal que por bien no venga, la eliminación europea hizo que el Madrid concentrara sus fuerzas en el campeonato de Liga, que acabaría ganando. Apenas un mes después de la derrota contra el Odense, el Barcelona salía humillado del Bernabéu tras ser goleado por 5-0. ¿Quién se acordaba ya en el Bernabéu de la decepción europea?

Dieciséis años y medio después, el Odense planea vivir otra noche mágica en tierras españolas. Esta vez los presagios son incluso más favorables para ellos, pues acuden con la ventaja del 1-0 conseguido en su estadio. Quizás, después de todo, eso no sea tan malo y le sirva al Villarreal para no cometer los errores que, en su día, cometió el Madrid.

La vida sin Paul

2011-08-17T13:12:00.000+02:00

"Paul Scholes es el mejor centrocampista de los últimos 20 años"

Xavi Hernández

"Scholes es sin duda el mejor centrocampista de su generación"

Zinedine Zidane

El pasado fin de semana comenzó la nueva temporada en la Premier League. Un nuevo año con renovados alicientes e ilusiones. Con el United defendiendo el título, el Chelsea de Villas-Boas al acecho y el Manchester City, con su flamante fichaje argentino, dispuesto a dar el salto definitivo. Pero este no es un principio de temporada cualquiera. Una alteración leve pero perceptible se advierte en el fútbol inglés. Una ausencia que flota en el ambiente. Es el año I después de Paul.

Foto: Kinneyking

Integrante de la generación de David Beckham, Ryan Giggs, Nicky Butt y los hermanos Neville que ascendió al primer equipo del Manchester United a principios de la década de los 90, Paul Scholes formó a finales de la década un fantástico centro del campo con Roy Keane, Giggs y Beckham, creando juego y surtiendo de balones a la pareja Cole-Yorke en el famoso equipo que ganó el triplete en 1999.

Todos recordaremos sus pases precisos y sus goles irrumpiendo en el área desde atrás. Su pelirroja cabellera desplazándose de área a área. A cada uno le vendrá a la mente una imagen recurrente al escuchar el nombre de Paul Scholes. Aquel zapatazo desde fuera del área, aquel remate de cabeza a la salida de un córner, aquella asistencia de 30 metros a Cole o aquella pared con Giggs. Yo no puedo evitar recordar su rostro, mezcla de enojo y resignación, después de que el árbitro Urs Meier le mostrara una tarjeta tras golpear a Deschamps buscando un balón dividido. Manchester y Juventus jugaban en Delle Alpi el trepidante partido de vuelta de la semifinal de Champions de 1999 y esa cartulina significaba que, si el United se clasificaba para la final, Scholes no podría estar en el Camp Nou. Se iba a perder el partido más importante de su vida.

El equipo inglés eliminó a la Juve y aquella final frente al Bayern de Munich terminó con victoria del Manchester, con goles de Sheringham y Solskjaer en los minutos de descuento más esquizofrénicos que recuerdan los tiempos. Impotente, Paul Scholes lo vio todo desde la grada.

Tuvieron que pasar nueve años para que Paul pudiera sacar la espina, en la final que el United venció en Moscú al Chelsea desde el punto de penalti. La tanda de los fallos de Ronaldo, Terry y Anelka. Curiosamente, Scholes tampoco vivió del desenlace en el campo, pues había sido sustituido en el minuto 87 por su inseparable compañero Ryan Giggs.

Foto: Kinneyking

El centrocampista inglés todavía jugó otras dos finales de Champions -ambas contra el Barcelona, ambas saliendo desde el banquillo, ambas saldadas con derrotas- en los últimos años. La guinda a un palmarés que, de tan apabullante, da pereza recitar: 10 Premiers, 3 FA Cups, 3 Curling Cups, las dos citadas Copas de Europa, una Intercontinental, un Mundial de clubs y sabe Dios qué más. Una trayectoria tremenda desde que debutara en septiembre de 1994, en un partido de la Copa de la Liga.

En los últimos años había perdido protagonismo en el equipo. Ya no era el titular indiscutible de antaño, pero sí seguía siendo muy útil para Ferguson en determinados partidos o saltando desde el banquillo en los segundos tiempo. Aun así, cuando terminó la pasada temporada decidió colgar las botas. Mejor una retirada digna, debió de pensar, que prolongar un lento declive.

Como cuando entras a una habitación y ha desaparecido ese cuadro en el que casi no reparabas pero ahora descubres que te encantaba. Como el amputado que nota ese incesante picor donde ya no hay miembro. Así siente ahora el fútbol inglés. Ya pueden llegar a Inglaterra todos los Agüeros del mundo, que la Premier se queda un poco huérfana sin Paul Scholes. El único consuelo es que aún nos queda Giggs.

Las dos goleadas de Laudrup

2011-08-14T01:20:00.000+02:00

Arrancaba el año 1994. El Barcelona de Cruyff se encontraba en un ciclo triunfal que le había llevado a ganar tres ligas consecutivas y la Copa de Europa de 1992. El Real Madrid, por su parte, vivía una época de inestabilidad e incertidumbre, desnortado tras el declive de la Quinta del Buitre y sonado por el mazazo de las dos ligas perdidas en Tenerife, sin ser capaz Mendoza, con su errática política de fichajes, de enderezar el rumbo.

A dos puntos del Barcelona y cuatro del Deportivo, líder, se presentó el equipo que entonces entrenaba Benito Floro en el Camp Nou el 8 de enero, dispuesto a virar el rumbo de los acontecimientos de los últimos años. Pero no fue así. El Madrid duró 24 minutos, el tiempo que tardó Romario en romperle la cintura a Alkorta, una jugada que perseguirá al central vasco hasta la eternidad. El primer tiempo terminó con el 1-0, pero en la reanudación los goles fueron cayendo como fruta madura: uno de Koeman, otros dos de Romario e incluso uno de Iván Iglesias, uno de esos fichajes en plan boutade tan típicos del último Cruyff. 5-0 fue el marcador final. El Madrid salía de Barcelona vencido y humillado y Floro, herido de muerte. Dos meses después, tras una derrota en Lleida, el técnico era destituido.

El Barcelona se encontraba en la cresta de la ola. Ganador de cuatro ligas seguidas (tras vencer en aquel campeonato 93-94), sólo la derrota en la final de Atenas contra el Milán emborronaba un poco el paisaje. Sucede que en el mundo del fútbol, en ocasiones, los acontecimientos dan vuelcos insospechados y la revancha no tarda en presentarse. Un año menos un día, en este caso concreto.

El 7 de enero de 1995, el Real Madrid recibía a los blaugranas en su feudo. La situación era bastante diferente a la de un año antes. El equipo madridista llegaba líder, con cuatro puntos de ventaja sobre el Barça, cuarto en la tabla. Mendoza había confiado el mando del banquillo a Jorge Valdano, y el equipo y la grada habían recuperado sensaciones que no se vivían desde los años gloriosos de la Quinta del Buitre. Era aquel un Madrid exquisito, pero también eficaz. Aquello duró poco, pero esa es otra historia.

Los blancos salieron al césped voraces, clamando su venganza, tanto que a los 39 minutos Zamorano ya había perforado tres veces la meta de Busquets. En el segundo tiempo, el Madrid no cejó hasta consumar la revancha. Primero Luis Enrique (antes de convertirse en el enemigo número uno del madridismo) y después Amavisca sellaron el definitivo 5-0. La afrenta estaba cobrada. El Madrid se encaminaba derecho hacia su 26º título de Liga y el Barcelona hacia la descomposición.

Fueron muchos los jugadores que vivieron aquellas dos goleadas, desde uno u otro bando. Pero sólo uno de ellos estuvo en el equipo vencedor en ambos partidos. Michael Laudrup había abandonado el club blaugrana en 1995, harto de la incomprensión de su entrenador. En aquella época sólo se podían alinear tres extranjeros a la vez en el campo, aunque los equipos podían tener cuatro en plantilla. El póquer que poseía Cruyff era envidiable -Koeman, Stoichkov, Laudrup y Romario- y la decisión cada jornada era harto complicada. Laudrup había sido una de las estrellas del equipo desde que llegó en 1989, pero la llegada de Romario en el verano del 93 le había hecho perder progresivamente protagonismo. Precisamente, en la goleada del Camp Nou, Laudrup fue suplente y solamente saltó al campo en el segundo tiempo. Pero la gota que colmó el vaso para el jugador fue tener que presenciar la final de la Copa de Europa contra el Milan desde la grada. Mendoza aprovechó el disgusto del jugador, que finalizaba contrato, y lo fichó para el nuevo proyecto blanco. El danés dejó innumerables muestras de su clase en el Bernabéu y fue uno de los responsables de la consecución del título de Liga, dando, por cierto, un recital la noche del 5-0 en el Bernabéu.

Aquella goleada, por tanto, no fue sólo la venganza de un equipo frente su eterno rival. También hubo algo de venganza de un jugador hacia el entrenador que, en cierto modo, lo había menospreciado.

Canción de viernes: Do you love me

2011-08-12T11:01:00.002+02:00

"You broke my heart 'cause I couldn't dance. You didn't even want me around and now I'm back, to let you know I can really shake 'em down".

Este fraseo que sale de los labios de Billy Gordon sirve como preludio a 'Do you love me', una de las canciones más célebres de la Motown, que se convirtió, en 1962, en el gran éxito del grupo The Contours. Ocurrió así pero pudo ocurrir de otra manera.

La canción fue compuesta por el propio Berry Gordy Jr, jefe e ideólogo de Motown. En principio, Gordy tenía planeado que la canción la cantaran The Temptations, pero en el momento de la grabación no los pudo encontrar y, para no perder tiempo, fueron The Contours los encargados de interpretarla. Esta era la forma de trabajar de Motown. Como una cadena en la que ningún eslabón es imprescindible. Una forma de trabajo en serie importada de las factorías de coches de Detroit, donde Gordy había trabajado antes de fundar la discográfica. Las canciones eran escritas por una serie de compositores y adjudicas por Gordy a los intérpretes que él pensaba que le podían sacar más jugo al tema. Si no se encontraba al grupo en cuestión, como es el caso, se adjudicaba a otro. Los grupos y solistas sólo eran un eslabón más en la cadena.

Y así fue como 'Do you love me' se convirtió, casi por casualidad, en el gran éxito de The Contours y una de las canciones más famosas de la música popular. Lo que hubiera ocurrido en caso de caer en manos de The Temptations (intérpretes de otros hits impresionantes como 'My girl', 'Get ready' y 'Ain't to proud to beg') nunca lo sabremos. Lo que sí sabemos es que 'Do you love me' vendió más de un millón de copias y fue después versionada por gran cantidad de grupos: The Hollies, The Sonics, Paul Revere & The Raiders, Hearhtbreakers, The Blues Brothers. En 1987 volvió a las pistas de medio mundo gracias a su aparición en la película Dirty Dancing.

Casa de citas: Dennis Bergkamp

2011-08-11T18:26:00.003+02:00

"When I played in Holland, with Ajax, I always tried to lob the goalkeeper. People said, “Oh, you’re trying to make a nice goal, a beautiful goal.” But I said, “Listen, if the goalie is a little bit off his line, how much space do you have on his left or right? It’s not a lot. And how much space do you have above him? There is more. It’s a question of mathematics. It’s fantastic. You have much more space above. So if you get it right, you can’t miss. If you’ve got that certain confi dence and ability, then it’s the best solution.” So that’s why I often did that. You can say it’s not really eff ective. But I say it is. I scored many goals like that".

Foto: SNappa2006

"Cuando jugaba en Holanda, con el Ajax, siempre intentaba batir al portero por alto. La gente decía, "Oh, intentas hacer un gol bonito, un gol precioso". Pero yo contestaba, "mira, si el portero está un poco adelantado, ¿cuánto espacio queda a su derecha y a su izquierda? No demasiado. ¿Y cuánto espacio tienes encima de él? Bastante más. Es una cuestión matemática. Es fantástico. Tienes mucho más espacio por arriba. Si lo haces bien, no puedes fallar. Si tienes cierta confianza y habilidad, esa es la mejor solución". Esta es la razón por la que yo lo hacía así. Puedes decir que no es verdaderamente efectivo, pero yo te aseguro que sí. Marqué muchos goles de esa forma"

Dennis Bergkamp, en una extraordinaria entrevista de David Winner en The Blizzard #1 (traducción propia).

Discos para una isla desierta: Automatic for the people

2011-07-27T09:59:00.002+02:00

'Out of time' fue el disco que obró el milagro, el trabajo que dio a conocer a R.E.M al gran público. Pero no era ni mucho menos el primer álbum de la banda, sino el séptimo desde que en 1983 publicaran 'Murmur'. Hasta 'Out of time', R.E.M. era un grupo que nadaba, con mayor o menor fortuna, por las aguas de underground. No eran unos desconocidos para el público enterado, pero sí para la gran masa.

Pero algo cambió en 1991, al editarse el referido disco. Sus vídeos empezaron a aparecer en la entonces influyente MTV y las copias del álbum se empezaron a vender como rosquillas. Impulsados por esa obra mayor que lleva por nombre 'Losing my religion' y por una canción resultona, saltarina y tontorrona -Stipe y compañía no tardaron en renegar de ella- como 'Shiny happy people', el todavía entonces cuarteto de Athens abría la década con un conjunto de canciones notables que los elevaron al altar de los grupos independientes y honestos que hacen lo que les da la gana y venden la tira de discos, compartiendo espacio con Nirvana y U2, que ese mismo año editaban 'Nevermind' y 'Achtung baby'.

La duda era entonces cómo sería el segundo paso. ¿Serían capaces de repetir el éxito comercial sin comprometer el nivel compositivo? ¿Optarían por un disco más accesible que les asegurase el beneplácito de su nueva ola de fans? ¿Serían capaces de resistir la presión de sacar un trabajo a la altura de 'Out of time'? Pues bien, el siguiente paso se llamó 'Automatic for the people' y despejó de un plumazo todas las incógnitas.

Y se despejan desde la primera pista del disco. Porque empezar con los cuatro minutos y medio de 'Drive' es hacerlo con una canción mayúscula, a la altura, cuanto menos, de 'Losing my religion'. Una munición demasiado valiosa, pudiera pensarse, para gastarla nada más empezar el disco. Sería un pensamiento oportuno, si no fuera porque el resto de disco posee un verdadero arsenal. A la altura de 'Drive', se yergue la perturbadora y estremecedora 'Everybody hurts' ("When the day is long and the night, the night is yours alone. When you're sure you've had enough of this life, well hang on. Don't let yourself go, 'cause everybody cries and everybody hurts sometimes"), una canción llena de soledad y vacío, pero también de esperanza y amistad. Una canción con la que es imposible no emocionarse a menos que se tenga el corazón de pedernal. Pero se trata de una emoción simple y pura, no una emoción inducida en el oyente mediante sentimentalismo barato, mediante frases afectadas y arreglos grandilocuentes.

Las citadas 'Drive' y 'Everybody hurts' son las dos cumbres de un disco sobrado de grandes canciones. Ahí están, por citar algunas, 'The sidewinder slepps tonite', lo más parecido a un hit contenido en el álbum; 'Ignoreland', una crítica furibunda a la ignorancia y estupidez de la América profunda y lo segundo más parecido a un hit que existe en el disco; 'Star me kitten', balada tierna y desencantada; 'Man on the moon', genial aún hoy pese a su sobreexposición; 'Nightswimming', con su delicioso piano; y 'Find the river', precioso y oportuno punto final.

R.E.M. no sólo habían conseguido mantener intacta la calidad que atesoraba 'Out of time', sino que habían dado un importante salto y se habían sacado de la manga su mejor trabajo. Cuando la mayoría esperaba un disco más fácil para instalarse definitivamente en el mainstream, ellos editaron un ramillete de canciones difíciles, introspectivas y de instrumentación austera. Poco radiables, en definitiva. Dudoso combustible para radiofórmulas y MTV. Lo asombroso es que, yendo a la suya y sin buscarlo en modo alguno, R.E.M. repitieron el éxito comercial de su disco anterior e incluso lo superaron. Lo que parecía un suicidio comercial se convirtió en todo lo contrario. Un caso digno de estudio.

'Automatic for the people' es un disco tan jodidamente grande que, después de él, el probado talento de R.E.M no ha vuelto a alumbrar otra obra de igual calado. Aunque han logrado una supervivencia más que digna -nada que ver con otros dinosaurios del rock-, nunca se han acercado a la grandeza de aquel disco de 1992. La trayectoria posterior de la banda se asemeja al perfil de una etapa pirenaica del Tour de Francia, llena de picos cada vez más espaciados, unos más altos que otros. Ocurre que, antes de todas esas cumbres, Stipe, Mills, Buck y Berry (que abandonó en 1997) habían coronado el Tourmalet. Esa cumbre mítica e insuperable es 'Automatic for the people', un disco que cautiva y emociona de principio a fin, escucha tras escucha. Equipaje de primera necesidad para cualquier mochila que lleve por destino una isla desierta.

Escucha 'Automatic for the people' en Spotify o Grooveshark

Vive le Tour!

2011-07-26T17:55:00.000+02:00

El director francés Louis Malle -responsable de películas como 'Ascensor para el cadalso' (con banda sonora de Miles Davis), 'El fuego fatuo', 'El soplo al corazón' (cinta que sirvió de inspiración a los donostiarras Family para titular su único álbum) o 'Adiós, muchachos'- rodó en 1962 'Vive le Tour!', un corto y delicioso documental centrado en la carrera francesa de aquellos primeros años 60. Un documento imprescindible.

Vive le tour! from Bear Thunder on Vimeo.

Cuando Dios se paseaba por el Bernabéu

2011-07-20T02:22:00.000+02:00

Soy consciente de que muchos de vosotros, ateos y agnósticos, no me creeréis e incluso me tomaréis por loco. Es posible que algunos de vosotros, creyentes convencidos, me señaléis como blasfemo. Me da igual. Yo estoy aquí para dar testimonio de lo que vi. Ni estoy loco, ni deliro. Dios existe y yo lo he visto.

No, no estoy hablando de apariciones puntuales ante un reducido grupo de niños fácilmente impresionables, al estilo de Fátima o Lourdes. Durante cinco años yo veía a Dios todos los fines de semana, y en ocasiones también entre semana. No era yo el único que lo veía, claro, pero a muchos les costaba reconocer en Él a una deidad. Pensaban que sólo era uno más, simple mortal. No obstante, fuimos unos cuantos los que supimos vislumbrar la grandeza que ese metro ochenta y cinco vestido de blanco impoluto encerraba. Ahora la misión de nosotros, sus apóstoles, es contar los hechos de los que fuimos testigos, con el fin de que quede constancia para la posteridad.

No era este Dios del que hablo alguien vengativo y soberbio, a la manera del Yahveh del Antiguo Testamento. Más bien se asemejaba al humilde y sereno Jesucristo del Nuevo Testamento, aunque no poseyera ni de lejos la abundante melena que la iconografía tradicional siempre atribuyó a Jesús. Una serenidad que, no obstante, saltó alguna vez por los aires ante la injusticia y la necedad. Del mismo modo que Jesús tuvo su momento de indignación al ver la casa de su padre convertida en una cueva de ladrones, también el Dios del Bernabéu entró en cólera en ocasiones puntuales, sólo que, a falta de látigo a mano, utilizó como arma su siempre brillante cabeza.

Con la misma elegancia con que Jesucristo caminó sobre las aguas, el Dios blanco transitó sobre el césped del Bernabéu en un prodigio de gracia y estilo, y con la misma diligencia con que Áquel transformaba el agua en vino y multiplicaba panes y peces, Éste transformaba en peligro de gol cualquier acción inane y multiplicaba con sus intervenciones goles, victorias y títulos.

Nos llamarán locos, pero nuestras retinas aún guardan los asombrosos acontecimientos que vivimos. Aunque seamos incomprendidos y perseguidos, aunque terminemos siendo pasto de hambrientos leones, es hora de iniciar la labor de apostolado.

Juegos Olímpicos, ¿qué coño es eso?

2011-07-14T20:00:00.005+02:00

"Lo están pidiendo sólo los paletos
Juegos Olímpicos, ¿qué coño es eso?
Yo disco, tú lanzamiento de peso, ¡adiós!"

as.com

"Albertito, querido alcalde,
con Florentino tenemos bastante.
Ya se hizo carnet, se hizo del Madrid,
trajo a Cristiano, gorila feliz.

Les interesa sólo a los paletos
la antorcha olímpica y el pebetero
a estas alturas jugando con fuego, ¡por Dios!

Niñas gimnastas, saltadores negros,
María Escario tiñéndose el pelo,
ay que bien vamos en el medallero, mi amor".

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Escucha el disco 'Por amor y jerarquía' de Los Directivos.

Canciones futboleras: Un buen día (Los Planetas)

2011-07-07T21:40:00.004+02:00

Aquella tarde del 26 de junio de 1999, después de una buena siesta y leer algunos tebeos de Spiderman, Juan encendió la tele para ver un partido de fútbol. Se trataba de la final de la Copa del Rey, que enfrentaba en el sevillano estadio de La Cartuja al Atlético de Madrid de Radomir Antic y al Valencia de Claudio Ranieri. Aquel Valencia de Cañizares, Carboni, Mendieta, Farinós y Claudio López contenía ya el germen del equipo que, con Cúper en el banquillo, alcanzaría dos finales consecutivas de Champions en 2000 y 2001. El Atlético, por su parte, vivía unos años complicados después de tocar el cielo con el doblete del 96. La sustitución de Antic por Sacchi en el verano de 1998 no dio los frutos deseados y el equipo, con Antic de nuevo a los mandos, esquivó temporalmente el descenso a Segunda y se coló en la final de Copa.

La final terminó con una victoria rotunda por 3-0 del Valencia, lo que significó que el club che volvió a levantar una Copa (la sexta) veinte años después, pero lo que más impactó a Juan ocurrió pasada la media hora del primer tiempo. Corría el minuto 33 del partido, con victoria por la mínima del Valencia gracias a un gol del Piojo López, cuando Adrian Ilie controló la pelota en la banda izquierda, levantó la cabeza y vio la rubia melena de Gaizka Mendieta corriendo como una bala hacia la frontal. El centro del delantero rumano lo controló Mendieta con el pecho en el borde del área, de espaldas a la portería, y tras rebotar el balón en su muslo, hizo un sombrero a la media vuelta para deshacerse en un instante del marcaje de Santi y Bejbl y batir con la zurda a ~~Cañizares~~ Molina. Un gol realmente increíble.

Terminado el partido, Jota -que así era como casi todos llamaban a Juan- sintió por un momento un súbito ataque de melancolía. Cogió su moto para bajar por las calles de Granada hacia los bares de siempre, donde solía quedar con ella. La noche, entre raya y raya -¡hasta cuatro millones!- con su amigo Erik, se alargó hasta las 6 de la mañana y hasta llegar a casa no volvió a pensar en ella. Entonces, como le pasaba siempre, le fue imposible conciliar el sueño. En este punto de la historia no termina de quedar claro si el ataque de insomnio es fruto de la añoranza del amor perdido o del consumo masivo de sustancias excitantes. O, quién sabe, puede que fuera el increíble gol de Mendieta, repetido una y otra vez en su mente, el que alteraba su sueño.

Nota: Fuentes de investigación alternativas sugieren que el gol realmente increíble que Jota contempló pudo ser esta impresionante volea marcada en el Camp Nou contra el F.C. Barcelona en los cuartos de final de la Copa del Rey de aquella misma temporada 1998/99. La conjetura es perfectamente plausible. Cualquiera de los dos goles podría encajar con la fecha en que la canción debió de ser compuesta (el disco 'Unidad de desplazamiento', en el que aparece 'Un buen día', salió al mercado en septiembre de 2000). También cabe la posibilidad de que se trate de un tercer tanto o de ninguno en concreto. Sólo el propio Jota puede sacarnos de la duda.

Canción de viernes: Get out your knees (Los Canarios)

2011-07-01T19:58:00.000+02:00

Mucho antes de dirigir los oscuros designios de la SGAE y de convertirse en uno de los personajes más odiados de este país, Eduardo (Teddy para los amigos y también para los enemigos) Bautista lideró uno de los grupos más estimulantes que surgieron en España durante los años 60. Durante la segunda mitad de aquella década y el principio de la siguiente, Los Canarios grabaron un puñado de grandes canciones pop-soul de irresistibles melodías. Ellos fueron uno de los primeros grupos españoles en acercarse al soul y seguramente los que con más éxito y asiduidad transitaron el género.

Teddy Bautista es hoy noticia al haber sido detenido por un presunto delito de apropiación indebida. Mientras Cuerpos de Seguridad y jueces hacen su trabajo, en Belfast Boy preferimos recordar los buenos tiempos de Teddy, cuando en lugar de dirigir con opacidad una empresa de gestión de derechos de autor se dedicaba a componer excelentes canciones que nos siguen haciendo vibrar y mover el esqueleto. Canciones como 'Trying so hard', 'Peppermint Frappé', 'Child' o 'Get on your knees'. Teddy, tú antes molabas.

Canción de viernes: The time is now (Moloko)

2011-06-24T20:11:00.000+02:00

Cuenta la leyenda (o la wikipedia, que para el caso viene a ser lo mismo) que, a principios de los 90, Róisín Murphy se acercó en una fiesta a Mark Brydon y le espetó: "Do you like my tight sweater? See how it fits my body (¿Te gusta mi jersey ajustado? Mira cómo se ajusta a mi cuerpo)". A Mark debió de gustarle el jersey y lo que se adivinaba debajo porque al poco tiempo ambos eran pareja sentimental. Además de cama, también empezaron a compartir local de ensayo y se convirtieron en dúo musical bajo el nombre de Moloko.

Mark y Róisín

Aquella frase que sirvió como detonante para el idilio fue utilizada por el dúo para titular su primer disco, 'Do you like My tight sweater?' (1995), en una especie de broma no tan privada. En total, son cuatro los álbumes que editaron Moloko antes de separarse. En el tercero de ellos, 'Things to make and do' (2000) estaba incluido ese desesperado grito al carpe diem que es 'The time is now', un incontestable hit que se convirtió en el mayor éxito de la banda y una canción que encaja como un guante en esta serie de Canciones de viernes.

McEnroe y la noche de San Juan

2011-06-23T21:24:00.001+02:00

McEnroe no es sólo un tenista de los años 80 con tanto talento como malas pulgas que hizo un celebre anuncio de Gillette que los más viejos del lugar recordarán ("la bola entró"). También es el nombre de un fantástico grupo de Getxo, favoritos del lehendakarindie Patxi López. No hay que dejarse engañar por la procedencia; nada que ver con Inquilino Comunista y demás grupos del Getxo Sound. Lo de McEnroe es un pop delicado que coquetea con el slowcore, exquisitas canciones que calan como una fina lluvia, desarrollos íntimos que apenas tropiezan con algún breve arrebato eléctrico.

El grupo tiene tres referencias editadas: 'El sur de mi vida' (2004), 'Mundo marino' (2008) y 'Tú nunca morirás' (2009). En este último imprescindible disco es donde aparece 'La noche de San Juan', preciosa canción que, aprovechando la fecha, nos sirve como excusa para traer a este blog a un grupo vizcaíno inspirado en un genial e irascible tenista norteamericano.

Bonus tracks:
1. McEnroe (el tenista) de malas pulgas.
2. Final de Wimbledon 1981 McEnroe-Bjorg.
3. McEnroe (el grupo) en Spotify.
4. McEnroe (el grupo) en Myspace

Casa de citas: el pase del "Negro" Enrique

2011-06-22T12:16:00.001+02:00

"Con el pase que le di a Maradona, si no hacía ese gol era para matarlo"

Hector "El Negro" Enrique, integrante de la selección argentina campeona en 1986, después de dar a Maradona el pase para que éste marcara el mejor gol de la historia de los Mundiales.

Hoy, 22 de junio, se cumplen 25 años de aquel mágico pase.

Parecidos razonables: Coldplay vs Ritmo de la noche

2011-06-03T14:09:00.001+02:00

Hoy hemos descubierto 'Every Teardrop Is A Waterfall', la nueva canción de Coldplay tras tres años de silencio, desde fuera editado el álbum 'Viva la vida'. El nuevo tema tiene un parecido más que razonable a 'Ritmo de la noche', la mítica canción revientapistas de Mystic que todos habremos bailado alguna vez en discotecas y verbenas varias. Escuchad y juzgad vosotros mismos. En twitter ya está corriendo como la pólvora el hashtag #coldpaydelanoche.

Every teardrop is a waterfall (Coldplay, 2011)

Ritmo de la noche (Mystic, 1990)

Vía @ajpaniagua

Adiós a De la Peña, adiós a los pases imposibles

2011-05-20T11:58:00.004+02:00

De la Peña (foto: elemaki)

Entre lágrimas, roto por la amargura de abandonar la que ha sido su vida durante tanto tiempo, hastiado por tanta lesión que no le ha permitido disfrutar como habría deseado en los últimos años, Iván de la Peña se despidió ayer del fútbol de competición. Fue una despedida conmovedora y emocionante. Una emoción de una naturaleza diferente a la que el jugador despertaba en el espectador cuando encontraba ese hueco invisible para filtrar un pase milimétrico al delantero. Una escena mil veces vista que, tristemente, ya nunca más se repetirá.

Debutó en 1995, cuando el cruyffismo enfilaba su recta final, y pronto encandiló por su visión de juego y sus pases precisos. Fue el abanderado de aquella Quinta del Mini -formada también por jugadores como Toni Velamazán, Celades, Arpón o Roger García- que irrumpió en el Camp Nou a mediados de los 90. Después de Cruyff llegó Robson y De la Peña continuó creciendo, ganando peso dentro del equipo. Ronaldo encontró en él un socio predilecto en su año blaugrana. Pocos entendieron los desmarques del brasileño como De la Peña, pocos supieron leer los pases del cántabro como Ronaldo.

De la Peña era ya un gran jugador, pero, en realidad, era más lo que se intuía, lo que se adivinaba que podía alcanzar, el inmenso potencial que atesoraban esas piernas y esa cabeza, que lo logrado hasta ese momento. Llegó Van Gaal y el papel de Lo Pelat fue menguando. Se dejó de sentir importante y entonces tomó una decisión arriesgada, crucial y a la postre nefasta: su marcha al Lazio. Hoy cualquiera sabe que emigrar a Italia en los años 90 era sinónimo de fracaso para cualquier futbolista español -para muestra tres botones: Martín Vázquez, Mendieta y Farinós-, pero entonces De la Peña, seguramente mal aconsejado, no era consciente de ello.

El encorsetado y tremendamente táctico calcio no era el hábitat ideal para la imaginación del jugador cántabro. La cesión al Olympique de Marsella tampoco cuajó y la ilusión por el regreso, también como cedido durante una temporada, al Barça de Serra Ferrer se tornó en decepción. El jugador había perdido la confianza, y con ella esa naturalidad con que se movía por el campo, esa espontaneidad que le hacía sacarse pases inimaginables de la chistera. Parecía obsesionado en cada intervención con demostrar su valía, con dar ese pase inverosímil que todos esperaban de él. Ofuscado en ser genial cada vez que el balón pasaba por sus pies, se olvidó de disfrutar sobre el césped. Con apenas 25 años, Iván parecía un futbolista amortizado.

Fue entonces cuando, en 2002, llegó al Español y, poco a poco, todo lo que parecía extraviado para siempre se fue recuperando. La confianza, la frescura, el placer de jugar, los pases increíbles y los otros, los que parecen fáciles y triviales pero son imprescindibles. El jugador perdido y desnortado volvió a sentirse importante, volvió a ser importante, volvió a ser líder. Con la elástica blanquiazul, De la Peña formó una sociedad con Raúl Tamudo que dejó momentos inolvidables. Las lesiones han convertido en un calvario su carrera durante los dos últimos años. Esa es la razón fundamental de la despedida. A los 35 años llegó la hora del adiós. Echaremos de menos su brillante calva moviéndose por la medular del campo, su cuerpo acomodándose para controlar el balón, su mirada oteando un horizonte de pies y césped, el brillo en sus ojos al descubrir lo que nadie más es capaz de ver, el interior de su pie golpeando (acariciando) el balón y su sonrisa satisfecha una vez que la pelota está dentro de la portería y todos corren a abrazar al delantero.

Little Pea (Chicharito meets The Beatles)

2011-05-19T13:35:00.000+02:00

When I find myself in times of trouble, Chicharito scores for me,
Javier Hernández, Little Pea.
And when we need a striker, Sir Alex turns to him.
Go out and get the job done! Little Pea.

Little Pea, Little Pea, Little Pea. Little Pea.
Javier Hernández, Little Pea.

And when the crowd is anxious, and we're not winning.
There will be a goal from, Little Pea.
He was not known, when he first came to us.
Look at him now! Little Pea.

Little Pea, Little Pea, Little Pea. Little Pea.
Javier Hernández, Little Pea.
Little Pea, Little Pea, Little Pea. Little Pea.
Scoring for United, Little Pea.
Little Pea, Little Pea, Little Pea. Little Pea.
Javier Hernández, Little Pea.

And he's the fastest player, in all of the Premier League.
Darting past defenders, Little Pea.
Old Trafford erupts, in happiness and joy.
Chico's scored a goal, Little Pea.

Little Pea, Little Pea, Little Pea. Little Pea.
Scoring for United, Little Pea.
Little Pea, Little Pea, Little Pea. Little Pea.
Javier Hernández, Little Pea.
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Chícharo: guisante, garbanzo, judía (Diccionario R.A.E.)
Pea: arveja, guisante, chícharo (Wordreference)

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Vía @futbolnofutbol

Casa de citas: cómo hacer una cinta recopilatoria

2011-05-19T00:22:00.001+02:00

"Para mí, grabar una cinta que le voy a regalar a alguien es como escribirle una carta: hay mucho que borrar, pensar a fondo, a veces empezar de nuevo, y quería que aquella cinta fuese buenísima, porque... con sinceridad, no habia conocido a ninguna mujer tan prometedora como Laura desde que empezara a pinchar discos, y conocer a mujeres prometedoras es en parte algo que tiene mucho que ver con eso de pinchar discos.

Una buena cinta de recopilación, igual que una ruptura, es algo dificilísimo de hacer bien. Tienes que empezar con un tema arrasador, tienes que mantener el ánimo del oyente (empecé con Got To Get You Off My Mind, pero me di cuenta de que a lo mejor no pasaba del primer tema de la primera cara, ya que así le iba a dar lo que ella quería sin más preámbulos, y por eso decidí esconder ese tema en la mitad de la segunda cara), tienes que subir un puntín, o enfriar un poco el ánimo, y tampoco puedes mezclar música blanca con música negra, ni colocar dos temas del mismo artista en una cara, a menos que lo hagas todo por parejas de canciones, y además... Bueno, hay miles de reglas que cumplir"

Alta fidelidad (Nick Hornby)

Diez años (recordando al EuroAlavés)

2011-05-16T18:08:00.005+02:00

Hace hoy justo diez años el Deportivo Alavés se plantaba en Dortmund para jugar la final de la Copa de la UEFA frente al Liverpool, tras haber dejado en la cuneta al Kaiserslautern, en semifinales; Rayo Vallecano, en cuartos, y al poderoso Inter de Vieri, Recoba, Seedorf, Blanc y Zanetti en octavos de final.

El equipo vitoriano, entrenado por Mané, no tenía ninguna estrella, pero sí un gran bloque formado por una mezcla de prometedores jóvenes y veteranos. Allí estaban, por ejemplo, Javi Moreno, cuya extraordinaria labor en el Alavés le sirvió para fichar por el Milan; Cosmin Contra, que tomó también rumbo al club rojinegro; Jordi Cruyff, buscando reencontrarse con el fútbol tras su agridulce paso por Inglaterra; el ~~argentino~~ uruguayo Iván Alonso, aún hoy en activo en las filas del Espanyol, y Antonio Karmona, veterano capitán curtido en mil batallas menores.

La confrontación de un equipo modesto y novato en esas lides frente a uno de los históricos del fútbol europeo resultó un duelo vibrante, apasionante y esquizofrénico. Un encuentro con continuas alternativas, en el que el Alavés se vio varias veces al filo del abismo y se aferró a la vida con un vigor extraordinario. Todos los aficionados recordarán la salida en tromba del Liverpool ante un tímido y asustado Alavés y cómo al cuarto de hora el sueño vitoriano parecía saltar por los aires después de marcar Gerrard el 2-0. La final, que no había hecho más que empezar, entraba en el peor de los escenarios. Fue entonces cuando Mané, en un gesto audaz, retiró al central Eggen para dar entrada a Iván Alonso, que, a los cuatro minutos de ingresar, marcó un cabezazo majestuoso tras un centro medido de Contra. Recordarán los que vieron aquel partido cómo McCallister marcó de penalti el 3-1 al filo del descanso y también los dos goles de Javi Moreno que, al poco de empezar la reanudación, devolvieron las tablas al marcador. Imposible olvidar el gol del mítico Fowler y el empate de Jordi Cruyff, rematando de cabeza un saque de esquina, con los 90 minutos casi extinguidos.

Con empate a cuatro se llegó a la prórroga y ahí, a tres minutos del final, con los penaltis al alcance de la mano, con dos jugadores menos el Alavés, llega el recuerdo más doloroso para los vitorianos. Una falta lateral desde la izquierda, la cabeza de Geli que busca alejar el peligro y el balón tomando el camino incorrecto y chocando contra la red. El sueño, nítido durante un par de horas, se había esfumado de golpe. El cruel (auto)gol de oro supuso el más duro despertar, pero en la memoria de todo aficionado al fútbol siempre habrá un hueco para aquel equipo humilde que estuvo a un paso de lograr la hazaña en una final imposible de olvidar. Perdió el Alavés, pero la historia del fútbol ganó una de esas bellas batallas que tanto nos gusta recordar.

Así lo contaron:

El País: El Alavés cae repleto de gloria (José Sámano)
ABC: Un Alavés heroico dignifica la derrota (Enrique Ortego)
La Vanguardia: El Alavés estuvo a punto de la proeza (Eusebio Val)
The Guardian: Liverpool show golden touch (David Lacey)

Tom Jones + Elvis Presley + Bob Dylan = Raphael

2011-05-12T20:00:00.000+02:00

Visto en rollingstone.es

Piqué y el sonido Madchester

2011-04-26T19:34:00.000+02:00

P. ¿Qué ritual sigue antes de jugar en el Bernabéu?
R. Más o menos, como siempre. Llega Alves, pone música, me voy a la camilla, me vendo los tobillos... Desde los 17 años, cuando tuve un esguince de tercer grado con el United, siempre lo hago. Como empiezo a tener problemas en todos lados, hay un fisio, Jaume, dedicado a mí en exclusiva. Luego, me pongo los cascos con mi música porque la de Alves, sinceramente, es insoportable...
P. ¿Y qué escucha?
R. A Shakira.
P. ¡No se lo cree nadie!
R. ¡¡¡Que sí, máquina!!! Bueno, también a The Killers, The James, Happy Mondays, mucho Manchester Sound...

Gerard Piqué, mostrando su pasión por el sonido Madchester en una fantástica entrevista de Luis Martín en El País.

Banda sonora para la Semana Santa

2011-04-18T20:05:00.000+02:00

Golgotha (Edward Munch, 1900)

Durante estos días las calles se inundan de procesiones y las televisiones nos bombardean con las inevitables películas de todos los años centradas en la figura de Jesús. Pero, ¿qué pasa con la música popular? ¿Hay canciones que hablen sobre Jesucristo, que traten sobre su vida, pasión, muerte y resurrección? Vamos a utilizar unas cuantas canciones para revisar la vida de Jesucristo y poner así a la Semana Santa una banda sonora alternativa a las reiterativas marchas de cornetas y tambores.

"Y aconteció que estando ellos allí, se cumplieron los días en que ella había de parir, y parió a su hijo primogénito, y le envolvió en pañales, y acostole en un pesebre, porque no había lugar para ellos en el mesón” (Lc 2, 6-7)

El nacimiento de Jesús en Belén es saludado con regocijo por Big Star en ‘Jesus Christ’(“Royal David's city was bathed in the light of love. Jesus Christ was born today, Jesus Christ was born”). Más heterodoxa es la visión de Supergrass, para los que el origen de Jesucristo está más allá de las estrellas. Mientras tanto, Modest Mouse remarcan la condición de hijo único de Jesús en ‘Jesus Christ Was an Only Child’.

“Le dice la mujer: «Señor, dame de esa agua, para que no tenga más sed y no tenga que venir aquí a sacarla». Él le dice: «Vete, llama a tu marido y vuelve acá». Respondió la mujer: «No tengo marido». Jesús le dice: «Bien has dicho que no tienes marido, porque has tenido cinco maridos y el que ahora tienes no es marido tuyo; en eso has dicho la verdad»” (Jn, 4, 15-18)

‘Jesus met the woman at the well’ es una canción tradicional que recoge el encuentro entre Jesús y la mujer samaritana en el pozo. El tema ha sido objeto de múltiples versiones a cargo de Mahalia Jackson, Peter, Paul & Mary, Ian & Sylvia, Bob Dylan o Nick Cave, posiblemente el artista que más ha tratado el asunto de la religión a lo largo de su extensa obra musical.

“Bienaventurados los limpios de corazón, porque ellos verán a Dios. Bienaventurados los que trabajan por la paz, porque ellos serán llamados hijos de Dios. Bienaventurados los perseguidos por causa de la justicia, porque de ellos es el Reino de los Cielos. Bienaventurados seréis cuando os injurien, y os persigan y digan con mentira toda clase de mal contra vosotros por mi causa” (Mt, 5, 8-11)

Fernando Alfaro podría considerarse el Cave español. Su repertorio, sobre todo en su primera etapa con los Surfin’ Bichos está preñado de imágenes bíblicas, siempre desde un punto de vista peculiar. Uno de los ejemplos sería ‘Malaventuranzas’, que es una suerte de reverso de las Bienaventuranzas proclamadas por Jesucristo: “Bienaventurados los sucios de corazón, suyos son los reinos de la tierra. Bienaventurados los bastardos del Señor, heredarán el reino de los cielos. Bienaventurados los que sufren de placer, tomaré sus cuerpos y su sangre”.

“Dicho esto, gritó con fuerte voz: «¡Lázaro, sal fuera!». Y salió el muerto, atado de pies y manos con vendas y envuelto el rostro en un sudario. Jesús les dice: «Desatadlo y dejadle andar»” (Jn, 11, 43-44)

De nuevo Alfaro. De nuevo Cave. Ambos se han sentido fascinados por uno de los pasajes más impactantes del Evangelio, aquel en que Jesús ordena a Lázaro volver al mundo de los vivos. En ‘Hey Lázaro’, de los Surfin’ Bichos, Alfaro canta: “Hey, Lázaro, es un milagro que puedas andar. Sueña húmedo, dirige tu nave hacia la humedad”. Inquietante. Por su parte, Cave sitúa a Lázaro en nuestros días en ‘Dig Lazarus dig’ y le ordena volver a la tumba: “Dig yourself, Lazarus. Dig yourself, back in that hole”.

“Entonces Jesús dijo a sus discípulos: Yo os aseguro que un rico difícilmente entrará en el Reino de los Cielos. Os lo repito, es más fácil que un camello entre por el ojo de una aguja, que el que un rico entre en el Reino de los Cielos" (Mt 19, 23-24)

Siempre se ha discutido sobre la proximidad ideológica de Jesús con el socialismo. Algo que no podía pasar por alto un cantante tan comprometido ideológicamente como Woody Guthrie, que dibuja en ‘Jesus Christ’ a un Jesucristo comprometido con los pobres y enemigo de los ricos y poderosos, a los que acusa de haberlo llevado a la tumba.

“Todavía estaba hablando cuando llegó un grupo encabezado por Judas, uno de los Doce. Como se acercaba a Jesús para darle un beso. Jesús le dijo: "Judas, ¿con un beso traicionas al Hijo del Hombre?" (Lc, 12, 47-48)

Mucho se ha escrito sobre el traidor Judas. En este caso no nos referimos al Judas del rock, el gran traidor de la música folk, aquel que se atrevió a enchufar su guitarra en 1966, sino a Judas Iscariote, el discípulo que traicionó a Jesús con un beso y al que la tradición ha otorgado el papel de malo de la película. Existe una versión alternativa, defendida por The Residents en ‘Judas saves’: la traición fue un deseo divino. Judas se sacrificó, a su pesar, para salvar a la humanidad. “I hear a voice calling me. Now it is so clear he must appear to be betrayed so we can be saved”.

“Cuando tomó Jesús el vinagre, dijo: «Todo está cumplido». E inclinando la cabeza entregó el espíritu” (Jn 19,30)

“Jesus died for me long ago on a hillside far away. He was tortured and slain”. Hank Williams señalaba en ‘Jesus died for me’ el carácter redentor de la muerte de Jesús. Más difícil de descifrar es ‘Both crosses’, la canción de The Hold Steady que habla sobre la pasión y muerte: “And two of them were crucified. And the last one had enlightened eyes. But the first guy, he was Jesus Christ. Hey Judas, I know you've made a grave mistake”.

“Y entrando en el sepulcro vieron a un joven sentado en el lado derecho, vestido con una túnica blanca, y se asustaron. Pero él les dice: «No os asustéis. Buscáis a Jesús de Nazaret, el Crucificado; ha resucitado, no está aquí. Ved el lugar donde le pusieron»” (Mc 16, 5-6)

Killing Joke hablan de la muerte y resurrección de Jesús en ‘The Death And Resurrection Show’, una canción que parece esconder una crítica al cristianismo. “Oh how ingenious the centuries of lies. Ezekiel's chariots streak across the skies. Holy books and history texts forget because we know souls are recycled in the death and resurrection show”.

Texto publicado previamente en soitu.es el 10/4/2009

De la alegría de Juanito a las celebraciones de diseño

2011-04-08T13:27:00.001+02:00

Aunque ya conocía la escena, desde que la volví a ver hace unas semanas, en uno de esos partidos de leyenda que Marca TV emite en la sobremesa, no me la puedo quitar la de la cabeza. Se trata de Juan Gómez, el mítico Juanito, recorriendo el césped del Bernabéu dando brincos de alegría mientras se dirige exultante hacia la banda para ser sustituido. Lo fascinante de la imagen es que tras los saltos y gestos de Juanito se aprecia una alegría pura e incontenible, un júbilo que, imposible de reprimir, estalla a borbotones.

El entusiasmo de Juanito estaba más que justificado. El Real Madrid acababa de endosarle un 4-0 al Borussia Mönchengladbach, remontando así el aparentemente inalcanzable 5-1 encajado en tierras alemanas en el partido de ida. Después de aquel resultado adverso, en el viaje de vuelta a Madrid, los blancos, con Juanito y Camacho a la cabeza, se conjuraron para conseguir voltear la eliminatoria en el Bernabéu. Eran los tiempos de las remontadas blancas (el año anterior ya habían remontado un 3-0 al Andertlech y un 2-0 al Inter). Los tiempos del miedo escénico -Vadano dixit-, cuando noventa minuti en el Bernabéu eran molto longos -Juanito dixit-.

El partido de vuelta de la eliminatoria fue un ataque continuo e intenso por parte del Madrid, que no cesó hasta que, cuando los noventa minutos agonizaban, Santillana cazó una pelota en el área pequeña y marcó el 4-0. Fue entonces cuando Luis Molowny, con la intención de perder el poco tiempo restante, decidió cambiar a Juanito -inmenso durante los todo el encuentro- por Martín Vázquez y fue en ese momento cuando Juanito tuvo su explosivo ataque de alegría.

La imagen sigue dando vueltas en mi cabeza porque no puedo evitar comparar esa celebración natural e irreprimible con las celebraciones de diseño que pueblan hoy los campos de juego. La felicidad espontánea de Juanito contrasta con los besos a los anillos, los pulgares en la boca, el vaivén de brazos que simulan acunar un bebe imaginario, los corazones dibujados al aire y demás gestos que acaban convirtiendo la celebración de un gol o una victoria en un teatro premeditado. Todo ello, naturalmente, amplificado por los medios de comunicación, entusiasmados por rellenar horas de supuesta información con este tipo de banalidades triviales.

El momento del gol o la victoria debe ser un momento de alegría franca y desenfadada. Hace dos décadas se marcaba un tanto y el equipo entero corría a abrazarse en una improvisada melé; ahora el goleador a menudo pide a sus compañeros que se aparten de su camino y sólo después de concluido su particular circo permite el abrazo y la felicitación del resto del equipo. El fútbol de élite era antes más puro y espontáneo, más parecido al que juegan los niños en el patio de colegio. La amplificación que los medios hacen ahora de todo lo que pasa en el campo ha pervertido en cierto modo esto. El futbolista se sabe observado por las cámaras y representa un papel. Deja de ser deportista para convertirse en actor.

No tengo claro cuándo empezó todo esto, cuándo la alegría salvaje imposible de impostar dio paso a las celebraciones premeditadas y ensayadas. Mi teoría es que el punto de inflexión se produjo en 1994, cuando, en los cuartos de final del Mundial de Estados Unidos que disputaban Holanda y Brasil, Romario, Mazinho y Bebeto celebraron un gol de éste último simulando acunar al recién nacido hijo del ex-jugador del Deportivo. La simpática imagen tuvo lugar en el momento oportuno -cuando el fútbol empezaba a convertirse en un fenómeno mediático de primer orden- y en el lugar oportuno -ningún escaparate mejor que la gran cita mundialista-, dando la vuelta al mundo y sirviendo de modelo para hordas de imitadores que desde entonces se afanan en buscar la celebración más original. Uno no puede evitar echar de menos las antiguas celebraciones, desprovistas de la estudiada coreografía de las de hoy en día. Sería bonito recuperar ese espíritu, porque ese también es el espíritu de Juanito.

Canciones futboleras: Gol psicológico (Fernando Alfaro)

2011-04-07T01:32:00.000+02:00

"Y es que cuando parecía tarde

llega un gol psicológico,

es un gol con poderes mentales

me lo habré imaginado yo.

No esperado pero deseado

llega un gol psicológico,

estoy enfermo o enamorado,

estoy aún vivo, me duele todo".

Un gol psicológico es el que llega inesperadamente en un momento clave, cuando todo parece encaminarse irremediablemente hacia un final incierto o funesto. Es un gol que puede hacernos recuperar súbitamente la esperanza y hacernos encarar el resto del partido con un renovado optimismo. Un gol que significa un necesario punto de inflexión en el momento preciso y que supone una alegría adicional, por lo inesperado del mismo. Un gol psicológico puede ser, por ejemplo, descubrir a estas horas de la madrugada que apenas quedan cuatro días para conocer el nuevo trabajo de Fernando Alfaro e irse a la cama con una sonrisa.

"Llega ella y la sonrisa

de sus ojos, de sus labios

ilumina los estadios

de primera división.

Me agarré a esa sonrisa,

millones de vatios,

y aposté, y gané".

'Gol psicológico' está incluido en 'La vida es extraña y rara', el nuevo disco de Fernando Alfaro, a la venta el 11 de abril.

Canción de viernes: Hey, hey Bunny (Los Gatos Negros)

2011-03-25T20:18:00.002+01:00

Aparte de los archiconocidos Brincos, Bravos, Pekenikes y Sirex, la escena musical española de los 60 no ha sido demasiado explotada, pero está plagada de verdaderos tesoros. Buceando un poco se descubren bandas muy interesantes, algunas de las cuales no publicaron más de un par de singles antes de extinguirse. Una de las más longevas fue Los Gatos Negros, grupo de Barcelona que estuvo activo durante casi toda la década, tocando todos los palos en boga en aquellos años, desde la psicodelia hasta el rock'n'roll o el rythm and blues. Aunque hicieron algunas composiciones propias, la mayoría de su producción fue a base de fabulosas versiones de grupos británicos que triunfaban en aquella época (Manfred Mann, The Kinks, Yardbirds, Spencer David Group, los inevitables Beatles y un largo etcétera), junto con éxitos de rythm and blues y rock'n'roll de la década anterior (James Brown, Ray Charles, Eddie Cochram o Chuck Berry)

Una de las facetas más interesantes de Los Gatos Negros apareció cuando se acercaron al soul bailongo versionando en 1968 'Hey, hey Bunny', canción que John Fred había publicado sólo unos meses antes. Ritmo acelerado, metales y hammond para facturar un frenético hit sucio y bailable. Imprescindible en guateques y fiestas de cualquier pelaje.

The Beatles & The Kop

2011-03-22T20:23:00.003+01:00

La afición del Liverpool es famosa por su interpretación, antes de iniciar cada partido su equipo en Anfield, de 'You'll never walk alone", la conocida canción de Rodgers and Hammerstein que popularizaran Gerry & The Peacemakers en los años 60. Una canción que ha aguantado el paso de los años, convirtiéndose con el tiempo, gracias al empeño de los aficionados, en una suerte de himno oficioso para el Liverpool. Sin embargo, en su día, 'You'll never walk alone' no fue, en modo alguno, una excepción. En los años 60 era común que la grada de Anfield cantara otras canciones famosas en aquella época en las islas británicas, cuyos estribillos facilmente tarareables facilitaban la labor. No hay que olvidar que aquellos años vieron el nacimiento de la música pop en el Reino Unido, y la ciudad de Liverpool jugó un papel fundamental en ese movimiento, con bandas como los citados Gerry & The Peacemakers, The Searchers, The Fourmost, The Swinging Blue Jeans, The Merseybeats y demás grupos asociados al Mersey Sound.

El más famoso de todos los grupos nacidos por aquel entonces en Liverpool, a la vera del río Mersey, fue, obviamente, The Beatles. Es fácil imaginar que debieron de ser muchas las canciones de la banda que sonaron durante los años 60 en el estadio del Liverpool, cantadas por los aficionados. Canciones como la pegadiza 'She loves you', publicada como single en 1963. En este vídeo se puede ver cómo una atestada The Kop, la famosa grada sur de Anfield, repleta de jóvenes con pelo a lo tazón, chaqueta, camisa blanca y corbata fina, entona al unísono la archifamosa canción de los Fab Four. Miles de gargantas cantando al ritmo de The Beatles en un abarrotado campo de fútbol. Música y fútbol. The Beatles y The Kop. Emocionante.

Visto en Los ideales del gol.

Llegó la primavera (recordando a Materia Gris)

2011-03-21T18:27:00.000+01:00

"Llegó la primavera en casa de mi abuela,
amaneció tronando, la gente descansando,
pasaron cuatro meses y todo está cambiado.
Llegó la primavera, te sigo recordando"

Hoy, 21 de marzo, comienza la primavera en el hemisferio norte. Esto ha hecho que, por una de esas asociaciones de ideas que nuestros cerebros hacen a menudo, haya acudido a mi mente el recuerdo de Materia Gris, un semidesconocido grupo gijonés de la segunda mitad de la década de los 90. Al recordar aquello que se llamó Xixon Sound, a todos se nos vienen a la mente grupos como Australian Blonde, Eliminator Jr, Manta Ray o Undershakers, pero en la misma época y en la misma ciudad surgió por entonces uno de los grupos -dúo en realidad- más extraños que ha existido en el pop español.

Una canción en un recopilatorio del sello Astro incluido en una revista Factory fue la primera noticia que tuve de Materia Gris. Aquella canción llevaba por título 'La primavera' y es, obviamente, la razón de que hoy mi mente haya hecho esta asociación de ideas. En aquel sampler, camuflados entre temas de Penélope Trip, Manta Ray, Niños Mutantes o Steve Wynn, aparecía una indescriptible canción acústica que hablaba de forma extraña sobre la llegada de la primavera. Una vez mordido el anzuelo, urgía hacerse con el disco completo, editado en Astro con el sugerente título de 'Para pensar' (1998).

Un disco, producido por Paco Loco, con una instrumentación austera, dominado por guitarras acústicas, sección rítmica sutil y una armónica estridente que aparece para subrayar unas letras crudas y desquiciadas, pero también lúcidas ("si dices que hay que experimentarlo todo, ¿por qué no pruebas el cianuro?", cantan en 'Turismo lunar', mi favorita del álbum), cantadas -más bien recitadas- por una voz grave y en ocasiones histriónica. El resto de instrumentos que aparecen a lo largo del disco -hammond, violín, clarinete, acordeón y flauta- sirven para abundar en el tono espectral y misterioso de un trabajo extraño y difícil, una rareza necesaria en una escena -la de los 90 en España- demasiado mimética.

'Para pensar' fue el primer y único trabajo de Materia Gris, un grupo que estaba formado por Luis Navarro y Luis Mediavilla. Navarro grabó un disco con su grupo paralelo, Detritus X, editado también por Astro en 1998, mientras Mediavilla formó Maldito Genio tras la desaparición del dúo. De Materia Gris nunca más se supo.

Escucha 'Para pensar' en Spotify.

La leyenda de Polly Jean

2011-03-13T20:11:00.000+01:00

Foto: Plastic Jesus

El mundo de la música popular está lleno de tópicos aceptados por la mayoría a fuerza de ser repetidos una y otra vez, lugares comunes que acaban convirtiéndose en leyendas y que nadie se atreve a contradecir por miedo a sufrir un linchamiento público o por pereza a investigar, a rascar un poco la superficie. Cuenta una de estas leyendas que Polly Jean Harvey, cantautora inglesa de 41 años crecida en el condado de Dorset, no ha publicado aún un disco malo desde que debutara en 1992 con 'Dry'. Ocho discos de estudio en casi dos décadas -recopilaciones y colaboraciones al margen-, todos ellos diferentes pero reconocibles, buscando en cada uno explorar nuevas vías, dar esquinazo a lo hecho anteriormente pero sin perder la estela de la inspiración. Todos grandes discos, jugosos y emocionantes; ninguno malo, aburrido o trivial. Cada nuevo trabajo suyo es recibido con alborozo por crítica y público. Eso cuenta la leyenda.

Foto: Luis Carvalhal

Esta leyenda cuenta que 'Dry' (1992) fue un puñetazo en la mesa del rock entonces conocido como alternativo. A su lado, el estruendo montado por sus coetáneas riot grrrls no eran más que inofensivos fuegos de artificio. Lo suyo iba en serio. Rock descarnado, letras que aluden al amor y al deseo, guitarrazos contundentes y esa poderosa voz, ora amenazante, ora afligida. Un cóctel perturbador y seductor. Desde Patti Smith no se escuchaba nada igual. Una mujer haciendo rock sin complejos y sin necesidad de estar reivindicando su femineidad a cada momento. El disco siguiente, con Steve Albini a los mandos, fue la confirmación de un talento bestial. El comienzo de 'Rid of me' (1993), con Polly supurando deseo a voz en grito ("lame mis piernas, estoy ardiendo"), es el presagio de un disco descomunal, duro y áspero, donde placer y dolor se dan la mano. Se terminaba de conformar el personaje de PJ Harvey, intimidante y sensual, tierno y lascivo. 'Rid of me' desbordó cualquier expectativa, pero también pudo poner el listón demasiado alto para cualquiera que viniera después, incluida ella misma.

Entonces fue cuando, siempre según la referida leyenda, PJ se reinventó por primera vez. Convencida probablemente de que el camino de 'Rid of me' ya estaba agotado, por insuperable, se acercó al melodrama con un disco de una intensidad insuperable, acaso inspirada por su entonces pareja Nick Cave. 'To bring you my love' (1995) lima las aristas de 'Rid of me' mediante una riqueza en arreglos que busca huir de la seca crudeza de su predecesor. Ya desde la portada, con Polly de rojo carmesí, se aprecia el cambio. El blanco y negro cede aquí su sitio a una gama de colores intensos. Parecía difícil igualar 'Rid of me', pero 'To bring you my love' consigue, cuanto menos, estar a la altura.

Foto: OtterFreak

Tres discos mayúsculos en apenas cuatro años es un bagaje que haría temblar a cualquiera a la hora de dar el siguiente paso. En 'This is desire' (1998) Polly Jean intentó sacudirse el peso de sus anteriores trabajos, buscando en algunos cortes un acercamiento a la electrónica sutil tan en boga en aquella época. La leyenda dice que, a pesar de canciones como 'Angelene' o 'A Perfect Day Elise', el disco supone un ligero bajón en la ascendente carrera de la cantante. No obstante, 'This is desire' es una colección de canciones más que notable, pero carece del impacto, fuerza y cohesión de sus trabajos anteriores. Tras el pequeño -mínimo- tropezón, PJ Harvey editó su disco más pop. En 'Stories from the city, stories from the sea' (2000), escrito en parte e inspirado en Nueva York, Polly Jean abre las ventanas para ventilar y dejar entrar la luz, logrando un álbum de canciones redondas coronado por ese tremendo dúo con Tom Yorke, 'This mess we are in'. La angustia y opresión anterior cede aquí un poco y Polly Jean parece respirar. Y nosotros con ella. El cambio de siglo coge a la de Dorset en un estado de gracia fantástico. O al menos, eso cuenta la leyenda.

La misma leyenda que habla de cómo PJ Harvey dio una nuevo giro, volviendo a sus inicios de rock crudo y desgarrado con 'Uh huh her' (2004) -un disco notable a pesar de no alcanzar las cotas mayúsculas del lejano 'Rid of me'- y de cómo, en un viraje aún más acusado, aparcó la guitarra eléctrica y abrazó el piano disfrazándose de heroína romántica en el precioso 'White Chalk' (2007). Los gritos dejan aquí sitio a los susurros y las percusiones sutiles sustituyen a las baterías contundentes, conformando un álbum delicado e intimista. Bálsamo para nuestros maltratados oídos.

Continúa contando la leyenda que, en su octavo disco, 'Let England shake' (2011), Polly Jean ahondó en el territorio del álbum anterior, dejando un poco a un lado el piano y ayudándose del autoarpa -un extraño instrumento de cuerda de la familia de la cítara-, dando así una nueva vuelta de tuerca a su sonido. Habla la leyenda de la enorme riqueza instrumental y del compromiso político en las letras, destaca que el disco alcanza momentos de emoción sobrecogedores y señala que, aunque algunos fans añoran los arrebatos rockeros de 'Rid of me' o la luminosidad pop de 'Stories from the city, stories from the sea', todavía se sigue sin conocer un mal disco de PJ Harvey.

Foto: NRK P3

Como todo el mundo sabe, las leyendas poco tienen que ver con la realidad. Se trata, según la RAE, de una relación de sucesos que tienen más de maravillosos que de históricos o verdaderos. Ocurre, sin embargo, que en ocasiones se obra el milagro y las leyendas se revelan como ciertas. Ocurre que en el caso que nos ocupa los sucesos extraordinarios que se narran son absolutamente verdaderos. Ocurre que, efectivamente, PJ Harvey tiene discos buenos, muy buenos y excelentes, pero no se conoce hasta ahora que haya editado un álbum mediocre. 'Let England shake' es, de momento, el último capítulo de una inmaculada trayectoria. La leyenda continúa.

Casa de citas: Friedrich Nietzsche

2011-03-07T22:47:00.004+01:00

“Y ahora imaginémonos cómo en ese mundo construido sobre la apariencia y la moderación y artificialmente refrenado irrumpió el extático sonido de la fiesta dionisíaca, con melodías mágicas cada vez más seductoras, cómo en esas melodías la desmesura entera de la naturaleza se daba a conocer en placer, dolor y conocimiento, hasta llegar al grito estridente”.

Friedrich Nietzsche en 'El nacimiento de la tragedia'.

Parecidos razonables: Manolo Tena vs Bruce Springsteen

2011-03-01T13:15:00.000+01:00

Qué te pasa (Manolo Tena, 1992)

All that Heaven will allow (Bruce Springsteen, 1988)

Tu frialdad

2011-02-23T00:11:00.002+01:00

Benzema y su frialdad (foto: shimmysugar)

La frialdad es una cualidad a menudo despreciada en el fútbol. Aficionados, periodistas y hasta entrenadores gustan de jugadores de sangre caliente, impetuosos y enérgicos. Se aplauden las carreras demagógicas y los excesos físicos aunque no sean realmente beneficiosos para el equipo. Se valora la sobreexcitación y se duda de la parsimonia y la serenidad. La inteligencia en el esfuerzo tiene peor prensa que el derroche inútil. Los jugadores de sangre fría son acusados de indolentes, apáticos e incluso insolidarios, sin reparar quizá en que esa frialdad en ocasiones es muy conveniente. En Argentina a estos jugadores les llaman pechofríos, creo recordar.

A esta categoría de futbolistas pertenece Benzema, el delantero madridista que esta noche, recién ingresado al campo, después de robar un balón en la banda izquierda y triangular con Ozil y Ronaldo, se internó con el balón en el área y, casi andando, dejó sentado a un jugador y continuó regateando en un eslalon paralelo a la línea de gol, hasta divisar vía libre entre su pie derecho y la portería. Entonces, con aparente indolencia, con aparente apatía, con aparente impasibilidad, con toda la sangre fría del mundo, Benzema golpeó sutilmente la bola, que entró mansamente en el arco tras colarse por debajo de las piernas del meta francés Lloris. El 0-1 que subió al marcador fue, por una vez, el triunfo de la frialdad. La que a muchos atormenta.

Joy "Playmobil" Division

2011-02-19T02:01:00.000+01:00

Visto en The Casual Connoisseur, vía @blog_RMCF

Casa de citas: Bolaño y el fútbol

2011-02-17T11:58:00.000+01:00

"Mi experiencia como jugador de fútbol nunca fue del todo comprendida ni por los espectadores ni por mis compañeros de equipo. A mí siempre me pareció más interesante marcar un autogol que un gol. Un gol, salvo si uno se llama Pelé, es algo eminentemente vulgar y muy descortés con el arquero contrario, a quien no conoces y que no te ha hecho nada, mientras que un autogol es un gesto de independencia".

Roberto Bolaño

Gracias, Fenómeno

2011-02-16T01:05:00.001+01:00

A estas alturas todos los medios habrán glosado convenientemente, en la hora del adiós, la figura de Ronaldo Luis Nazario de Lima. Habrán reseñado sus principios en el Cruzeiro y aquel Mundial del 94 donde se proclamó campeón con sólo 17 años sin jugar un minuto, como suplente de Bebeto y Romario. Se habrán destacado también sus principios goleadores en Europa, en las filas del PSV, y su extraordinaria temporada en el Barça a las órdenes de Bobby Robson, donde maravilló al mundo futbolístico buscando un hueco entre los verdaderamente grandes de la historia, ese lugar en el que Maradona convive con Cruyff y Pelé se codea con Di Stefano. Se habrá dicho que aquel Ronaldo probablemente fuera el mejor delantero que ha pisado un campo de fútbol y se habrá hablado de su insólita mezcla de técnica y potencia, de sutileza y fuerza, de velocidad y frenada, cualidades sintetizadas en su prodigioso tanto contra el Compostela, el gol soñado por Pasolini y esbozado años antes por Maradona. También todos los diarios, radios, televisiones y blogs futboleros habrán narrado el traspaso al Inter y la derrota en la final del Mundial 98, en la cual Ronaldo fue un espectro de sí mismo por culpa de sucesos aún no aclarados plenamente. Luego vino la terrible lesión, la ardua recuperación, la recaída y la luz, por fin, al final del tunel.

En muchos sitios habrán dicho ya que cuando volvió Ronaldo era un futbolista diferente. Su fisonomía había cambiado y su rodilla no le permitía ya las carreras de antaño. Tuvo, por tanto, que reciclarse y aprender a convivir con sus limitaciones físicas reduciendo su campo de acción. Así ganó con Brasil el Mundial de 2002, siendo máximo goleador, sin apenas competición en sus piernas tras dos años de purgatorio. Puede que algunos hayan escrito que en Madrid volvió a ser feliz y puede incluso que sea verdad. Lo que es seguro es que hizo, con sus goles, felices a muchos madridistas en sus cuatro años de blanco, formando con Raúl una sociedad simbiótica que alguien llamó la doble R. Seguro que muchos se han acordado de las palabras de Valdano, que comparó al delantero con una manada de búfalos en estampida, y habrá quien haya recordado la Liga que Ronaldo le birló a la Real Sociedad con una asombrosa recta final de temporada. Se habrá contado el ocaso del astro en el geriátrico de Milán, la vuelta a Brasil, la impotente sensación de que las piernas no llegan adonde la imaginación aún alcanza, el cuerpo maltratado por las lesiones e hinchado por el hipotiroidismo y, por fin, el adiós entre lágrimas, la conmovedora despedida a los 34 años de un jugador irrepetible.

Algunos, incluso ahora, habrán hablado de sus fiestas y cumpleaños, pero la mayoría habrá recordado sus prodigiosos goles. Los primeros todavía lo acusarán de vago y poco profesional, sin reparar en el gran espíritu de sacrificio necesario para superar lesiones de tal gravedad y volver a la élite, reinventándose para sobrevivir. Pero todo lo anterior estará dicho y escrito ya, así que desde belfast boy sólo nos resta añadir: gracias, Fenómeno. Fue un verdadero placer.

Canción de viernes: Losing my edge (LCD Soundsystem)

2011-02-11T19:13:00.000+01:00

Hace unos días hablábamos por aquí de la disolución de The White Stripes. Hoy le toca el turno a LCD Soundsystem, cuyo líder, James Murphy, anunció hace unos días en su web oficial que se acabó lo que se daba. Aunque alejadas estilísticamente, ambas bandas comparten haber sido dos referentes imprescindibles, cada una en lo suyo, durante la primera década del siglo XXI. Dos pérdidas sensibles para la música.

James Murphy en directo en 2007 (flickr neil365)

Cada uno tendrá su canción favorita de LCD Soudsystem, aquella con la que más halla bailado o más le haya hecho disfrutar. 'All I want', incluida en su último disco, es una debilidad personal (no en vano ya apareció en las 15 canciones de 2010), quizá por su aire al Bowie de 'Heroes'. Otros preferirán 'Daft Punk are playing in my house', 'Give it up', 'Yeah', 'All my friends', 'I can change', 'Drunk girls' o cualquier otra incluida en sus tres discos de estudio y múltiples singles. Si de algo anduvieron siempre sobrados los LCD fue de temazos rotundos. Hoy nos vamos a quedar con 'Losing my edge', el primer single de la banda, con el cual saltaron al estrellato allá por 2002. Una canción que seguro ha alegrado unas cuantas noches de viernes a más de uno (y las que quedan).

La Copa que salvó a Cruyff

2011-02-09T01:18:00.002+01:00

Ahora mismo nadie se atrevería a cuestionar a Johan Cruyff como uno de los grandes entrenadores de la historia del fútbol. Se puede incluso pensar que su aparición en los banquillos a finales de los 80 salvó del aburrimiento a un fútbol cada vez más especulativo y tacticista (no hay más que recordar el soporífero Mundial de Italia). Es innegable que la huella del holandés se encuentra en el Barça de Guardiola, pero también en la actual selección española campeona del mundo y, en mayor o menor medida, en otros equipos como el Arsenal de Wenger. El reconocimiento al entrenador holandes es hoy, por tanto, unánime. Pero no siempre fue así. No siempre estuvo claro que Cruyff fuera el genio que, aun con sus excentricidades, demostró finalmente ser. El 5 de abril de 1990 se jugó un partido cuyo resultado, con la perspectiva del tiempo, se antoja crucial para el devenir de los acontecimientos posteriores. De haber sido otro pudo haber cambiado la historia del Barcelona, de la Liga española y quién sabe si del fútbol mundial.

Nuñez había contratado a Cruyff en 1988 para intentar terminar con el dominio del Madrid de la Quinta del Buitre. En su primer año consiguió la Recopa, pero en el campeonato doméstico no pudo con el intratable equipo blanco. La termporada 1989/1990 no fue mejor y, tras una derrota en Castellón, los azulgranas quedaron descolgados de la lucha contra el Madrid de Toshack, que terminaría batiendo récords goleadores. Si a esto unimos la eliminación en octavos de final de la Recopa ante el Anderlecht, la final de Copa era el clavo ardiendo al que se agarraban los azulgranas. Al partido se llegó con el entrenador holandés en la cuerda floja, con los nombres de Menotti y Luis Aragonés flotando en el aire. El gatillo fácil de Nuñez hasta la fecha a la hora de tumbar entrenadores no presagiaba tranquilidad para Cruyff en caso de terminar el año en blanco.

El bloque del Real Madrid que jugó aquella final estaba formado aún por la base del equipo que dominó en España durante la segunda mitad de la década de los ochenta, con las aportaciones de Schuster y un juvenil Fernando Hierro. En el Barcelona, por su parte, ya estaban la mayoría de los hombres que terminarían haciendo historia con el Dream Team: Zubizarreta, Eusebio, Bakero, Beguiristáin, Koeman, Laudrup, Amor y Salinas.

Cuentan las crónicas que la final no tuvo mucho fútbol y que se resolvió gracias a la mayor contundencia del Barça y a la pobre propuesta del Madrid, que jugó toda la segunda parte con un jugador menos después de que García de Loza expulsara a Fernando Hierro en una polémica decisión. Amor y Julio Salinas marcaron los goles que dieron la victoria al club catalán. Una victoria que aplacó los ánimos de la directiva azulgrana y alejó los fantasmas de la destitución del entrenador. Lo que ocurrió después es de sobra conocido: el Barça, con Cruyff en el banquillo, inició una época dorada en la que ganó cuatro ligas y una Copa de Europa, mientras el Madrid comenzaba su particular travesía del desierto. Aquel partido marcó un punto de inflexión en la trayectoria de los dos clubes, que a partir de entonces cambiaron sus roles.

(Se recomienda quitar el volumen)

21 años después los dos grandes clubes españoles volverán a enfrentarse en una final de Copa. Será el próximo 20 de abril y esta vez la situación es completamente distinta. El Barça es el equipo dominador y el puesto de su entrenador, renovado recientemente, no corre ningún peligro. Esta vez es el Real Madrid el que está necesitado de un título para aliviar años de sequía. Aunque la posición de Mourinho parece relativamente firme, no es descabellado pensar que un año sin títulos podría significar su salida del Bernabéu. Aunque, quién sabe, quizás, como hace 21 años, este partido suponga un cambio de ciclo, el fin de un imperio y el principio de otro. Parece poco probable pero también lo parecía hace dos décadas cuando los blancos batían récords goleadores y Cruyff era discutido en Barcelona.

Puedes leer la crónica del partido en el país, abc, la vanguardia y mundo deportivo.

Canciones futboleras: Seven Nation Army (The White Stripes)

2011-02-04T12:12:00.004+01:00

"The White Stripes ya no pertenece a Meg y Jack. The White Stripes os pertenece ahora a vosotros y podéis hacer con ello lo que queráis. La belleza del arte y la música es que puede durar para siempre si la gente quiere".

The White Stripes se separan. Así lo anunciaron en su web oficial el pasado miércoles. Una noticia triste, aunque presumible, teniendo en cuenta los proyectos paralelos en que se había embarcado en los últimos tiempos Jack White -The Raconteurs y The Dead Weather- y las pocas noticias de la banda desde que suspendieran su gira en 2007 debido a problemas de ansiedad de Meg. Nos quedamos sin una de las bandas que han marcado la primera década del siglo, desde que el 1999 editaron su primer disco de título homónimo. Quizá sea mejor así: retirarse antes de que la desidia llegue y lo excitante se convierta en rutinario. Cuesta imaginarse a una banda tan vigorosa sacando discos alimenticios y arrastrándose en directo.

La banda de Detroit deja seis discos notables y un buen ramillete de impresionantes hits. El más popular de todos ellos es seguramente 'Seven nation army', contenida en su tercer álbum, 'Elephant' (2003). Una canción cuyo riff resultará familiar incluso a quien apenas conozcan el nombre del grupo, sobre todo a aquellos que sean aficionados al fútbol.

Es difícil concretar el preciso instante en que 'Seven nation army' se coló en el mundo del fútbol, aunque todo apunta que fueron los aficionados del Brujas los primeros en usarla para animar a su equipo, siendo adoptada por los hinchas de la Roma tras un encuentro de Europa League contra los belgas en 2006. De esta forma la canción aterrizó en las gradas italianas, alcanzando gran popularidad en todo el mundo al ser utilizada por la afición transalpina como himno oficioso tras la victoria azurra en el Mundial de 2006, al primario y festivo grito de "po po po po po po po". La canción se hizo tan popular en Italia que llegó al tercer puesto de las listas de ventas. Dos años después, en la Eurocopa de 2008 que terminó ganando España, 'Seven nation army' se convirtió en habitual al sonar por megafonía antes de empezar cada encuentro mientras los equipos saltaban al campo.

También ha sido empleada por algunas aficiones inglesas para animar a determinados jugadores, algo muy habitual en las islas. Por ejemplo, los hinchas del Liverpool, tan acostumbrados históricamente a apropiarse de canciones populares para sus emocionantes cánticos, la utilizaban para corear el nombre de Mascherano, antes de que éste abandonara el pasado verano el club inglés rumbo a Barcelona. Por su parte, los fans del Arsenal usan la pegadiza melodía para animar al marfileño Emmanuel Eboue. El propio Jack White aprobaba entusiasmado estas versiones populares de su obra : "No hay nada más hermoso en la música que cuando la gente abraza una melodía y ésta entra así en el panteón de la música tradicional".

Así que, aunque el grupo se haya separado, la melodía de una de sus canciones seguirá resonando en algunos campos a lo largo del planeta. Una canción que, aunque a priori no tenía nada que ver con el deporte se terminó convirtiendo, gracias al empeño de la gente, en una "canción futbolera".

Documentación:
http://www.guardian.co.uk/music/musicblog/2008/jun/18/issevennationarmytheindie
http://it.wikipedia.org/wiki/Seven_Nation_Army
http://en.wikipedia.org/wiki/Seven_Nation_Army
http://en.wikipedia.org/wiki/Football_chant
http://whitestripes.wikia.com/wiki/Seven_Nation_Army

Discos para una isla desierta: Una semana en el motor de un autobús (Los Planetas)

2011-01-31T20:59:00.004+01:00

Imagínate que, desesperado tras una ruptura sentimental, te sumerges en la búsqueda de todo tipo de sensaciones que te alivien el dolor, para terminar descubriendo que todos esos bálsamos artificiales no son la solución; que la verdad no está ahí fuera, sino en el interior de tu mente. Este es, a grandes rasgos y contado con brocha gorda, el argumento de 'Una semana en el motor de un autobús', el disco conceptual -consciente o accidentalmente- que Los Planetas se sacaron de la manga en 1998.

El álbum llegó en el momento más difícil. 'Pop' (1996) no había sido el éxito comercial que su discográfica presumía e incluso el entusiasmo de la crítica se había enfriado algo respecto a su disco de debut, el inmenso 'Super 8' (1994). A ello se sumaban los problemas internos de la banda. May, bajista desde la fundación del grupo, había abandonado, al igual que Raúl Santos, efímero batería de la época de 'Pop', y los escarceos con las drogas empezaban a resultar problemáticos. Con todo en contra, Los Planetas grabaron en Nueva York un disco que era una especie de ahora o nunca. Ellos contra todo: la discográfica, la inercia autodestructiva del propio grupo, el escepticismo de todos y el desvanecimiento del sueño independiente en España. Si habéis escuchado el disco, ya sabéis quién ganó la batalla.

Las canciones entregadas por la banda no terminaban de convencer a una recelosa RCA y tuvieron que componer, a contrarreloj, 'Segundo premio', arranque a la postre del disco. Al escuchar 'Una semana en el motor de un autobús' uno se da cuenta de cuan acertada fue, por una vez, la decisión de los directivos de la discográfica. Porque 'Segundo premio', con esa batería contundente de Erik y la voz dolida y de J, es el mejor inicio posible. Una canción de desamor donde, sin llegar a los límites alcanzados años después en 'Pesadilla en el parque de atracciones', el rencor da miedo: "si esto te hace daño, si te puede hacer sufrir ha servido para algo al menos para mí". El deseo, ruin pero humano, de hacer sufrir a la persona que te ha abandonado, aunque, en realidad, lo que estés deseando es que suene ese maldito teléfono.

La ruta del despecho continúa en la guitarrera 'Desaparecer' ("si te esfuerzas puedes desaparecer") y 'La playa', con su pop perfecto y su algo pueril historia de celos veraniegos, pero a la altura de 'Parte de lo que me debes' ya no quedan fuerzas para odiar y sólo queda aflicción y pesar por el tiempo perdido: "ahora pienso en lo estúpido que fui, las fuerzas que gasté, el tiempo que perdí". Entonces llega la búsqueda del alivio, el hedonismo como analgésico, la inmersión en las drogas, desde la relajación narcótica de 'Toxicosmos' o 'Laboratorio mágico' hasta la excitación de 'Cumpleaños total'. La perezosa 'Linea 1' enfila la recta final mostrando el inevitable arrepentimiento que acompaña a la resaca ("iba a hacerlo esta mañana, levantarme de la cama, comprar algo de comida, ordenar por fin mi vida"), que termina quedando en nada ("y después pensé mejor que no y puse la televisión, subí a pillar un poco más; después de todo esto no está mal"). Las voces infantiles no hacen sino aumentar la sensación de desasosiego. Los casi diez minutos gloriosos de 'La Copa de Europa', con la melodía inflamándose entre arreglos de cuerda, son el punto y final perfecto. La revelación dolorosa y definitiva: "cuánto tiempo he perdido ahí afuera, cuánto por descubrir en mi cabeza".

'Una semana en el mejor de un autobús' es el mejor disco de los granadinos porque presentan a Los Planetas de siempre -ahí están los hits inmediatos (hasta cinco singles potenciales: 'Segundo premio'. 'La playa', 'Desaparecer', 'Ciencia ficción' y 'Cumpleaños total'), la psicodelia oscura, las temáticas recurrentes (desamor, evasión), las prístinas guitarras de Florent-, pero más inspirados que nunca. Todo ello aderezado con la contundencia a la batería de Erik, recién incorporado a la banda tras abandonar Lagartija Nick. Un disco tóxico, como advierte la acertada portada de Javier Aramburu, porque si te sumerges en él quedas inoculado para siempre de su contagioso y malsano virus.

Así es 'Una semana en el motor de un autobús', un disco esencial para toda una generación de post-adolescentes que en su día sentimos reflejados fielmente nuestros anhelos, inseguridades, inquietudes y miedos, como si esas canciones estuvieran escritas para cada uno de nosotros. Por eso ha sido un disco muy importante en la vida de tantos que sentimos, aún hoy, casi trece años después, la necesidad de volver a él regularmente. Y por eso seríamos muchos los que lo escogeríamos, sin dudarlo, para llevárnoslo a una isla desierta.

Escucha 'Una semana en el motor de un autobús' en Spotify.

La vida es un top 5: fiascos madridistas en el mercado de invierno

2011-01-28T14:16:00.003+01:00

Perica Ognjenovic

Mourinho tiene por fin su 9. Adebayor es el jugador elegido para reforzar la plantilla madridista, en principio sólo hasta final de temporada, aunque el Madrid se ha reservado una opción de compra. Ese era el objetivo: un delantero que estuviera dispuesto a venir cedido seis meses para, como dijo Valdano, "que el compromiso no pese en el futuro" al club. Pueden sorprender un poco estas palabras, pero las preocupaciones del Madrid son razonables si tenemos en cuenta experiencias anteriores del Madrid en el mercado de invierno. Jugadores que llegaron como solución temporal y que sí terminaron "pesando" en temporadas posteriores.

Al aficionado madridista le entran sudores fríos cuando piensa en muchos de los nombres que su club ha incorporado en el mes de enero desde que el mercado de invierno existe. Son muy pocos los jugadores que se hicieron un hueco en el once inicial nada más aterrizar, caso de Lass, Karembeu -aunque el efecto gaseosa de ambos no tardó en diluirse- o Panucci. Tampoco son muchos los que, tras unos comienzos difíciles, han terminado siendo importantes, como Marcelo, Higuaín o, en menor medida, Savio.

La gran mayoría de estos fichajes invernales han salido del club por la puerta de atrás. Esto no es exclusivo del Real Madrid, obviamente, pero es quizás en el club blanco, por su disponibilidad económica y sus sempiternas urgencias históricas, donde más casos se han producido. Este top 5 es bastante representativo de lo que hablamos, y aún quedan fuera jugadores como Cicinho, Cassano, Ze Roberto (que fracasó como extermo en el Madrid y triunfó después en Alemania como mediocentro), Huntelaar o Rodrigo. Casos que demuestran que buscar una solución urgente en el mercado de invierno puede convertirse en un pesado lastre con el tiempo.

5. Albano Bizarri
El guardamente argentino llegó en enero de 1999 para heredar la puerta blanca que entonces ostentaba un ya veterano Bodo Illgner, pero se encontró con la eclosión juvenil de Iker Casillas y apenas contó con oportunidades, por lo que en el verano de 2000 fichó por el Valladolid. Tras un paso por el Nastic de Tarragona marchó a Italia, donde jugó en el Catania y aún continúa en las filas del Lazio.

Thomas Gravesen

4. Thomas Gravesen
Florentino Pérez fichó a este centrocampista danés en enero de 2005 para reforzar el mediocampo del Madrid tardogaláctico. Llegó, procedente del Everton, en una temporada turbulenta y nunca terminó de asentarse en el equipo, ni con Vanderlei Luxemburgo primero, ni después con López Caro en el banquillo. Se le fichó para hacer olvidar a Makelele jugando de mediocentro destructor, a pesar de que su posición en Inglaterra siempre fue más adelantada y ofensiva. Aunque tenía firmado hasta 2008, abandonó el Madrid en 2006, un año y medio después de su llegada, rumbo al Celtic de Glasgow, si dejar en el aficionado más que unas cuantas imágenes anecdóticas: su rostro desencajado, su pelea con Robinho y la famosa e inimitable Gravesinha.

3. Julien Faubert
El francés es el más reciente de los fracasos en el mercado invernal. Arribó a la liga española en el invierno de 2009, junto a Lass y Huntelaar, con el fin de reforzar la banda derecha madridista en ataque. No se puede decir que jugara mal porque Juande Ramos apenas le dio oportunidades. Todo lo que se recuerda de él es su actitud pasota en el banquillo en un encuentro contra el Villarreal. Tras seis meses prácticamente inédito, volvió al West Ham, su club de origen. Su caso es el más similar al de Adebayor, ya que llegó cedido hasta final de temporada por no disponer de oportunidades en su club de origen, aunque la calidad demostrada por uno y otro no es comparable.

Dejan Petkovic (wikipedia)

2. Dejan Petkovic
En el haber de Lorenzo Sanz, durante sus cinco años de mandato, están algunos grandes fichajes -Mijatovic, Suker, Seedorf, Roberto Carlos- pero también unos cuantos futbolistas contratados como firmes promesas que no cuajaron. Algunos ejemplos: Rodrigo, el citado Bizarri, Ze Roberto, Baljc y Dejan Petkovic, conocido como Rambo por su físico compacto. El serbio llegó en el invierno de la temporada 1995-96 y su rendimiento fue mediocre, tanto en su periplo madridista como en sus cesiones en el Sevilla y el Racing. Tras abandonar el Real Madrid en 1997 recaló en la liga brasileña, donde se hartó de meter goles y se convirtió en un auténtico ídolo.

1. Perica Ognjenovic
Otro de los brillantes fichajes de Sanz, que contrató a este prometedor y habilidoso delantero serbio en enero de 1999 tras despuntar en las filas del Estrella Roja. El Átomo, como era conocido, no demostró el talento que se le suponía en los dos años y medio que estuvo en el Madrid y emprendió una peregrinación por Alemania, Ucrania, China, Francia, Malasia y Grecia, para volver definitivamente a su país natal, donde aún juega en las filas del FK Jagodina.

15 canciones de 2010

2011-01-24T23:34:00.000+01:00

De acuerdo, esta lista llega tarde. De hecho, ni siquiera es una lista. Tarde y mal, por tanto, en belfast boy nos disponemos a recopilar algunas de las canciones que más nos gustaron en 2010. No se trata de hacer una minuciosa selección con lo mejor -ni tenemos tiempo ni ganas para estar al día de la producción musical mundial- sino, solamente, de recopilar algunas canciones editadas en 2010 que nos han acompañado y emocionado durante los últimos meses. Estas 15, por ejemplo. Sin jerarquía alguna. Y con playlist adjunta en doble formato (spotify y grooveshark), para deleite de vuestros oídos.

Lo siento, Kanye, en esta lista no apareces (wikipedia)

Let's go surfing (The Drums)

Vale, puede que The Drums sólo sean un hype de temporada, pero mientras facturen pepinazos como éste o 'Forever an ever amen', bienvenidos sean.

Song for Dan Treacy (MGMT)

'Congratulations' no tiene singles llenapistas como 'Kids' o 'Time to pretend', pero es un disco mucho más homogeneo, inspirado y redondo que el irregular debut 'Oracular Spectacular'. Además cuenta con esta preciosa canción que rinde homenaje al mítico líder de TV Personalities.

All I want (LCD Soundsystem)

Otra de las grandes canciones de esa máquina de hits que es James Murphy. Sacando a pasear el espíritu de Bowie. Dice que 'This is happening' es su último disco pero no nos lo creemos.

Sufrir (Javiera Mena)

Desde Chile con (des)amor. Pop con bases electrónicas y colaboración de lujo a cargo de Jens Lekman. Javiera Mena debería estar destrozando las listas de ventas de todo el mundo. Quizá si fuera más excéntrica y se cambiara el nombre por algo más glamouroso (Lady Jaja tal vez).

I want the world to stop (Belle & Sebastian)

Si admitimos de una vez que la genialidad de 'Tigermilk' y 'If you're feeling sinister' no va a volver podemos pasar página y disfrutar de lo que nos entrega periódicamente Stuart Murdoch. Y lo que nos entrega son cosas como esta resplandeciente 'I want the world to stop'. ¿Qué más queréis?

Baby Lee (Teenage Funclub)

Un caso similar al de Belle & Sebastian. Sabemos que ya no nos van a sorprender, pero tampoco nos van a defraudar, ni en directo ni en estudio. Pop en mayúsculas, del que jamás pasa de moda. Respeto a los grandes.

At the indie disco (The Divine Comedy)

Otro superviviente de los noventa. Neil Hannon, el hombre más elegante de las islas británicas, el romántico decadente, outsider eterno del brit pop, sigue en la brecha con un nivel notable cuando la mayoría de compañeros de generación hace una década que lo dejaron (y ahora vuelven entre alharacas para volver a vendernos la misma moto jugando la carta nostálgica).

Mamá, no quiero ir al colegio (Klaus & Kinski)

Un crudo relato de inadaptación social disfrazado de inocente historia infantil; cándida y tétrica a partes iguales. Con el eclecticismo por bandera, los murcianos se han hecho un hueco en lo más alto del pop español.

Lo que quieras (Denvër)

"Si te gustan Los Planetas yo te los llevo a tu puerta". Una historia de amor incondicional que empieza de forma delicada y acaba a lo grande entre arreglos de cuerda. Chile se mueve. Desde allí llega Javiera Mena y también Denvër, nuestro último descubrimiento del año.

Heart in your heartbreak (The pains of being pure of heart)

Durante 2010, los Pains nos endulzaron la espera del siempre difícil segundo disco con cuatro irresistibles golosinas, envueltas en dos singles. Cualquiera de las cuatro canciones podría aparecer aquí, pero nos quedamos con 'Heart in your hearthbreak', perfecto ejemplo del sonido Pains.

De la monarquía a la criptocracia (Triángulo de amor bizarro):

Irresistible puerta de entrada a un disco, 'Año Santo', que encierra mucho, mucho más. Reválida con matrícula. En este caso, el primero no era mejor.

Bloodbuzz Ohio (The National)

Uno de los grupos de la década, mejorando disco a disco. El último, 'High Violet', está coronado a mitad de su metraje por esta monumental 'Bloodbuzz Ohio'.

Cousins (Vampire Weekend)

No es fácil sobreponerse al hype. Vampire Weekend lo han hecho con nota. 'Contra' está, al menos, a la altura del debut, con canciones incontestables como Horchata, Giving up the gun o esta Cousins.

Norway (Beach House)

El hipnítico comienzo de 'Teen Dream' con 'Zebra' ya nos prepara para lo que está por venir, pero al sonar, a la altura de la altura de la tercera canción, las percusiones tribales y los coros espectrales de Norway es cuando nos damos cuenta de que Beach House probablemente hayan hecho el disco del año.

Señora de las alturas (Los Planetas)

O cómo transformar unas alegrías de los años 30 de Manuel Vallejo en uno de esos medios tiempos atmosféricos que los granadinos bordan.

Playlist 15 canciones de 2010 en Spotify.

La delgada línea roja del indie

2011-01-22T12:16:00.005+01:00

La bomba saltó el jueves, cuando el Festival de Benicàssim adelantó una nueva tanda de nombres para su edición de este año. The Streets y Mumford & Sons parecían a priori los más jugosos entre el elenco confirmado. Pero hete aquí que de buenas a primeras las redes sociales empezaron a echar humo. La razón era la inclusión en la lista de participantes en el FIB de la mexicana Julieta Venegas. Pronto aparecieron páginas de facebook, hashtags en twitter y comentarios de todo tipo en ambas redes, obra de aquellos a los que la inclusión de Julieta Venegas en el FIB les parecia inapropiada por no tener el suficiente pedigrí indie. La misma cantante, con cuenta en twitter, estuvo ágil y respondió, rápida y respetuosa, a las críticas: "Veo que hay polémica de que vamos al FIB.Para mi es genial poder estar ahí. Me encanta poder ser parte de ese cartel. Gracias", para añadir poco después, en un comprensivo tweet: "La verdad entiendo que haya polémica porque voy. Solo espero dar un show a la altura del festival, que es lo importante".

Julieta Venegas (xmusik)

¿A qué viene tanta polémica? ¿Tiene Julieta Venegas menos talento que la media de las bandas que actúan en el FIB? Esto es, cuanto menos, discutible. Parece que el argumento para el rechazo es más bien vender muchos discos, sonar en los 40 Principales y moverse en circuitos alejados del indie. No ser lo suficientemente indie, en definitiva, signifique eso lo que signifique. Porque si de calidad hablamos, nadie puso el grito en el cielo cuando los plomizos Keane fueron cabeza de cartel hace unos años, por poner un ejemplo.

Algunos, con algo más de fundamento, argumentan que la inclusión de Venegas pervierte la línea estilística de un festival que siempre ha mirado hacia el pop británico y, en menor medida, americano, abriendo una espita que puede resultar peligrosa en un futuro. Pero este argumento se cae por su propio peso al comprobar que en los últimos años artistas como Ilegales, Kiko Veneno, Enrique Morente y hasta Mika han pisado los escenarios del festival sin que se armara el actual revuelo. Incluso Leonard Cohen, si nos ponemos estrictos, se aparta de la línea que se le supone al FIB.

Recordaba Joan Vich en twitter que en el 95 hubo una sentada porque los djs de Cosmos pinchaban electrónica. Un par de años después todos los fibers bailaban encantados al ritmo de The Chemicals Brothers y Orbital. La electrónica había traspasado esa línea con que algunos talibanes separan lo que es indie de lo que no. Una línea que incluye algunos grupos y deja fuera otros con criterios a menudo incomprensibles. ¿Qué hubiera pasado si Morente hubiera actuado en el FIB hace diez o quince años, antes de que el flamenco fuera aceptado en el mundo indie a través de la reivindicación de Los Planetas? Cuando Morente fue al FIB ya estaba dentro de la línea, pero dudo que hace unos años hubiera sido considerado cool por los indies. Porque la inflexible línea roja se se vuelve dúctil con el paso del tiempo, según dicten las modas. Lo que hoy es hortera, antiguo o mainstream mañana puede ser cool. Otro ejemplo: Vainica Doble. Reivindicadas ahora, hubieran causado rechazo hace quince años.

Jesús Miguel Marcos señalaba también en twitter algunos nombres que los responsables del FIB podrían tener en cuenta, como Serrat, Julio Bustamante o Andrés Calamaro, y yo añadía, completamente en serio aunque consciente de que son palabras mayores, el de Raphael. Nombres propios de la música popular española de los que, más allá de filias y fobias personales, no habría por qué avergonzarse.

He de dejar claro que no soy en absoluto un fan incondicional de Venegas. De hecho, apenas la sigo. Tiene canciones que me gustan, pero no es una artista que me entusiasme. Eso no evita que me sorprendan y hasta indignen algunas posturas radicales que intuyo tienen más que ver con la pose que con la pasión y curiosidad que se le supone a todo amante de la música. Seguramente sobren etiquetas (indie, mainstream) que han perdido el sentido que un día pudieron tener. Y sobre todo sobra esa línea dentro de la cual caben Keane, The Killers, Lori Meyers o Muse pero no Julieta Venegas, Serrat, Raphael o Beyoncé. Eso hoy; mañana, quién sabe.

El irreal Madrid

2011-01-20T12:43:00.001+01:00

Augusto Algueró, fallecido el pasado domingo, fue un versatil y prolífico compositor español. Entre su extensa obra se cuentan canciones para Serrat ('Penélope'), Concha Velasco ('La chica ye-yé'), Nino Bravo ('Noelia', 'Te quiero, te quiero'), Marisol ('Tómbola', 'Estando contigo') y Los Bravos ('Great is our love'), además de auténticos hitazos souleros como 'Bocaccio soul' y 'Laugh laugh', música para obras de teatro e innumerables bandas sonoras para cine y televisión. En este último campo, trabajó en un programa para TVE dirigido por Valerio Lazarov, realizador rumano recién llegado a España en aquel entonces. El programa satírico musical, que llevaba por nombre 'El irreal Madrid', es una exquisita rareza surrealista con el mundo del balompié como fondo que resultó ganador de la Ninfa de Oro en el Festival de Montecarlo. Huelga decir que algo así sería hoy impensable en cualquiera de las tropecientas cadenas que pueblan el dial de nuestra TDT. En él, amén de la maravillosa música de Algueró, aparecen Miguel Ríos, Peret, Massiel, Marisol, Karina y Los Bravos. A continuación, la primera parte del programa, presentado por el propio Lazarov. El resto puede verse siguiendo los enlaces que hay más abajo. No tiene desperdicio.

Parte 2 Parte 3 Parte 4 Parte 5 Parte 6 Parte 7 Parte 8 Parte 9 Parte 10 Parte 11 Parte 12

Parecidos razonables: Hombres G vs Simon & Garfunkel

2011-01-18T00:33:00.003+01:00

Marta tiene un marcapasos (Hombres G, 1986)

At the zoo (Simon & Garfunkel, 1967)

Casa de citas: fútbol y religión

2011-01-07T19:53:00.005+01:00

Foto: wikipedia

“¿En qué se parece el fútbol a Dios? En la devoción que le tienen muchos creyentes y en la desconfianza que le tienen muchos intelectuales”.

"Una vez por semana, el hincha huye de su casa y asiste al estadio. Flamean las banderas, suenan las matracas, los cohetes, los tambores, llueven las serpientes y el papel picado; la ciudad desaparece, la rutina se olvida, sólo existe el templo. En este espacio sagrado, la única religión que no tiene ateos exhibe a sus divinidades. Aunque el hincha puede contemplar el milagro, más cómodamente, en la pantalla de la tele, prefiere emprender la peregrinación hacia este lugar donde puede ver en carne y hueso a sus ángeles, batiéndose a duelo contra los demonios de turno".

Eduardo Galeano, escritor uruguayo, autor de 'El fútbol a sol y a sombra'.

"El culto hispánico religioso ha cedido paso a una nueva fe, en la que los sacerdotes emergen desde una cavidad subterránea y ofician con el pie".

José Luis Sampedro.

"El fútbol me interesa porque es una religión benévola que ha hecho muy poco daño".

Manuel Vázquez Montalbán.

"El fútbol es una religión de diseño, así en Europa como en América y no puede permanecer sin Dios, porque al mismo tiempo es un poderoso comercio en manos de la televisión y de las marcas comerciales, en el que el público actúa como comparsa, como extra de superproducción de Hollywood, cuando Hollywood aún realizaba superproducciones. Pero esas cadenas de televisión y esas marcas saben que la supervivencia del fútbol depende de la corriente mágica que se establece entre los feligreses y los auténticos creadores capaces de ofrecer un instante mágico que será recordado y magnificado".

Manuel Vázquez Montalbán en El fútbol y los dioses.

"Fue la mano de Dios".

Diego Armando Maradona, futbolista divino, después de marcar un gol a Inglaterra con la mano.